Сликарство је једна од најтрадиционалнијих и најцењенијих врста уметности на свету. Кроз њега су велики уметници изразили идеје и осећања, остављајући тако непроцењиво наслеђе.
Према речима шпанског сликара Пабла Пикаса:
Сликање никада није проза. Поезија је та која је написана стиховима у пластичним римама.
Одабрали смо 15 слика рађених уљаном бојом које су ушле у историју западне уметности. Таква дела су овековечена као културни симболи, било зато што доносе уметничке иновације, политичка питања или зато што представљају тежње и осећања заједничка човечанству.
1. Мона Лиса Леонарда Да Винчија
Одбор Мона Лиза - имају право ТХЕ Гиоцонда изворно - је стварање Леонардо да Винчи, једна од најслављенијих личности италијанске ренесансе.
У њему је жена приказана загонетним изразом лица, показујући врло интригантан благи осмех који нас позива да замислимо какве би могле бити њене мисли и осећања. Да ли је Мона Лиса показивала задовољство, невиност или одређену ароганцију?
Многи теоретичари и уметнички критичари покушали су да разоткрију ову мистерију и неколико уметничких остварења је било рађена инспирисана овом сликом која се може сматрати једним од највећих ремек-дела у историји уметности западни.
2. Герника Пабла Пикаса
Гуерница је једна од најимблематичнијих слика шпанског сликара Пабла Пикаса, великог представника кубизма.
У овом делу приказује страхоте шпанског грађанског рата, посебно бомбардовање баскијског града Гернице 26. априла 1937.
Ово велико платно постало је симбол у борби против свих врста рата и револуционирало је историјско сликарство, јер се према патњи односи безвремено.
3. Пољубац Густава Климта
Платно, које је насликао Аустријанац Густав Климт 1907. то је познато дело у историји уметности. Ова слика је непрестано репродукована и утискивана на предмете, представљајући икону западне културе.
Дело је део такозване „златне фазе“ у Климтовој уметничкој продукцији, када у својим композицијама злоупотребљава блиставе елементе који се односе на драго камење, па чак и на златне листиће.
У Пољубац, приказан је пар (што би био сам уметник и његова супруга), у испреплетаном положају, што сугерише наклоност и топлину.
Међутим, ако се погледа изблиза, такође је могуће уочити да се мушкарац сагиње над вољеном, чинећи активну фигуру у овом загрљају, а жена која клечи, био би знак женског потчињавања.
4. Врисак Едварда Мунцха
Врисак је најпознатија слика Едварда Мунцха, норвешког сликара. Ово дело је репродуковано током времена, укључујући и друге уметнике као што је Анди Вархол.
Његов успех је вероватно био тај што је Мунцх могао врло успешно да прикаже осећај тескобе и усамљености којима су људи подвргнути.
Бојом, облицима и линијама сликар је у ову композицију уградио симбол људског очаја, који је уједно икона експресионистичког авангардног покрета.
5. Јацксон Поллоцк бр. 5
1948. године, у послератном периоду, Американац Јацксон Поллоцк произвео је платно под насловом Бр. 5.
Уметник је био један од претеча апстрактног експресионизма, уметничког покрета који се појавио 40-их година у САД-у.
Овај рад је рађен техником капље (кап по кап), сликар много истраживао. Метода се састоји од изливања течне боје на велика платна развучена на поду. На тај начин сликар изводи опсежне телесне покрете, готово као да је „ушао“ у дело у тренутку стварања.
У мају 2006. слика је продата за запањујућих 140 милиона долара, што је највиша цена плаћена за слику до 2011. године.
6. Девојке Диега Веласкеза
У почетку насловљено Породица Филипа ИВ, одбор Девојке, насликао је 1656. године уметник Диего Велазкуез. Ово дело представља златно доба сликара, рођеног у граду Севиљи, Шпанија.
Слика приказује могућу свакодневну сцену суда из 17. века. Наизглед једноставно, платно носи низ елемената које гледалац „открива“, што га чини једним од најдубљих дела у историји уметности.
