O brazylijski modernizm był to okres, w którym artyści byli bardzo zainteresowani odnowieniem sztuki kraju.
Poszukując inspiracji z europejskiej awangardy, tworzyli dzieła, które nawiązywały dialog z kulturą narodową i przełamywały obowiązujące do tej pory normy estetyczne.
Jednym z wielkich nazwisk tego okresu było: Tarsila do Amaral, decydująca postać w umacnianiu się tego nurtu artystycznego w Brazylii.
Poniżej przedstawiamy dziesięć ważnych modernistycznych dzieł Tarsili, które prezentujemy w porządku chronologicznym.
1. Czarny, 1923
W pracy czarnyTarsila przedstawia postać kobiety o wyraźnych rysach, dużych dłoniach i stopach oraz małej głowie. Ponadto artysta eksploruje elementy kubistyczne w tle.
W tej pracy możemy zobaczyć przedstawienie czarnej kobiety jako istoty niosącej duży społeczny ładunek, co widać po jej melancholijnym spojrzeniu i obwisłej piersi na wystawie.
Pierś zwisająca z ciała nawiązuje do praktyki mamek w okresie niewolnictwa, kiedy zniewolone kobiety karmiły piersią i opiekowały się dziećmi elitarnych białych kobiet.
Obraz jest olejem na płótnie wykonanym w 1923 roku - rok po Tygodniu Sztuki Nowoczesnej - i ma wymiary 100 x 80 cm. Należy do kolekcji Muzeum Sztuki Współczesnej Uniwersytetu São Paulo w São Paulo.
2. Cuca, 1924
kompozycja Cuca przywołuje postać obecną w brazylijskim folklorze iw wyobraźni ludności. Według legendy mówi się, że kuca była złą wiedźmą o ciele aligatora, która porwała nieposłuszne dzieci.
Pomalowane na żywe, tropikalne kolory płótno przypomina dzieciństwo; eksponuje niektóre zwierzęta i żywą przyrodę. Należy do Faza modernistyczna Pau-Brasil, który poprzedza ruch antropofagiczny.
Jest to dzieło z 1924 roku, o wymiarach 73 x 100 cm, wykonane farbą olejną i znajdujące się w Muzeum w Grénoble we Francji.
3. São Paulo (Gazo), 1924
Praca Sao Paulo (Gazo) jest również częścią fazy Pau-Brasil w Tarsili, będącej jednym z kamieni milowych tego okresu.
W tej fazie artysta eksploruje elementy urbanistyczne i modernizację miast w przeciwieństwie do tropikalnych krajobrazów i waloryzacji fauny i flory.
Według historyka i artysty Carlosa Zilio:
W pracach takich jak ta Tarsila sytuuje postrzeganie Brazylii z perspektywy otwartej przez industrializację.
Jest to olej na płótnie z 1924 r. o wymiarach 50 x 60 cm, należący do prywatnej kolekcji.
4. Wzgórze Faweli, 1924
Wzgórze Faweli należy do okresu Pau-Brazylia. Przedstawia fawelę z kolorowymi domami, drzewami i ludźmi.
Jest to dzieło denuncjacji społecznej, gdyż w tym czasie biedna ludność zmuszona była do rezygnacji z przestrzeni w dużych ośrodkach i przeniesienia się na obszary peryferyjne. W tym czasie w kraju nastąpił ogromny wzrost slumsów.
Mimo krytyki Tarsili udaje się ukazać tę rzeczywistość w lekki sposób, sugerując harmonię i idealizację wzgórza jako idyllicznego miejsca. Kompozycja pochodzi z 1924 roku, mierzy 64 x 76 cm i należy do prywatnej kolekcji.
5. Abaporu, 1928
Jednym z najbardziej znanych dzieł Tarsili jest niewątpliwie Abaporu. Nazwa jest kombinacją słów Tupi patka (mężczyźni), drzwi (ludzie i ú (jeść), zatem znaczenie człowiek, który zjada ludzilub kanibal.
Został pomyślany z myślą o kulturze brazylijskiej i przedstawia osobę siedzącą w pozycji refleksyjnej. Figura przedstawia wielkie zniekształcenia i jest umieszczona w typowo brazylijskim krajobrazie, a dokładniej na północnym wschodzie. Intensywnie eksponuje kolory brazylijskiej flagi.
Te ramy były impulsem do nowej fazy modernizmu brazylijskiego: ruchu antropofagicznego.
Abaporu zostało wyprodukowane w 1928 roku w technice olej na płótnie i ma wymiary 85 x 72 cm. Obecnie znajduje się w Muzeum Sztuki Latynoamerykańskiej w Buenos Aires (MALBA).
6. Urutu (Jajko), 1928
Praca Urutu - znany również jako Jajko - jest pełen symboliki. Zawiera węża, który jest bardzo przerażającym zwierzęciem i ma zdolność połykania. Jest też ogromne jajko, oznaczające narodziny pomysłu, nowego projektu.
Symbole te są bezpośrednio związane z rodzącym się w kraju ruchem modernistycznym, zwłaszcza z fazą antropofagiczną. Faza ta proponowała „przyswojenie” idei awangard artystycznych, jakie miały miejsce w Europie i przekształcenie ich w nową sztukę, zajmującą się kulturą narodową.
