Tarsila do Amaral zählt zu den bekanntesten und gefeiertsten Namen der nationalen Malerei und ist eine Ikone der brasilianische Moderne. Integration mehrerer typischer Elemente des elements Brasilianische Kultur, konnte die Künstlerin ihre eigene kulturelle Identität hervorbringen, die die Strömungen der modernen europäischen Kunst aufnahm und ihnen gleichzeitig nationale Farben gab.
Neben der Moderne ist sein bekanntestes Werk, der abaporu, Symbol des anthropophagen Manifests von 1928, ist auch das wertvollste Gemälde in der Geschichte der brasilianischen Kunst. Darüber hinaus ist Tarsila do Amaral eine der großen Vertreterinnen der lateinamerikanischen Kunst, deren Ausstellungen in bedeutenden Museen der Welt zirkulieren.
Biografie
Tarsila do Amaral wurde am 1. September 1886 auf der Farm São Bernardo in der Gemeinde Capivari (SP) geboren. Im wohlhabende Familie, Erbin von
große ländliche immobilien im Landesinneren von São Paulo wuchs er mit sieben Geschwistern auf, hörte seiner Mutter beim Klavierspielen und seinem Vater beim Rezitieren von Gedichten auf Französisch zu, eine Sprache, die er seit seiner Kindheit lernte. Sie wurde in die Hauptstadt geschickt, um am Colegio Sion zu studieren und dann nach Barcelona, um ihr Studium abzuschließen. In Spanien malte er sein erstes Gemälde, Heiliges Herz Jesu.Nach ihrer Rückkehr heiratete sie den Arzt André Teixeira Pinto, mit dem sie verlobt war. Der Ehemann störte sich an seinem künstlerischen Handwerk, er zwang Tarsila ein zurückhaltendes und häusliches Verhalten auf. Nach der Geburt der einzigen Tochter des Paares, Dulce, beschloss Tarsila dann, Trennung. Dank des enormen Einflusses seiner Familie – die seine künstlerische Laufbahn immer unterstützt hat – gelang es ihm 1925, Annullierung Ihrer Ehe (da eine Scheidung in Brasilien damals gesetzlich nicht erlaubt war).
Im Jahr 1918 begann es zu haben Malunterricht im Atelier von Pedro Alexandrino, wo er die Malerin Anita Malfatti kennenlernte. 1920 ging er nach Paris, wo er bis Juni 1922 blieb, an der Académie Julien studierte und Unterricht bei dem Maler Emile Renard nahm. War aus Briefen von Malfatti, dass Tarsila von dem Woche der modernen Kunst, die im Februar 1922 stattfand.
Zurück nach São Paulo, Malfatti machte Tarsila mit Künstlern der Moderne bekannt, und der "Gruppe von fünf“: Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mario de Andrade, Menotti del Picchia und Tarsila do Amaral. Während dieser Zeit begannen Tarsila und Oswald eine romantische Beziehung, die einige Jahre später offiziell heiratete. Zu diesem Zeitpunkt begann Tarsila, moderne Kunst zu produzieren.
Ende 1922 kehrte Tarsila diesmal nach Paris zurück bei kubistischen Meistern studieren Albert Gleizes und Fernand Léger. Der französisch-schweizerische Dichter Blaise Cendrars stellte Tarsila und Oswald der gesamten Pariser Intelligenz vor, darunter große Namen wie Picasso, das Ehepaar Delaunay und die Musiker Strawinsky und Erik Satie. Während dieses erneuten Aufenthalts in Frankreich freundete sich Tarsila mit anderen brasilianischen Künstlern an, die dort waren, wie Villa-Lobos und Di Cavalcanti, und auch mit den Gönnern Paulo Prado und Olivia Guedes Penteado.
1925 veröffentlichte Oswald seinen Gedichtband mit dem Titel Brasilholz, mit Illustrationen von Tarsila. Im Wechsel zwischen den großen Jahreszeiten in Europa und Reisen durch Brasilien auf der Suche nach den Nationalfarben für ihre Leinwände, uraufgeführt 1926 mit einer Einzelausstellung in Paris, sehr positive Bewertungen erhalten.
Der große Krise von 1929, hatte jedoch für Tarsila unheilvolle Folgen. Seine Bauernfamilie, die für so viele Reisen nach Frankreich die nötigen Mittel zur Verfügung stellte, war von der Kaffeekrise betroffen und gezwungen, die Immobilien zu verkaufen. Tarsila hat fast ihr ganzes Vermögen verloren und darüber hinaus, getrennt von Oswald, dann verliebt in die Studentin Patrícia Galvão, Pagu. Tarsila bekam eine Anstellung in der Pinacoteca des Staates São Paulo, eine Situation, die ebenfalls nicht lange anhielt, da sie mit der Ankunft von Getulio Vargas 1930 an die Macht.
Arbeitslos und mittellos verkaufte sie einige Gemälde und reiste 1931 in die Sovietunion, neben ihrem neuen Ehemann, dem Psychiater Osório César. Während dieser Reise, Tarsila eine neue politische Konzeption entwickelt, mehr auf soziale Fragen. Danach ging sie nach Paris, wo sie tatsächlich die Arbeitserfahrung als Wandmalerin in Gebäuden machte.
Tarsila ließ sich erneut scheiden und heiratete den zwanzig Jahre jüngeren Schriftsteller Luiz Martins. Die Ehe hielt bis in die 1960er Jahre. 1965 musste der Maler wegen starker Rückenschmerzen einem chirurgischen Eingriff unterzogen wurde, aber aufgrund eines medizinischen Fehlers war er nicht in der Lage zu gehen. Im folgenden Jahr starb ihre Tochter an Diabetes, was Tarsila zutiefst erschütterte. In Traurigkeit und Depression versunken, fand Tarsila die Spiritismus eine Erleichterung – sie freundete sich mit Chico Xavier an und begann, alles, was sie durch den Verkauf ihrer Arbeit eingenommen hatte, an eine von ihm geleitete Wohltätigkeitsorganisation zu spenden.
