ประวัติศาสตร์การเต้นรำ: กำเนิด วิวัฒนาการ และบริบททางประวัติศาสตร์ของการเต้นรำ

THE เต้นรำ เกิดมาพร้อมกับมนุษย์ยุคแรก

ผ่านการเคลื่อนไหวของร่างกาย การเต้นของหัวใจ การเดิน มนุษย์สร้างการเต้นเป็นรูปแบบของการแสดงออก

จากภาพเขียนที่พบในถ้ำ เรารู้ว่าชายและหญิงมีการเต้นรำตั้งแต่สมัยก่อนประวัติศาสตร์

การเต้นรำเป็นการแสดงออกทางศิลปะที่ใช้ร่างกายเป็นเครื่องมือ เช่นเดียวกับที่จิตรกรใช้พู่กันและผืนผ้าใบเพื่อสร้างภาพ นักเต้นก็ใช้ประโยชน์จากร่างกาย

นำเสนอในทุกชนชาติและทุกวัฒนธรรม การเต้นรำสามารถทำได้เป็นกลุ่ม คู่หรือเดี่ยว ผ่านการเต้นรำ ความสุข ความเศร้า ความรัก และความรู้สึกของมนุษย์ทั้งหมด

ที่มาและวิวัฒนาการของการเต้นรำ

การเต้นรำดั้งเดิม

เราเรียกว่าการเต้นรำดึกดำบรรพ์ที่เกิดขึ้นเองตามธรรมชาติและได้รับการฝึกฝนโดยชุมชน มักเป็นการเต้นรำที่ใช้เพื่อเฉลิมฉลองพิธีกรรมเฉพาะ เช่น การเก็บเกี่ยวหรือการมาถึงของฤดูกาลของปี

ในวัฒนธรรมพื้นเมือง การเต้นรำใช้ในงานปาร์ตี้หรือเพื่อเตรียมพร้อมสำหรับการทำสงคราม นอกจากนี้ยังใช้ในพิธีกรรมทางเช่นวัยผู้ใหญ่ตอนต้น

การเต้นรำนับพันปี

ในอารยธรรมโบราณ เช่น อียิปต์หรือเมโสโปเตเมีย การเต้นรำมีลักษณะที่ศักดิ์สิทธิ์ เป็นอีกวิธีหนึ่งในการให้เกียรติเทพเจ้า การเต้นรำประเภทนี้ยังคงมีอยู่จนถึงทุกวันนี้ในประเทศอย่างอินเดียและญี่ปุ่น

ในสมัยกรีกโบราณ การเต้นรำมีลักษณะเป็นพิธีกรรม ซึ่งใช้ในลัทธิของเหล่าทวยเทพ การเต้นรำที่อธิบายไว้มากที่สุดในสมัยโบราณคือการเต้นรำที่ใช้สำหรับเทศกาลของ Minotaur หรือเทพเจ้าแห่งไวน์ Bacchus

การเต้นรำในยุโรปตะวันตก

ด้วยการขยายตัวของศาสนาคริสต์ในยุโรป การเต้นรำจึงสูญเสียคุณลักษณะอันศักดิ์สิทธิ์ไป คุณธรรมของศาสนาคริสต์ทำให้ร่างกายเป็นแหล่งของบาป ดังนั้น จึงจำเป็นต้องควบคุม

ดังนั้น การเต้นรำจึงไม่เหมือนกับศิลปะอื่น ๆ การเต้นรำไม่ได้เข้าโบสถ์ และจำกัดเฉพาะเทศกาลและงานเฉลิมฉลองที่ได้รับความนิยมในปราสาทเท่านั้น โดยพื้นฐานแล้ว เราสามารถแยกความแตกต่างของการเต้นในยุคกลางได้สองประเภท: เป็นคู่ เป็นวงกลม หรือเป็นโซ่

มันจะเป็นลูกบอลประเภทนี้ที่จะทำให้เกิดการเต้นรำในสนามและต่อมากลายเป็นบัลเล่ต์อย่างที่เราเข้าใจในทุกวันนี้

