Maleri er en av de mest tradisjonelle og verdsatte kunsttypene i verden. Gjennom det uttrykte store kunstnere ideer og følelser, og etterlot en uvurderlig arv.
Ifølge den spanske maleren Pablo Picasso:
Maleri er aldri prosa. Det er poesi som er skrevet med plastiske vers.
Vi valgte 15 malerier laget i oljemaling som har kommet inn i historien om vestlig kunst. Slike arbeider blir videreført som kulturelle symboler, enten fordi de gir kunstneriske innovasjoner, politiske spørsmål eller fordi de representerer ambisjoner og følelser som er felles for menneskeheten.
1. Mona Lisa av Leonardo Da Vinci
Styret Mona Lisa - har krav på DE Gioconda opprinnelig - er en skapelse av Leonardo da Vinci, en av de mest berømte personlighetene i den italienske renessansen.
I det blir en kvinne portrettert med et gåtefullt ansiktsuttrykk, og viser et veldig spennende lite smil som inviterer oss til å forestille oss hva hennes tanker og følelser kan være. Viste Mona Lisa tilfredshet, uskyld eller en viss arroganse?
Mange teoretikere og kunstkritikere prøvde å løse dette mysteriet, og det var flere kunstneriske produksjoner laget inspirert av dette maleriet som kan betraktes som et av de største mesterverkene i kunsthistorien vestlig.
2. Guernica av Pablo Picasso
Guernica er et av de mest emblematiske maleriene av den spanske maleren Pablo Picasso, en stor eksponent for kubisme.
I dette arbeidet skildrer han gruene under den spanske borgerkrigen, spesielt bombingen av den baskiske byen Guernica 26. april 1937.
Dette store lerretet ble et symbol i kampen mot alle typer krig og revolusjonerte historisk maleri, da det behandler lidelse på en tidløs måte.
3. Gustav Klimts kyss
Lerretet, malt av østerrikeren Gustav Klimt i 1907 er det et kjent verk i kunsthistorien. Dette maleriet har blitt reprodusert og stemplet på gjenstander ustanselig, og representerer et ikon for vestlig kultur.
Verket er en del av den såkalte "gyldne fasen" i Klimts kunstneriske produksjon, når han misbruker glitrende elementer som refererer til edelstener og til og med gullblader i komposisjonene hans.
I Kysset, blir et par portrettert (som ville være kunstneren selv og hans kone), i en sammenvevd posisjon, noe som antyder hengivenhet og varme.
Imidlertid, med en nærmere titt, er det også mulig å observere at mannen bøyer seg over den elskede, som den aktive skikkelsen i denne omfavnelsen, og kvinnen som kneler, ville være et tegn på kvinnelig underkastelse.
4. Edvard Munchs skrik
Skriket er det mest berømte maleriet av Edvard Munch, en norsk maler. Dette arbeidet har blitt reprodusert over tid, inkludert andre kunstnere som Andy Warhol.
Hans suksess var sannsynligvis fordi Munch var i stand til å skildre følelsen av kvaler og ensomhet som mennesker utsettes for med stor suksess.
Med farger, former og linjer bygde maleren et symbol på menneskelig fortvilelse i denne komposisjonen, som også er et ikon for den avantgarde ekspresjonistiske bevegelsen.
5. Jackson Pollock nr. 5
I 1948, i etterkrigstiden, produserte den amerikanske Jackson Pollock lerretet med tittelen Nr. 5.
Kunstneren var en av forløperne til abstrakt ekspresjonisme, en kunstnerisk bevegelse som dukket opp på 40-tallet i USA.
Dette arbeidet ble laget ved hjelp av teknikken dryppende (drypp), mye utforsket av maleren. Metoden består i å helle flytende maling på store lerreter strukket på gulvet. På denne måten utfører maleren omfattende kroppsbevegelser, nesten som om han “kom inn” i verket i øyeblikket av skapelsen.
I mai 2006 ble maleriet solgt for svimlende 140 millioner dollar, den høyeste prisen som ble betalt for et maleri frem til 2011.
6. Jentene til Diego Velázquez
Opprinnelig tittelen Philip IVs familie, styret Jentene, ble malt i 1656 av kunstneren Diego Velázquez. Dette verket representerer gullalderen til maleren, født i byen Sevilla, Spania.
Maleriet skildrer en mulig hverdags domstol fra 1600-tallet. Tilsynelatende enkelt bærer lerretet en rekke elementer som "oppdages" av betrakteren, noe som gjør det til et av de dypeste verkene i kunsthistorien.