На слици је сликар себе приказао како ради на платну по наруџби краљева Филипеа ИВ и Маријане, које се огледа у огледалу у задњем делу собе. Ова карактеристика такође нам даје осећај да би они били гледаоци самог дела.
7. Изједаоци кромпира Винцента Ван Гогха
Ово дело је произвело 1885 Винсент Ван Гог, Холандски сликар постимпресионизма и експресионизма. Веома хваљен данас, Ван Гогх је био усамљени уметник и за свог живота имао је врло мало признања.
Дотична слика приказује сељачку породицу која једе у свом скромном дому, осветљеном пригушеном лампом. То је добро дело сликара и приказује техничке еволуције његовог сликарства, утискујући експресионистичке карактеристике које ће постати његов заштитни знак.
Поред тога, показује велико интересовање за социјална и хуманитарна питања. Према самом уметнику:
Желео сам да се свесно посветим изражавању идеје да су и ови људи који у овом светлу једу кромпир рукама, обрађивали земљу. Моја слика зато велича физички рад и храну коју су сами тако искрено зарадили.
8. Трајност сећања Салвадора Далија
Салвадор дали био каталонски сликар који је био део надреализма у Европи. Једна од његових најпознатијих слика је ТХЕУпорност памћења.
У овом делу Дали представља проток времена кроз узнемирујућу фигуру растопљених сатова у сушном пејзажу, безобличном телу, мравима и муви.
У позадини је такође могуће приметити присуство литице и мора, предео који упућује на његово место порекла, Каталонију.
Ово дело је пронађено од 1934. године у Музеју модерне уметности у Њујорку, у Сједињеним Државама.
9. Утисак, Излазеће сунце Клода Монеа
Клод Моне, важан сликар импресионизма, европског авангардног уметничког покрета, осмислио је ово дело 1872. године.
Композиција је оријентир у сликарству, јер показује нови начин четкања, бележећи тренутак када сунце прелази маглу у заливу Ле Хавре, у Нормандији.
Може се сматрати да је иновација присутна у овом делу револуционисала сликарство.
Тадашња штампа је реаговала против новог стила и сматрала је ово платно „недовршеним“ делом. Изложба на којој је приказана пејоративно је названа „импресионистичка изложба“ и изабрана Штампање, излазеће сунце као највећу мету критике. Због ове епизоде импресионистичка струја је тако названа.
10. Погубљења Франциска де Гоје 3. маја
Три егзекуције, Три маја 1808. у Мадриду или егзекуције на планини Принципе Пио, слика је шпанског сликара Франциска де Гоје.
На овој слици Францисцо де Гоиа представља импресиван портрет геноцида који се догодио у Мадриду 1808. године. Овај догађај био је последица такозваног Полуострвског рата (1807-1814), када је Наполеон Бонапарта напао Шпанију.
Дан пре овог страшног масакра, неки из Мадрида сукобили су се са наполеонским трупама. Имајући само меле оружје, суочили су се са непријатељском коњицом и били су тешко потиснути.
Ову епизоду је у делу приказао и Гоја 2. маја у Мадриду и чине дует са Пуцњава 3. маја.
Као укор „смелости“ цивила, извршен је масакр који је кулминирао смрћу небројених невиних. Гоиа, који је живео врло близу места, био је сведок таквих епизода и годинама касније осмислио ово платно, које ће постати прекретница у историји уметности и осуда ратних страхота - утичући на друге уметнике попут Пикаса у продукцији од твог Гуерница.
На питање зашто је насликао ове злочине, Гоја је одговорио:
Да имам задовољство да заувек кажем мушкарцима да не буду варвари.
11. Млада девојка са бисерном минђушом Јоханеса Вермеера
Одбор Девојка са бисерном минђушом сматра се „холандском Мона Лизом“, јер такође показује женску фигуру обавијену мистериозном атмосфером.
Сматра се да је Јоханнес Вермеер, холандски уметник, овај портрет израдио 1665. године - платно није датовано. У њему посматрамо девојку која нас ведрим и чедним ваздухом узвраћа, доносећи сјај на њене раздвојене усне.