การเต้นรำในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ก.ล.ต. XVI และ XVII)

การเต้นรำในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มได้รับสถานะเป็นศิลปะ ด้วยคู่มือ ครูเฉพาะทาง และเหนือสิ่งอื่นใด ผู้คนที่อุทิศตนเพื่อการศึกษา

ในอิตาลีมีคำว่า "บัลเล่ต์" ปรากฏขึ้น ผ่านการแต่งงานของเจ้าหญิง Maria de Medici แห่งฟลอเรนซ์กับกษัตริย์แห่งฝรั่งเศส Henry IV (1553-1610) การเต้นรำประเภทนี้มาถึงฝรั่งเศส Maria de' Medici (1575-1642) แนะนำ "บัลเล่ต์" ในราชสำนักฝรั่งเศส ที่นั่น คำนี้จะถูกแปลงเป็นบัลเลต์และมีชื่อเสียงในฐานะศิลปะที่คู่ควรแก่การฝึกฝนในราชสำนัก

ต่อมาที่ราชสำนักของกษัตริย์หลุยส์ที่สิบสี่ (1638-1715) การแสดงบัลเลต์ครั้งแรกเริ่มขึ้นด้วยการออกแบบท่าเต้น การแต่งกาย และการเล่าเรื่องโดยมีจุดเริ่มต้น ตรงกลาง และจุดสิ้นสุด สิ่งสำคัญคือต้องเน้นว่ากษัตริย์องค์นี้ใช้บัลเล่ต์เพื่อยืนยันร่างของเขาในฐานะราชาแห่งสมบูรณาญาสิทธิราชย์

ในราชสำนักของ Sun King นักแต่งเพลง Jean-Baptiste Lully (1632-1687) มีความโดดเด่น ผู้เขียนเพลงสำหรับการออกแบบท่าเต้นและผู้อำนวยการ Royal Academy of Music

การรู้จักการเต้นเป็นพื้นฐานในการศึกษาของขุนนาง การเต้นรำที่รู้จักกันดีที่สุดคือ minuet, the gavote, the zarabanda, the allamande และ giga

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 ในออสเตรียและจักรวรรดิเยอรมัน วอลทซ์ก็ปรากฏขึ้น ในขั้นต้น การเต้นทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาว เนื่องจากเป็นครั้งแรกที่คู่รักเต้นรำกอดกันและหันหน้าเข้าหากัน จังหวะนี้จะแผ่กระจายไปทั่วยุโรปและมาถึงบราซิลเมื่อศาลโปรตุเกสมาถึง

จนถึงทุกวันนี้ วอลทซ์ยังปรากฏอยู่ในงานเปิดตัวครั้งแรกและงานแต่งงาน

การเต้นรำในแนวจินตนิยม (ศตวรรษ. XIX)

ในศตวรรษที่สิบเก้า กับการเกิดของการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่โรแมนติก บัลเล่ต์ถูกรวมเป็นรูปแบบของการแสดงออกทางศิลปะ

ด้วยการเติบโตของชนชั้นนายทุนและการสร้างโรงละครที่ยิ่งใหญ่ บัลเลต์ออกจากห้องโถงของพระราชวังกลายเป็นปรากฏการณ์ นอกจากนี้ในโอเปร่า ซึ่งเป็นการแสดงออกทางศิลปะที่สำคัญอีกอย่างหนึ่งในขณะนั้น ในทางปฏิบัติจำเป็นต้องใส่หมายเลขการเต้นด้วย

อย่างไรก็ตาม บัลเลต์จะไปถึงจุดสูงสุดของการสร้างสรรค์งานศิลปะที่ศาลรัสเซีย นักแต่งเพลง Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893) ผู้ประพันธ์ผลงานเช่น "Swan Lake" และ "The Nutcracker" เป็นผู้สร้างสรรค์บัลเลต์แสนโรแมนติก

ฉากจากบัลเล่ต์ "Swan Lake" โดย Tchaikovsky

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 อดีตอาณานิคมของอเมริกาเริ่มสร้างการตีความใหม่ของดนตรีและการเต้นรำยุโรป ด้วยเหตุนี้ การร้องเพลงพระกิตติคุณจึงเกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกา การร้องไห้และ แซมบ้า, ในบราซิล; มันเป็น แทงโก้ในอาร์เจนตินาและอุรุกวัย