I maleriet portretterte maleren seg på et lerret bestilt av kongene Filipe IV og Mariana, som ser ut til å reflekteres i et speil på baksiden av rommet. Denne funksjonen gir oss også følelsen av at de ville være tilskuere av selve verket.
7. Vincent Van Goghs poteteter
Dette arbeidet ble produsert i 1885 av Vincent Van Gogh, Nederlandsk maler av postimpresjonisme og ekspresjonisme. Van Gogh var mye anerkjent i dag, og var en enslig kunstner og hadde svært lite anerkjennelse i løpet av livet.
Det aktuelle maleriet viser en bondefamilie som spiser i sitt ydmyke hjem, opplyst av en svak lampe. Det er et kjent verk av maleren og viser den tekniske utviklingen av maleriet hans, og innprentet ekspresjonistiske egenskaper som ville bli hans varemerke.
I tillegg viser han stor interesse for sosiale og humanitære spørsmål. I følge kunstneren selv:
Jeg ønsket å bevisst vie meg til å uttrykke ideen om at disse menneskene som i dette lyset spiser potetene sine med hendene, også jobbet landet. Mitt bilde berømmer derfor håndarbeidet og maten de selv så ærlig tjente.
8. Persistence of Memory of Salvador Dalí
Salvador Dali var en katalansk maler som var en del av surrealismen i Europa. En av hans mest berømte malerier er DEPersistens av minne.
I dette arbeidet representerer Dalí tidens gang gjennom den urovekkende figuren av smeltede klokker i et tørt landskap, en formløs kropp, maur og en flue.
I bakgrunnen er det også mulig å legge merke til tilstedeværelsen av en klippe og havet, et landskap som refererer til opprinnelsesstedet, Catalonia.
Dette arbeidet er funnet siden 1934 på Museum of Modern Art i New York, i USA.
9. Impression, Rising Sun av Claude Monet
Claude Monet, en viktig impressionistmaler, en europeisk avantgarde kunstnerisk bevegelse, unnfanget dette arbeidet i 1872.
Komposisjonen er et landemerke i maleriet, da den viser en ny måte å pusse ved å registrere øyeblikket når solen krysser tåken i Le Havre-bukten i Normandie.
Det kan betraktes som innovasjonen i dette arbeidet revolusjonerte maleriet.
Pressens reaksjon den gang var mot den nye stilen og betraktet dette lerretet som et "uferdig" verk. Utstillingen der hun ble vist ble kalt pejorativt "impresjonistisk utstilling" og valgt Utskrift, Rising Sun som det største målet for kritikk. På grunn av denne episoden ble den impresjonistiske strømmen kalt slik.
10. Francisco de Goyas henrettelser 3. mai
Henrettelsene av de tre mai, de tre av mai 1808 i Madrid eller henrettelsene av fjellet Príncipe Pío, er et maleri av den spanske maleren Francisco de Goya.
I dette maleriet presenterer Francisco de Goya et imponerende portrett av folkemordet som fant sted i Madrid i år 1808. Denne hendelsen var en konsekvens av den såkalte halvøyskrig (1807-1814), da Napoleon Bonaparte invaderte Spania.
Dagen før denne forferdelige massakren kolliderte noen fra Madrid med Napoleon-tropper. De hadde bare nærkampsvåpen og møtte fiendens kavaleri og ble undertrykt hardt.
Denne episoden ble også portrettert av Goya i verket 2. mai i Madrid og danne en duett med Skytingene 3. mai.
Som en irettesettelse av den "dristige" sivile ble massakren som kulminerte med utallige uskyldiges død utført. Goya, som bodde svært nær stedet, var vitne til slike episoder og år senere oppfattet dette lerretet, som ville bli et milepæl i kunsthistorie og en oppsigelse av krigens redsler - å påvirke andre kunstnere som Picasso i produksjonen av din Guernica.
På spørsmål om hvorfor han malte disse grusomhetene, svarte Goya:
Å ha gleden av å fortelle menn for alltid at de ikke skal være barbarer.
11. Ung jente med perleørering av Johannes Vermeer
Styret Jente med perleørering det regnes som "den nederlandske Mona Lisa", da det også viser en kvinnelig figur innhyllet i en mystisk atmosfære.
Johannes Vermeer, en nederlandsk kunstner, antas å ha produsert dette portrettet i 1665 - lerretet er ikke datert. I den observerer vi en jente som ser tilbake på oss med en rolig og ren luft, og bringer en glans til de skille leppene.