Још једна претпоставка односи се на украс на глави младе жене. У то време се турбан више није користио, па се претпоставља да је Вермеер инспирисан другим делом, дечак у турбану, који је насликао Мицхаел Свеертс 1655.
Ово је сликарево најпознатије дело и инспирисало је продукцију књиге и филма, оба са истим именом као и слика.
12. Ручак лађара, Пиерре-Аугусте Реноир
1881. год. Пјер-Огист Реноар завршава сликање оквира Ручак наутичара, важан експонент импресионистичког покрета.
У делу сликар разрађује срећну и опуштену сцену показујући сусрет пријатеља опраних са пуно хране и прелеп поглед на реку Сену. Сви портретирани људи били су блиски пријатељи Реноира, а једна од жена која се појављује на екрану постала је његова супруга годинама касније.
Овај уметнички тренд бавио се хватањем природног осветљења и спонтаних сцена кроз фиксирање тренутка. Можемо рећи да је импресионизам био авангардни покрет који је дао подстицај такозваној модерној уметности.
13. Болница Хенри Форд (Летећи кревет) Фрида Кахло
Фрида Кало био важан мексички уметник који је живео у првој половини 20. века.
Њена слика, готово увек аутобиографска, приказује њен бол, њену велику љубав (такође сликара Диега Ривера), понос због тога што је жена и због свог порекла из Латинске Америке.
Фридина продукција је крцата симболизмом и елементима који кокетирају са надреализмом, иако сликар пориче да је део таквог покрета и да је ближи врсти конфесионалне уметности. Она наводи:
Никад не сликам снове или ноћне море. Сликам своју стварност.
У делу које је постало познато као Летећи кревет, уметница приказује болну епизоду у свом животу, када губи дете које је чекало Диега.
Фрида је претрпела неколико узастопних побачаја, јер није могла да одржи трудноћу због проблема са стечен као дете - заразио се дечијом парализом - и у адолесценцији, када је претрпео озбиљну несрећу. воз.
Пре неколико година Фриду је "открила" већина људи и сматра се иконом уметности, па чак и поп културе и феминистичког покрета.
14. Исељеници из Цандида Портинарија
ретреатанти то је сликарско дело Цандидо Портинари, рођен у унутрашњости Сао Паула, у граду Бродовски.
Платно је створено 1944. године и приказује породицу миграната, људе који се селе из североисточног региона на друга места у нади да ће избећи сушу, сиромаштво и смртност новорођенчади.
Упечатљив је начин на који уметник приказује танка, исцрпљена и измучена тела израза у сушном и сивом пејзажу.
Постоје лешинари који лете изнад људи, као да чекају своју смрт. Деца су приказана неухрањена и болесна - имајте на уму дечака са десне стране који има трбух несразмеран телу, знак воденастог трбуха.
Можемо направити паралелу између овог дела и књижевног дела Видас Сецас, које је годинама пре, 1938. године, написао писац Грацилиано Рамос и које се бави истом темом.
Портинари је био сјајан уметник који је, између осталог, ценио бразилски народ и осуђивао социјалне проблеме земље.
15. Абапору из Тарсила до Амарал
абапору је продукција уметнице Тарсила до Амарал, истакнуте личности бразилског модернистичког покрета.
Име дела је аутохтоног порекла и, према уметнику, значи „антропофаг“ - што је исто што и канибал. Као резултат овог рада, Освалд де Андраде, Тарсилин супруг и такође уметник, дефинише основе антропофагијске теорије за модерну уметност у Бразилу.
Таква теорија предлаже да бразилски уметници пију из извора европских авангардних покрета, али развијају производњу са националним карактеристикама. Позната фраза која дефинише период је:
Једино нас спаја антропофагија.
Абапору доноси вредност ручног рада, са истакнутим рукама и ногама. Јаке боје, кактус и сунце такође алудирају на тропску климу и пејзаж.
Прочитајте такође: Модернистичка дела Тарсиле до Амарала