การเต้นรำสมัยใหม่ (ศตวรรษ. XX)

การเต้นรำสมัยใหม่จะเป็นการหยุดพักจากบัลเล่ต์คลาสสิกที่ได้รับการส่งเสริมในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 ถึงศตวรรษที่ 20

ด้วยการเติบโตของเมืองและการขยายตัวของอุตสาหกรรม ส่วนหนึ่งของสังคมไม่ได้ถูกระบุด้วยการแสดงบัลเลต์คลาสสิกแบบนั้นอีกต่อไป ชื่อต่างๆ เช่น Isadora Duncan (1878-1927) ปรากฏขึ้น ซึ่งเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่ทำลายล้างด้วยการเคลื่อนไหวที่เข้มงวด การแต่งกายของตูตัส และสถานการณ์ที่ยิ่งใหญ่

Isadora Duncan ชอบเสื้อผ้าเรียบง่ายที่มีทิวทัศน์และเต้นรำด้วยเท้าเปล่า ผลงานของเขาได้เปิดโอกาสให้ภาษาใหม่ๆ มากมายในการเต้นรำร่วมสมัย

นาฏศิลป์ร่วมสมัย (ศตวรรษ. XX และ XXI)

การเต้นรำร่วมสมัยเป็นสิ่งที่สร้างขึ้นจากยุค 60 ในศตวรรษที่ 20

ต่อจากการทดลองการเต้นรำสมัยใหม่ ผู้สร้างร่วมสมัยผสมผสานละครและการเต้นรำ ขจัดรูปร่างของศิลปินเดี่ยว และให้ความเท่าเทียมกันมากขึ้นระหว่างชายและหญิงบนเวที

มีกลุ่มที่แจกเพลงในท่าเต้นของพวกเขา การค้นหาภาษาใหม่เป็นพื้นฐานสำหรับนาฏศิลป์ร่วมสมัย

ดูด้วย:การเต้นคืออะไร?

ประวัติการเต้นรำในบราซิล

การเต้นรำในบราซิลเป็นผลมาจากการผสมผสานระหว่างขนบธรรมเนียมประเพณีของชนพื้นเมือง แอฟริกา และโปรตุเกส

วิธีที่ชาวอินเดียและแอฟริกันเคลื่อนไหวค่อนข้างแตกต่างจากที่ชาวยุโรปรู้ ชาวแอฟริกันที่ตกเป็นทาสเต้นรำเพื่อเป็นเกียรติแก่ orixás ของพวกเขาและการเคลื่อนย้ายร่างกายนั้นทำให้ชาวโปรตุเกสอับอายขายหน้า

การเต้นรำอย่างหนึ่งที่สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 19 โดยทาสผิวดำคือ "อุมบิกาดา" ประกอบด้วยคู่เดินเข้าหาด้วยการเคลื่อนไหวร่างกายจนแตะสะโพกเบาๆ

การเต้นรำอีกอย่างที่ทำในบราซิลคือ maxixe ที่ลูกบอลนี้ คู่รักกอดกันและกระโดดเล็กน้อย นี่เป็นแนวเพลงยอดนิยมที่เอาชนะนักประพันธ์เพลงเช่น Ernesto Nazareth และ Chiquinha Gonzaga.

ในภาคตะวันออกเฉียงเหนือของบราซิล การเต้นรำที่โดดเด่นที่สุดอย่างหนึ่งคือ Frevo. ลักษณะนี้เป็นการผสมผสานระหว่าง March, maxixe และ step of capoeira.

คุณชอบมันไหม? มีข้อความเพิ่มเติมเกี่ยวกับเรื่องนี้สำหรับคุณ:

• ประวัติศาสตร์การเต้นรำในบราซิล
• การเต้นรำแอฟริกัน
• การเต้นรำพื้นบ้าน
• พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 กษัตริย์ซุน