Maľba je jedným z najtradičnejších a najoceňovanejších druhov umenia na svete. Prostredníctvom nej veľkí umelci vyjadrili nápady a pocity, a tak zanechali neoceniteľné dedičstvo.
Podľa španielskeho maliara Pabla Picassa:
Maľba nie je nikdy próza. Je to poézia, ktorá je písaná s plastickými veršami.
Vybrali sme 15 obrazov vyrobených v olejovej farbe, ktoré sa zapísali do histórie západného umenia. Takéto diela sa udržiavajú ako kultúrne symboly, buď preto, že prinášajú umelecké inovácie, politické otázky, alebo preto, že predstavujú spoločné túžby a pocity pre ľudstvo.
1. Mona Lisa od Leonarda Da Vinciho
Doska Mona Lisa - oprávnený THE Gioconda pôvodne - je výtvorom Leonardo da Vinci, jedna z najoslavovanejších osobností talianskej renesancie.
Žena je v ňom vykreslená so záhadným výrazom tváre a vykazuje veľmi zaujímavý mierny úsmev, ktorý nás vyzýva, aby sme si predstavili, aké môžu byť jej myšlienky a pocity. Prejavovala Mona Lisa uspokojenie, nevinu alebo istú aroganciu?
Mnoho teoretikov a kritikov umenia sa pokúsilo rozlúštiť túto záhadu a niekoľko umeleckých produkcií bolo vyrobené inšpirované týmto obrazom, ktorý možno považovať za jedno z najväčších majstrovských diel v histórii umenia západný.
2. Guernica od Pabla Picassa
Guernica je jedným z najvýraznejších obrazov španielskeho maliara Pabla Picassa, ktorý je veľkým predstaviteľom kubizmu.
V tejto práci vykresľuje hrôzy španielskej občianskej vojny, najmä bombardovanie baskického mesta Guernica 26. apríla 1937.
Toto veľké plátno sa stalo symbolom v boji proti všetkým typom vojen a prinieslo revolúciu v historickej maľbe, pretože nadčasovo zaobchádza s utrpením.
3. Bozk Gustáva Klimta
Plátno, namaľované Rakúšanom Gustáv Klimt v roku 1907 je to slávne dielo z dejín umenia. Tento obraz bol neustále reprodukovaný a vtláčaný do predmetov, čo predstavuje ikonu západnej kultúry.
Dielo je súčasťou takzvanej „zlatej fázy“ v Klimtovej umeleckej tvorbe, keď vo svojich kompozíciách zneužíva trblietavé prvky, ktoré odkazujú na drahé kamene a dokonca aj zlaté listy.
V Bozk, je zobrazený pár (ktorý by bol samotným umelcom a jeho manželkou), v prepletenej polohe, naznačujúcej náklonnosť a vrúcnosť.
Pri bližšom pohľade je však tiež možné pozorovať, že muž sa skláňa nad svojou milovanou, ktorá je aktívnou postavou v tomto objatí, a žena na kolenách by bola znakom ženského podriadenia.
4. Výkrik Edvarda Muncha
Výkrik je najslávnejší obraz nórskeho maliara Edvarda Muncha. Toto dielo bolo v priebehu času reprodukované vrátane ďalších umelcov ako Andy Warhol.
Jeho úspech bol pravdepodobne ten, že Munch dokázal veľmi úspešne vykresliť pocit úzkosti a osamelosti, ktorému sú ľudia vystavení.
Farbami, tvarmi a líniami maliar v tejto kompozícii vybudoval symbol ľudského zúfalstva, ktoré je zároveň ikonou avantgardného expresionistického hnutia.
5. Jackson Pollock č. 5
V roku 1948, v povojnovom období, vytvoril plátno Američan Jackson Pollock Č. 5.
Umelec bol jedným z predchodcov abstraktného expresionizmu, umeleckého hnutia, ktoré vzniklo v 40. rokoch v USA.
Táto práca bola vyrobená pomocou tejto techniky kvapká (kvapkanie), maliarom veľmi preskúmané. Metóda spočíva v nalievaní tekutej farby na veľké plátna natiahnuté na podlahe. Týmto spôsobom maliar vykonáva rozsiahle telesné pohyby, takmer akoby „vstúpil“ do diela v okamihu stvorenia.
V máji 2006 sa obraz predal za závratných 140 miliónov dolárov, čo bola najvyššia cena zaplatená za obraz do roku 2011.
6. Dievčatá Diega Velázqueza
Pôvodne s názvom Rodina Filipa IV, doska Dievčatá, bol namaľovaný v roku 1656 umelcom Diegom Velázquezom. Táto práca predstavuje zlatý vek maliara, ktorý sa narodil v meste Sevilla v Španielsku.
Obraz zobrazuje pravdepodobne každodennú dvornú scénu zo 17. storočia. Plátno je zjavne jednoduché a nesie sériu prvkov, ktoré má divák „objaviť“, čo z neho robí jedno z najhlbších diel v histórii umenia.