Tarsila do Amaral starb am 17. Januar 1973 in São Paulo.
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Tarsila und Moderne
Obwohl Tarsila nicht aktiv an der Modern Art Week von 1922 teilnahm, wurde sie die großer Name in der bildenden Kunst der nationalen Moderne. Erst aus der Begegnung mit Künstlern der Moderne entwickelte Tarsila den Stil, für den sie bekannt war.
Seine Reisen durch Brasilien, insbesondere durch das Landesinnere von São Paulo und Minas Gerais, im Jahr 1923 inspirierten ihn zu seinem ersten Kompositionen beeinflussen kubistisch, in stilisierten geometrischen Formen, unter Verwendung der Farben, die von ihren früheren Meistern als „Hinterwäldler“ bezeichnet wurden, verbunden mit der akademischen Malerei.
Im folgenden Auszug verrät Tarsila ihre Absichten und ihr Engagement bei der Suche nach einem wahrhaft brasilianische Kunst, modernistisches Unternehmen par excellence:
„Ich fühle mich immer brasilianischer: Ich möchte der Maler meines Landes sein. Wie dankbar bin ich, meine ganze Kindheit auf dem Bauernhof verbracht zu haben. Die Erinnerungen an diese Zeit werden mir kostbar. In der Kunst möchte ich der Caipirinha [von der Farm] von São Bernardo sein, der mit wilden Puppen spielt, wie in dem letzten Gemälde, das ich male.“
(Brief von Tarsila do Amaral an die Familie, während ihres Aufenthalts in Paris, 1924)
Die Arbeit von Tarsila do Amaral gliedert sich in drei Hauptphasen: die erste, genannt Brasilienholz; der Zweite, anthropophagisch, und das dritte von Impressum im Sozial.
Redwood-Phase
Es bezieht sich auf Werke, die zwischen 1924 und 1928 entstanden sind, von Reisen nach Rio de Janeiro, während des Karnevals und in die historischen Städte Minas Gerais. Es ist die Anwendung solcher "Farbbandfarben", von den akademischen Meistern der Malerei abgelehnt, und Tarsilas große Absicht in repräsentieren das ländliche und städtische Brasilien in deinen Bildern. Die Arbeiten aus dieser Phase zeigen den Einfluss des Kubismus und vor allem Themen above brasilianische Landschaften, sowie Favela-Hügel (1924) und São Paulo (1924).
Anthropophage Phase
Es begann 1928 mit dem ikonischen Werk abaporu – dessen Name sich aus der Kombination der Wörter „aba“ und „poru“ zusammensetzt, was in Tupi-Guarani „Mann, der isst“ bedeutet. Als Geburtstagsgeschenk für ihren damaligen Ehemann Oswald de Andrade gemalt, wurde daraus viel mehr: Es war der Hauptinspiration für das Schreiben des Anthropophagous Manifesto und für den Beginn einer künstlerischen Bewegung, die Vertreter in verschiedenen Segmenten der nationalen Kunst hatte.
Die zentrale Idee des anthropophagen Projekts war verschlingen die Einflüsse der europäischen Kultur, da sie für brasilianische Verhältnisse nicht galten, und vom Schlucken, modifizieren, was verschlungen wurde, die echte nationale Kunst produziert.
Tarsilas anthropophagische Malerei mischt das moderne Lernen des Kubismus mit einem Universum von mystische und traumhafte Dichte, ganz verwurzelt in der brasilianischen Kultur, Gebrauch machen von Lebendige Farben, wie rot, lila, grün und gelb. Sie sind Teil dieser Phase, zusätzlich zu den abaporu (1928), die Werke das Schwarze (1923), das diese Phase vorwegnahm, Das Ei [Urutu] (1928), Der Mond (1928), Wald (1929), Sonnenuntergang (1929), unter anderem.
soziale Phase
Nach ihrer Zeit in der Sowjetunion und einer Tätigkeit als Bauwandmalerin in Frankreich begann Tarsila über ihre thematischen Arbeiten im Zusammenhang mit der Proletariat, à Soziale Ungleichheit, beim Unterdrückungen von den Arbeitern gelitten, zu den Probleme des industriellen Kapitalismus.
Die Tafel die Arbeiter (1933) leitet diese neue Bildphase ein, die gekennzeichnet ist durch die Verwendung von nüchterneren und graueren Farben, ein Spiegelbild der Hoffnungslosigkeit derer, die zwar unermüdlich arbeiteten, aber keinen Zugang zu grundlegenden Gütern wie Gesundheit und Bildung hatten. Die Gemälde gelten auch als große Ikone dieser Phase. Zweite Klasse (1933) und Näherinnen (1936).
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Hauptwerke
- das Schwarze (1923)
- die cuca (1924)
- Favela-Hügel (1924)
- São Paulo (1924)
- der Papayabaum (1925)
- Selbstporträt (Manteau Rouge) (1925)
- Manaca (1927)
- abaporu (1928)
- Das Ei (Urutu) (1928)
- Entfernung (1928)
- Der Mond (1928)
- Schlafen (1928)
- Anthropophagie (1929)
- Sonnenuntergang (1929)
- Wald (1929)
- Postkarte (1929)
- Arbeitskräfte (1933)
- Zweite Klasse (1933)
von Luisa Brandino
Literaturlehrer
Quelle: Brasilien Schule - https://brasilescola.uol.com.br/biografia/tarsila-amaral.htm