Tarsila do Amaral hij behoort tot de bekendste en meest geprezen namen in de nationale schilderkunst en is een icoon van de braziliaans modernisme. Integratie van verschillende typische elementen van de Braziliaanse cultuur, was de kunstenaar in staat om haar eigen culturele identiteit te produceren, die de trends van de moderne Europese kunst assimileerde en ze nationale kleuren gaf.
Naast de modernistische periode, zijn beroemdste werk, de abaporu, symbool van het Antropofaag Manifest uit 1928, is ook: het meest waardevolle schilderij in de geschiedenis van de Braziliaanse kunst. Bovendien is Tarsila do Amaral een van de grote vertegenwoordigers van de Latijns-Amerikaanse kunst, met tentoonstellingen die aan haar zijn gewijd en die in grote musea over de hele wereld circuleren.
Biografie
Tarsila do Amaral werd geboren op 1 september 1886 op de boerderij van São Bernardo, in de gemeente Capivari (SP). In
rijke familie, erfgename van grote landelijke eigendommen in het binnenland van São Paulo groeide hij op, samen met zeven broers en zussen, luisterend naar zijn moeder die piano speelde en zijn vader om gedichten voor te dragen in het Frans, een taal die hij van kinds af aan leerde. Ze werd naar de hoofdstad gestuurd om te studeren aan het Colegio Sion en vervolgens naar Barcelona om haar studie af te ronden. In Spanje schilderde hij zijn eerste schilderij, Heilig Hart van Jezus.Bij terugkeer trouwde ze met de arts André Teixeira Pinto, met wie ze verloofd was. De man stoorde zich aan zijn artistieke ambacht, hij legde Tarsila een ingetogen en huiselijk gedrag op. Na de geboorte van de enige dochter van het paar, Dulce, besloot Tarsila om... scheiding. Dankzij de enorme invloed van zijn familie – die zijn carrière in de kunst altijd heeft gesteund – slaagde hij er in 1925 in om nietigverklaring van uw huwelijk (want echtscheiding was toen nog niet wettelijk toegestaan in Brazilië).
In 1918 begon het schilderlessen in het atelier van Pedro Alexandrino, waar hij de schilder Anita Malfatti ontmoette. In 1920 vertrok hij naar Parijs, waar hij tot juni 1922 bleef, studeerde aan de Académie Julien en volgde lessen bij de schilder Emile Renard. Was uit brieven van Malfatti dat Tarsila op de hoogte werd gebracht van de Week van de moderne kunst, die plaatsvond in februari 1922.
Terug naar Sao Paulo, Malfatti introduceerde Tarsila bij modernistische kunstenaars, en de "groep van vijf”: Anita Malfatti, Oswald de Andrade, mario de andrade, Menotti del Picchia en Tarsila do Amaral. Tijdens deze periode begonnen Tarsila en Oswald een romantische relatie en een paar jaar later een officieel huwelijk. Het was op dit punt dat Tarsila moderne kunst begon te produceren.
Eind 1922 keerde Tarsila terug naar Parijs, dit keer studeren met kubistische meesters Albert Gleizes en Fernand Léger. De Frans-Zwitserse dichter Blaise Cendrars introduceerde Tarsila en Oswald bij de hele Parijse intelligentsia, waaronder grote namen als Picasso, het echtpaar Delaunay en de muzikanten Stravinsky en Erik Satie. Tijdens dit nieuwe verblijf in Frankrijk raakte Tarsila bevriend met andere Braziliaanse artiesten die er waren, zoals Villa-Lobos en Di Cavalcanti, en ook met mecenassen Paulo Prado en Olivia Guedes Penteado.
In 1925 bracht Oswald zijn dichtbundel uit, getiteld Brazilwood, met illustraties van Tarsila. Oscillerend tussen de grote seizoenen in Europa en reizen door Brazilië op zoek naar het vastleggen van de nationale kleuren voor hun doeken, première in 1926 met een solotentoonstelling in Parijs, het ontvangen van zeer lovende recensies.
De grote 1929-crisishad echter ongunstige gevolgen voor Tarsila. Zijn familie van boeren, die de nodige middelen verschafte voor zoveel reizen naar Frankrijk, was getroffen door de koffiecrisis en gedwongen om de eigendommen te verkopen. Tarsila verloor bijna al haar fortuin en verder, gescheiden van Oswald, dan verliefd op student Patrícia Galvão, Pagu. Tarsila kreeg een baan bij de S Pino Paulo State Pinacoteca, een situatie die ook niet lang duurde, want ze werd ontslagen met de komst van Getulio Vargas 1930 aan de macht.
Werkloos en zonder geld verkocht ze enkele schilderijen en reisde in 1931 naar de Sovjet Unie, samen met haar nieuwe echtgenoot, de psychiater Osório César. Tijdens deze reis, Tarsila ontwikkelde een nieuwe politieke opvatting, meer gericht op sociale vragen. Daarna vertrok ze naar Parijs, waar ze in feite de werkervaring opdeed, werken als muurschilder in gebouwen.
Tarsila scheidde opnieuw en trouwde met schrijver Luiz Martins, twintig jaar jonger dan zij. Het huwelijk duurde tot de jaren zestig of zo. In 1965, als gevolg van ernstige rugpijn, de schilder, een chirurgische ingreep heeft ondergaan, maar door een medische fout kon hij niet lopen. Het jaar daarop stierf haar dochter aan diabetes, wat Tarsila diep schokte. Ondergedompeld in verdriet en depressie, vond Tarsila de... spiritisme een verademing - ze raakte bevriend met Chico Xavier en begon alles te doneren aan een liefdadigheidsinstelling die door hem werd beheerd, wat ze had verdiend met de verkoop van haar werk.
