Tablica abaporu jest jednym z najbardziej emblematycznych dzieł w historii sztuki w Brazylii.
Został namalowany farbą olejną przez artystę z São Paulo Tarsila do Amaral w 1928 roku i podarowana jako prezent urodzinowy mężowi, ówczesnemu poecie Oswaldowi de Andrade.
Płótno należy do modernizmu brazylijskiego i inauguruje nową fazę tego ruchu: faza antropofagiczna.
W 1995 roku płótno zostało sprzedane na aukcji argentyńskiemu kolekcjonerowi Eduardo Costantini za 1,43 miliona. Obecnie praca znajduje się w Muzeum Sztuki Latynoamerykańskiej w Buenos Aires (MALBA).
Analiza i znaczenie pracy abaporu
Ten ekran został nazwany abaporu Oswald de Andrade na skrzyżowaniu słów Tupi patka (mężczyźni), drzwi (ludzie i ú (jeść). Dlatego jego znaczenie to „człowiek, który zjada ludzi” lub „człowiek zjadający ludzi”.
W pracy tej przedstawiona jest postać ludzka siedząca w zamyślonej pozycji w jałowym i słonecznym krajobrazie. Jednak to, co wyróżnia się w pracy, to właśnie podkreślenie wielkości kończyn, ze szkodą dla wielkości głowy.
Widzimy ramię, nogę, rękę, a przede wszystkim stopę w przerysowanych wymiarach. Ta funkcja została nazwana gigantyzm i był używany przez Tarsila na innych płótnach.
W ten sposób widzimy wagę, jaką artysta przywiązuje do siły stóp i rąk, które sprawiają, że fizyczna praca Brazylijczyków jest opłacalna.
Mniejsza głowa może wskazywać na rzekomy brak krytycznego myślenia i „uspokajania” ludności. Ze względu na te elementy taki obraz jest postrzegany jako krytyka społeczna.
Jeśli chodzi o kolory w kompozycji, wybór padł na żywe odcienie, które nawiązują do Brazylijskość, podkreślając zieloną, żółtą i niebieską kolorystykę flagi narodowej.
Kaktus i słońce nawiązują również do kultury brazylijskiej, zwłaszcza do regionu północno-wschodniego, który ma taką roślinność i słońce przez cały rok.
Głowa spoczywająca na dłoni i łokieć na kolanie również wskazują nam na pewne przygnębienie, nieszczęście, apatię czy depresję.
ruch antropofagiczny
Ruch antropofagiczny – lub antropofagiczny – był nurtem artystycznym w obrębie brazylijski modernizm.
Impulsem do powstania tego ruchu były właśnie ramy” abaporu co, jak powiedziano wcześniej, ma znaczenie „człowiek, który zjada ludzi”.
Ten aspekt sztuki zachęcał artystów do tworzenia dzieł nastawionych na kulturę kraju, nawet pod wpływem Europejska awangarda.
Celem było zasymilowanie, „połknięcie” sztuki tworzonej w Europie i zjednoczenie z nią elementów i zainteresowań Brazylijczyków, co dało prawdziwie narodowy typ sztuki.
W tym czasie, jeszcze w 1928 roku, utworzyli go: Oswald de Andrade O Manifest antropofagiczny, dokument, który w satyryczny, dowcipny i poetycki sposób przyniósł podstawy nowego nurtu kulturowego.
We fragmencie manifestu czytamy:
Łączy nas tylko antropofagia. Społecznie. Ekonomicznie. Filozoficznie. Jedyne prawo na świecie. Zamaskowany wyraz wszystkich indywidualizmów, wszystkich kolektywizmów. Ze wszystkich religii. Ze wszystkich traktatów pokojowych. Tupi, czy nie Tupi, oto jest pytanie. Przeciw wszelkiej katechezie. I przeciwko matce Gracos. Interesuje mnie tylko to, co nie jest moje. Prawo człowieka. Prawo kanibala.
Tarsila do Amaral
Tarsila do Amaral urodził się 1 września 1886 roku w mieście Capivari, we wnętrzu São Paulo. Pochodzi z zamożnej rodziny, studiuje w São Paulo i kończy edukację w Barcelonie w Hiszpanii.
Jeszcze jako nastolatek interesował się sztuką, malując swoje pierwsze płótno w wieku 16 lat.
W latach 1926-1930 była żoną artysty i agitatora kulturalnego Oswalda de Andrade. W tym okresie para dołącza do innych artystów w tzw grupa pięciu, skomponowane przez nich i przez Anita Malfatti, Mario de Andrade i Menotti Del Picchia. Razem rozpoczynają nową fazę kulturową w Brazylii.
W 1965 artysta przeszedł operację kręgosłupa i został sparaliżowany z powodu błędu lekarskiego. Tarsila zmarł w wieku 86 lat w 1973 roku i pozostawił bezcenną spuściznę.
Reinterpretacje Abaporu
Podobnie jak w przypadku ważnych dzieł sztuki, obraz Abaporu został również zreinterpretowany.
Artysta Alexandre Mury, urodzony w mieście São Fidélis (wnętrze Rio de Janeiro), wykonał wersję fotograficzną płótna w 2010 roku, co składa się na większą pracę, w której fotografuje się w kilku innych reinterpretacjach prac ikonowy.
Nadal istnieje wersja version abaporu wyprodukowany przez słynnego artystę plastyka Romero Britto.
Ponadto można zauważyć, że praca była szeroko wykorzystywana jako materiał dydaktyczny, a kilku brazylijskich studentów również powtórzyło jej reinterpretacje.
Aby poznać inne ważne prace, przeczytaj:
- światowej sławy obrazy
- Emigranci, autor: Portinari: analiza pracy