En annen gjetning handler om utsmykningen på den unge kvinnens hode. På den tiden ble det ikke lenger brukt en turban, så det spekuleres i at Vermeer ble inspirert av et annet verk, gutt i turban, malt av Michael Sweerts i 1655.
Dette er maleren mest kjente verk og inspirerte produksjonen av en bok og en film, begge med samme navn som maleriet.
12. The Boatmen's Lunch av Pierre-Auguste Renoir
I 1881, Pierre-Auguste Renoir ferdig med å male rammen Båtfolkets lunsj, viktig eksponent for den impresjonistiske bevegelsen.
I arbeidet utdyper maleren en lykkelig og avslappet scene ved å vise et møte mellom venner skyllet ned med mye mat og en vakker utsikt over Seinen. Alle de portretterte var nære venner av Renoir, og en av kvinnene som dukker opp på skjermen ble hans kone år senere.
Denne kunstneriske trenden var opptatt av å fange naturlig belysning og spontane scener gjennom øyeblikkets fiksering. Vi kan si at impresjonismen var avantgarde-bevegelsen som ga et løft til den såkalte moderne kunsten.
13. Henry Ford Hospital (The Flying Bed) av Frida Kahlo
Frida kahlo var en viktig meksikansk kunstner som levde i første halvdel av det 20. århundre.
Maleriet hennes, nesten alltid selvbiografisk, skildrer smerten hennes, hennes store kjærlighet (også maleren Diego Rivera), hennes stolthet over å være kvinne og for hennes latinamerikanske opprinnelse.
Fridas produksjon er lastet med symbolikker og elementer som flørter med surrealisme, selv om maleren benekter å være en del av en slik bevegelse og være nærmere en type bekjennelseskunst. Hun sier:
Jeg maler aldri drømmer eller mareritt. Jeg maler min egen virkelighet.
I arbeidet som ble kjent som Den flygende sengen, skildrer kunstneren en smertefull episode i livet hennes, da hun mister et barn som ventet på Diego.
Frida fikk flere påfølgende spontanaborter, da hun ikke klarte å opprettholde graviditeten på grunn av problemer med anskaffet som barn - han fikk polio - og i ungdomsårene da han fikk en alvorlig ulykke. tog.
For noen år siden ble Frida "oppdaget" av folk flest og har blitt ansett som et ikon for kunst og til og med for popkultur og feministisk bevegelse.
14. Emigrantene til Cândido Portinari
retrettantene det er et verk fra maleren Cândido Portinari, født i det indre av São Paulo, i byen Brodowski.
Lerretet ble opprettet i 1944 og portretterer en familie av migranter, mennesker som flytter fra Nordøst-regionen til andre steder i håp om å unnslippe tørke, fattigdom og spedbarnsdødelighet.
Måten kunstneren viser de tynne, utmattede og smertede uttrykklegemene i et tørt og grått landskap er påfallende.
Det er gribber som flyr over mennesker, som om de venter på deres død. Barn blir portrettert underernærte og syke - legg merke til gutten på høyre side som har en mage som er uforholdsmessig stor mot kroppen, et tegn på en vannaktig mage.
Vi kan lage en parallell mellom dette arbeidet og det litterære verket Vidas Secas, produsert år før, i 1938, av forfatteren Graciliano Ramos og som tar for seg det samme temaet.
Portinari var en stor kunstner som blant annet hadde verdsatt det brasilianske folket og fordømte landets sosiale problemer.
15. Abaporu fra Tarsila do Amaral
abaporu er en produksjon av kunstneren Tarsila do Amaral, en fremtredende skikkelse i den brasilianske modernistbevegelsen.
Verkets navn er av opprinnelig opprinnelse og betyr ifølge kunstneren "antropofagisk" - som er det samme som kannibal. Det var som et resultat av dette arbeidet at Oswald de Andrade, mannen til Tarsila og også en kunstner, definerer basene for antropofagisk teori for moderne kunst i Brasil.
En slik teori foreslo at brasilianske kunstnere drikker fra kilden til europeiske avantgarde-bevegelser, men utvikler en produksjon med nasjonale egenskaper. En kjent setning som definerer perioden er:
Bare antropofagi forener oss.
Abaporu gir verdien av manuelt arbeid, med hender og føtter fremhevet. De sterke fargene, kaktusen og solen henviser også til det tropiske klimaet og landskapet.
Les også: Modernistiske verk av Tarsila do Amaral