Tarsila do Amaral stierf op 17 januari 1973 in São Paulo.
Lees ook: Modernisme in Brazilië – kenmerken, fasen, werken
Tarsila en modernisme
Hoewel hij niet actief deelnam aan de Modern Art Week van 1922, werd Tarsila de grote naam in de beeldende kunst van het nationale modernisme. Pas door haar ontmoeting met modernistische kunstenaars ontwikkelde Tarsila de stijl waar ze bekend om stond.
Zijn reizen door Brazilië, vooral door het binnenland van São Paulo en Minas Gerais, in 1923, gaven hem inspiratie voor zijn eerste composities beïnvloeden kubistisch, in gestileerde geometrische vormen, gebruikmakend van de kleuren die door hun vorige meesters als "hillbilly" werden beschouwd, gekoppeld aan academische schilderkunst.
In het volgende fragment onthult Tarsila haar bedoelingen en haar toewijding aan de zoektocht naar een echt Braziliaanse kunst, modernistische onderneming bij uitstek:
“Ik voel me steeds meer Braziliaans: ik wil de schilder van mijn land worden. Wat ben ik dankbaar dat ik mijn hele jeugd op de boerderij heb doorgebracht. De herinneringen aan die tijd worden me dierbaar. In de kunst wil ik de caipirinha [van de boerderij] van São Bernardo zijn, spelend met wilde poppen, zoals in het laatste schilderij dat ik aan het schilderen ben.”
(Brief van Tarsila do Amaral aan de familie, tijdens haar verblijf in Parijs, in 1924)
Het werk van Tarsila do Amaral is verdeeld in drie hoofdfasen: de eerste, genaamd brazilië; de seconde, antropofagisch, en de derde, van opdruk sociaal.
sequoia fase
Het is gerelateerd aan werken geproduceerd tussen 1924 en 1928, van reizen naar Rio de Janeiro, tijdens carnaval en naar de historische steden Minas Gerais. Het is de toepassing van dergelijke "Lint kleuren", afgewezen door de academische meesters van de schilderkunst, en Tarsila's grote bedoeling in intention vertegenwoordigen landelijk en stedelijk Brazilië op je foto's. De werken uit deze fase tonen de invloed van het kubisme en thema's die boven alles zijn Braziliaanse landschappen, zoals Favela-heuvel (1924) en So Paulo (1924).
Antropofagische fase
Het begon in 1928, van het iconische werk abaporu - wiens naam de combinatie is van de woorden "aba" en "poru", wat "man die eet" betekent in Tupi-Guarani. Geschilderd als verjaardagscadeau voor haar toenmalige echtgenoot, Oswald de Andrade, werd het veel meer dan dat: het was de belangrijkste inspiratiebron voor het schrijven van het Antropofaag Manifest en voor het begin van een artistieke beweging die exponenten had in verschillende segmenten van de nationale kunst.
Het centrale idee van het antropofage project was: verslind de invloeden van de Europese cultuur, omdat ze niet van toepassing waren op Braziliaanse aandoeningen, en van slikken, wijzigen wat werd verslonden, het produceren van echt nationale kunst.
Tarsila's antropofagische schilderij vermengt de moderne leer van het kubisme met een universum van mystieke en dromerige dichtheid, vrij geworteld in de Braziliaanse cultuur, gebruik maken van Levendige kleuren, zoals rood, paars, groen en geel. Ze maken deel uit van deze fase, naast de abaporu (1928), de werken het zwart (1923), die op deze fase anticipeerde, Het ei [Urutu] (1928), De maan (1928), Woud (1929), Zonsondergang (1929), oa.
sociale fase
Na haar tijd in de Sovjet-Unie en nadat ze in Frankrijk als bouwmuurschilder had gewerkt, begon Tarsila na te denken over haar thematische werken met betrekking tot de proletariaat, à sociale ongelijkheid, Bij onderdrukkingen geleden door de arbeiders, aan de problemen van industrieel kapitalisme.
Het bord de arbeiders (1933) luidt deze nieuwe picturale fase in, gekenmerkt door de gebruik van meer sobere en grijzere kleuren, een weerspiegeling van de hopeloosheid van degenen die, hoewel ze onvermoeibaar werkten, geen toegang hadden tot basisgoederen zoals gezondheid en onderwijs. De schilderijen worden ook beschouwd als een groot icoon van deze fase. Tweede klas (1933) en naaisters (1936).
Lees ook:Kubisme - de artistieke avant-garde die Tarsila. beïnvloedde
belangrijkste werken
- het zwart (1923)
- de cuca (1924)
- Favela-heuvel (1924)
- So Paulo (1924)
- de papajaboom (1925)
- Zelfportret (Manteau Rouge) (1925)
- Manaca (1927)
- abaporu (1928)
- Het ei (Urutu) (1928)
- Afstand (1928)
- De maan (1928)
- Slaap (1928)
- antropofagie (1929)
- Zonsondergang (1929)
- Woud (1929)
- Ansichtkaart (1929)
- arbeiders (1933)
- Tweede klas (1933)
door Luiza Brandino
Literatuur leraar
Bron: Brazilië School - https://brasilescola.uol.com.br/biografia/tarsila-amaral.htm