Na maľbe maliar vyobrazil prácu na plátne, ktoré si objednali králi Filipe IV. A Mariana a ktoré sa odrážajú v zrkadle v zadnej časti miestnosti. Táto vlastnosť nám tiež dáva pocit, že by boli divákmi samotného diela.
7. Jedlíci zemiakov Vincenta Van Gogha
Táto práca bola vyrobená v roku 1885 Vincent Van Gogh, Holandský maliar postimpresionizmu a expresionizmu. Van Gogh, ktorý je dnes veľmi uznávaný, bol samotárskym umelcom a za svoj život mal veľmi malé uznanie.
Predmetný obraz zobrazuje sedliacku rodinu, ktorá sa stravuje vo svojom skromnom dome osvetlenom tlmenou lampou. Je to dobre známe dielo maliara a ukazuje technický vývoj jeho maľby s vtlačením expresionistických charakteristík, ktoré by sa stali jeho ochrannou známkou.
Okrem toho prejavuje veľký záujem o sociálne a humanitárne otázky. Podľa samotného umelca:
Chcel som sa vedome venovať vyjadreniu myšlienky, že títo ľudia, ktorí v tomto svetle jedia zemiaky rukami, tiež obrábajú pôdu. Môj obraz preto oslavuje manuálnu prácu a jedlo, ktoré si sami tak čestne zarobili.
8. Perzistencia pamäti Salvadora Dalího
Salvador Dalí bol katalánsky maliar, ktorý bol súčasťou surrealizmu v Európe. Jeden z jeho najslávnejších obrazov je THEPerzistencia pamäte.
Dalí v tomto diele predstavuje prechod času znepokojivou postavou roztavených hodín vo vyprahnutej krajine, neforemnom tele, mravcoch a muške.
V pozadí je tiež možné všimnúť si prítomnosť útesu a mora, krajiny odkazujúcej na miesto pôvodu, Katalánsko.
Táto práca sa našla od roku 1934 v Múzeu moderného umenia v New Yorku v Spojených štátoch.
9. Dojem, vychádzajúce slnko, autor Claude Monet
Claude Monet, významný maliar impresionizmu, európske avantgardné umelecké hnutie, vytvoril toto dielo v roku 1872.
Kompozícia je medzníkom v maľbe, pretože predstavuje nový spôsob čistenia zubov zaznamenaním okamihu, keď slnko prekoná hmlu v zátoke Le Havre v Normandii.
Možno usúdiť, že inovácia prítomná v tejto práci spôsobila revolúciu v maľovaní.
Reakcia vtedajšej tlače bola proti novému štýlu a považovala toto plátno za „nedokončené“ dielo. Výstava, na ktorej bola uvedená, bola hanlivo označená ako „impresionistická výstava“ a zvolená Tlač, Vychádzajúce slnko ako najväčší terč kritiky. Kvôli tejto epizóde bol impresionistický prúd pomenovaný týmto spôsobom.
10. Popravy Francisca de Goyu z 3. mája
Popravy Traja mája, Traja mája 1808 v Madride alebo Popravy hory Príncipe Pío, je obraz španielskeho maliara Francisca de Goyu.
Na tejto maľbe predstavuje Francisco de Goya pôsobivý portrét genocídy, ktorá sa stala v Madride v roku 1808. Táto udalosť bola dôsledkom takzvanej polostrovnej vojny (1807-1814), keď Napoleon Bonaparte napadol Španielsko.
Deň pred týmto strašným masakrom sa niektorí z Madridu zrazili s napoleonskými jednotkami. Používali iba zbrane na blízko a čelili nepriateľskej jazde a boli tvrdo potlačovaní.
Túto epizódu v diele vykreslil aj Goya 2. mája v Madride a tvoria duet s Streľby 3. mája.
Ako pokarhanie „odvážlivcom“ civilistov sa uskutočnil masaker, ktorý vyvrcholil smrťou nespočetných nevinných. Goya, ktorý žil veľmi blízko miesta, bol svedkom takýchto epizód a po rokoch vymyslel toto plátno, ktoré by sa stalo míľnik v dejinách umenia a odsúdenie hrôzy vojny - ovplyvnenie ďalších umelcov ako Picasso vo výrobe z tvojho Guernica.
Na otázku, prečo maľoval tieto zverstvá, odpovedal Goya:
Mať to potešenie navždy povedať mužom, aby neboli barbarmi.
11. Mladé dievča s perlovými náušnicami od Johannesa Vermeera
Doska Dievča s perlovými náušnicami považuje sa za „holandskú Monu Lisu“, pretože vykazuje aj ženskú postavu zahalenú tajomnou atmosférou.
Predpokladá sa, že holandský umelec Johannes Vermeer vytvoril tento portrét v roku 1665 - plátno nie je datované. V ňom pozorujeme dievča, ktoré sa na nás pozerá s pokojným a cudným vzduchom a dodáva jej leskom pootvorené pery.