Płótno powstało w 1928 roku. Malowany farbą olejną ma wymiary 60 x 72 cm i jest częścią kolekcji Gilberto Chateaubriand Collection w Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MAM) w Rio de Janeiro.
7. Księżyc, 1928
W tablicy Księżycartysta przedstawia nocny pejzaż o nasyconych barwach i wijących się kształtach. Księżyc i kaktus pojawiają się w bardzo stylizowany sposób.
Kompozycja, wyprodukowana w 1928 roku, należy do antropofagicznej fazy Tarsili i mierzy 110 x 110 cm.
W 2019 roku został przejęty przez Museum of Modern Art w Nowym Jorku (MoMA) za niebotyczną kwotę 20 mln dolarów (około 74 mln reali).
Słynna galeria wystawiła notatkę o zadowoleniu z nabycia i wyraziła uznanie dla pracy malarza, mówiąc:
Tarsila jest postacią założycielską sztuki nowoczesnej w Brazylii i głównym bohaterem transatlantyckiej i kulturalnej wymiany tego ruchu.
8. Antropofagia, 1929
W AntropofagiaTarsila dołączyła do dwóch wcześniej zrealizowanych prac: czarny (1923) i abaporu (1928). Na tym płótnie artysta scala dwie postacie, jakby były od siebie zależne.
Tutaj przedstawiony jest wizerunek czarnej kobiety z pomniejszoną głową, dopasowującą się do głowy abaporu. Istoty uwikłane są jak jedność i integrują się z naturą.
Rafael Cardoso, historyk sztuki, definiuje dzieło w następujący sposób:
W Antropofagii nic się nie zmienia. Po prostu są; trwają, ze straszliwą i solidną trwałością, która zakotwicza ich w ziemi.
Obraz został namalowany w 1929 roku, jest olejem na płótnie o wymiarach 126 x 142 cm i należy do Fundacji José e Paulina Nemirovsky w São Paulo.
9. Robotnicy, 1933
W latach 30., wraz z imigracją i kapitalistycznym impulsem, wielu ludzi wylądowało w metropoliach - zwłaszcza São Paulo - pochodzący z różnych części Brazylii w celu zaspokojenia zapotrzebowania na tanią siłę roboczą, która zażądały fabryki.
W tym czasie Tarsila rozpoczyna swoją ostatnią modernistyczną fazę, zwaną Faza społeczna, w którym eksploruje tematy o charakterze zbiorowym i społecznym. Tutaj kwestionuje przeciwności wynikające z uprzemysłowienia, koncentracji bogactwa w rękach nielicznych i wyzysku, któremu wielu podlega.
Malarz następnie tworzy płótno Pracownicy, w którym pokazuje twarze różnych ludzi, różnych narodowości, ale których łączy wyraz wyczerpania. W tej kompozycji masa ludzi pojawia się jako portret ówczesnych robotników fabrycznych.
Jest to dzieło z 1933 roku, o wymiarach 150 x 205 cm, znajdujące się w Palácio Boa Vista w Campos do Jordão.
10. Druga klasa, 1933
Dopóki Druga klasa należy również do fazy społecznej.
Tutaj Tarsila portretuje ludzi na stacji kolejowej. W tle postać kobiety z dzieckiem na rękach i starszego mężczyzny. Na zewnątrz samochodu cztery kobiety, trzech mężczyzn i pięcioro dzieci wyglądają na zmęczonych i beznadziejnych.
Scena przedstawia bardzo powszechną rzeczywistość w tamtym okresie: exodus ze wsi, czyli migracja ze wsi do miast osób, które wyjeżdżają w poszukiwaniu lepszych warunków życia i możliwości.
Wybrane w kompozycji kolory są szare i nie mają już intensywności i życia innych modernistycznych faz malarza.
Jest to praca wykonana techniką olej na płótnie o wymiarach 110 x 151 cm, należąca do prywatnej kolekcji.
Aby odkryć dzieła innych wielkich artystów, przeczytaj:
- Portinari działa, o którym musisz wiedzieć
- Najbardziej intrygujące prace Fridy Kahlo
- Dzieła Salvadora Dalí, które zrobią na Tobie wrażenie
- Ważne dzieła kubizmu
- Odbiorcy: analiza pracy
Kim był Tarsila do Amaral?
Tarsila do Amaral urodził się 1 września 1886 roku we wnętrzu São Paulo, w mieście Capivari. Studiował sztukę w Europie i miał kontakt z wielkimi mistrzami, którzy byli częścią artystycznej awangardy początku XX wieku.
W połowie lat 20. powrócił do Brazylii i zaczął produkować prace o tematyce brazylijskiej. W tym czasie ożenił się z artystą i animatorem kultury Oswald de Andrade, z którą wraz z innymi osobowościami rozpoczyna transformujący ruch sztuki narodowej.
Tarsila zmarł w 1973 roku w wieku 86 lat, pozostawiając po sobie produkcję artystyczną o ogromnym znaczeniu dla historii sztuki.