Ďalším odhadom je ozdoba na hlave mladej ženy. V tom čase sa už turban nepoužíval, preto sa špekuluje, že Vermeer bol inšpirovaný iným dielom, chlapec v turbane, ktorý namaľoval Michael Sweerts v roku 1655.
Toto je najznámejšie maliarovo dielo a inšpirovalo výrobu knihy a filmu s rovnakým názvom ako maľba.
12. Obed člnov - Pierre-Auguste Renoir
V roku 1881 Pierre-Auguste Renoir dokončí maľovanie rámu Vodácky obed, dôležitý predstaviteľ impresionistického hnutia.
V práci maliar rozpracuje šťastnú a uvoľnenú scénu tým, že ukazuje stretnutie medzi priateľmi, ktoré je zaplavené množstvom jedla a krásnym výhľadom na rieku Seinu. Všetci portrétovaní ľudia boli Renoirovými blízkymi priateľmi a jedna zo žien, ktorá sa objavila na obrazovke, sa po rokoch stala jeho manželkou.
Tento umelecký trend sa zaoberal zachytávaním prirodzeného osvetlenia a spontánnych scén prostredníctvom fixácie okamihu. Môžeme povedať, že impresionizmus bol avantgardným hnutím, ktoré podporilo takzvané moderné umenie.
13. Nemocnica Henryho Forda (Lietajúca posteľ) od Fridy Kahlo
Frida Kahlo bol významný mexický umelec, ktorý žil v prvej polovici 20. storočia.
Jej maľba, takmer vždy autobiografická, vykresľuje jej bolesť, jej veľkú lásku (tiež maliara Diega Riveru), jej hrdosť na to, že je ženou, a na svoj latinskoamerický pôvod.
Produkcia Fridy je nabitá symbolikmi a prvkami, ktoré koketujú so surrealizmom, hoci maliar popiera, že by bol súčasťou takéhoto hnutia a mal bližšie k druhu spovedného umenia. Uvádza:
Nikdy nemaľujem sny ani nočné mory. Maľujem si svoju vlastnú realitu.
V práci, ktorá sa stala známa ako Lietajúca posteľ, umelkyňa stvárňuje bolestivú epizódu vo svojom živote, keď príde o dieťa, ktoré čakalo na Diega.
Frida utrpela niekoľko po sebe idúcich potratov, pretože nemohla udržať tehotenstvo pre problémy s získané ako dieťa - ochorel na detskú obrnu - a v dospievaní, keď utrpel vážnu nehodu. vlak.
Pred niekoľkými rokmi bola Frida „objavená“ väčšinou ľudí a bola považovaná za ikonu umenia, ba dokonca aj popkultúry a feministického hnutia.
14. Emigranti z Cândido Portinari
retreatants je to dielo maliara Cândido Portinari, narodený vo vnútrozemí São Paula, v meste Brodowski.
Plátno bolo vytvorené v roku 1944 a zobrazuje rodinu migrantov, ľudí, ktorí sa sťahujú z regiónu severovýchod na iné miesta v nádeji, že uniknú suchu, chudobe a detskej úmrtnosti.
Spôsob, akým umelec zobrazuje tenké, vyčerpané a bolestivé výrazové telá v suchej a sivej krajine, je zarážajúci.
Nad ľuďmi lietajú supy, akoby čakali na svoju smrť. Deti sú zobrazované podvyživené a choré - všimnite si chlapca na pravej strane, ktorý má brucho, ktoré je neprimerané telu, čo je znakom vodnatého brucha.
Môžeme urobiť paralelu medzi týmto dielom a literárnym dielom Vidas Secas, ktoré pred rokmi, v roku 1938, vytvoril spisovateľ Graciliano Ramos zaoberajúci sa rovnakou témou.
Portinari bol veľký umelec, ktorý si okrem iného vážil obyvateľov Brazílie a odsudzoval sociálne problémy krajiny.
15. Abaporu z Tarsily do Amaralu
abaporu je inscenácia umelca Tarsily do Amarala, významnej osobnosti brazílskeho modernistického hnutia.
Názov diela je pôvodného pôvodu a podľa umelca znamená „antropofágny“ - čo je to isté ako kanibal. Výsledkom tejto práce bolo, že Oswald de Andrade, Tarsilin manžel a tiež umelec, definoval základy antropofagickej teórie pre moderné umenie v Brazílii.
Takáto teória navrhla, aby brazílski umelci pili zo zdroja európskych avantgardných hnutí, ale vyvinuli inscenáciu s národnými charakteristikami. Slávna fráza, ktorá definuje obdobie, je:
Spája nás iba antropofágia.
Abaporu prináša hodnotu manuálnej práce so zvýraznenými rukami a nohami. Výrazné farby, kaktusy a slnko tiež poukazujú na tropické podnebie a krajinu.
Prečítajte si tiež: Modernistické diela Tarsily do Amarala
