Malarstwo to jeden z najbardziej tradycyjnych i cenionych rodzajów sztuki na świecie. Za jego pośrednictwem wielcy artyści wyrażali idee i uczucia, pozostawiając w ten sposób bezcenną spuściznę.
Według hiszpańskiego malarza Pabla Picassa:
Malarstwo nigdy nie jest prozą. To poezja pisana plastikowymi wierszykami.
Wybraliśmy 15 obrazów wykonanych farbą olejną, które weszły do historii sztuki zachodniej. Takie dzieła są uwiecznione jako symbole kulturowe, ponieważ niosą ze sobą artystyczne innowacje, pytania polityczne lub reprezentują aspiracje i uczucia wspólne dla ludzkości.
1. Mona Lisa – Leonardo Da Vinci
Tablica Mona Lisa - uprawniona TEN Gioconda pierwotnie - jest tworem Leonardo da Vinci, jedna z najbardziej znanych osobistości włoskiego renesansu.
Przedstawia w nim kobietę z enigmatycznym wyrazem twarzy, z bardzo intrygującym, lekkim uśmiechem, który zachęca do wyobrażenia sobie, jakie mogą być jej myśli i uczucia. Czy Mona Lisa okazywała satysfakcję, niewinność czy pewną arogancję?
Wielu teoretyków i krytyków sztuki próbowało rozwikłać tę tajemnicę, a kilka produkcji artystycznych zostało wykonane zainspirowane tym obrazem, który można uznać za jedno z największych arcydzieł w historii sztuki Zachodni.
2. Guernica – Pablo Picasso
Guernica jest jednym z najbardziej emblematycznych obrazów hiszpańskiego malarza Pabla Picassa, wielkiego propagatora kubizmu.
W tej pracy portretuje okropności hiszpańskiej wojny domowej, zwłaszcza bombardowanie baskijskiego miasta Guernica 26 kwietnia 1937 roku.
To duże płótno stało się symbolem walki ze wszystkimi rodzajami wojny i zrewolucjonizowało malarstwo historyczne, gdyż traktuje cierpienie w sposób ponadczasowy.
3. Pocałunek Gustava Klimta
Płótno malowane przez Austriaka Gustav Klimt w 1907 roku jest dziełem słynnym w historii sztuki. Obraz ten był nieustannie reprodukowany i odciskany na przedmiotach, reprezentując ikonę zachodniej kultury.
Praca wpisuje się w tzw. „złotą fazę” w twórczości Klimta, kiedy to w swoich kompozycjach wykorzystuje iskrzące się elementy nawiązujące do kamieni szlachetnych, a nawet złotych liści.
W Pocałunek, ukazana zostaje para (którą byłby sam artysta i jego żona) w splecionej pozycji, sugerującej czułość i ciepło.
Jednak przy bliższym przyjrzeniu się można również zauważyć, że mężczyzna pochyla się nad ukochaną, będąc w tym uścisku postacią aktywną, a kobieta klęcząca byłaby oznaką kobiecej uległości.
4. Krzyk Edvarda Muncha
Krzyk to najsłynniejszy obraz norweskiego malarza Edvarda Muncha. Ta praca była reprodukowana z biegiem czasu, w tym przez innych artystów, takich jak Andy Warhol.
Jego sukces był prawdopodobnie spowodowany tym, że Munch był w stanie bardzo skutecznie oddać poczucie udręki i samotności, którym poddawani są ludzie.
Za pomocą kolorów, kształtów i linii malarz zbudował w tej kompozycji symbol ludzkiej rozpaczy, który jest jednocześnie ikoną awangardowego ruchu ekspresjonistycznego.
5. Jackson Pollock nr 5
W 1948 roku, w okresie powojennym, amerykański Jackson Pollock wyprodukował płótno pt Nr 5.
Artysta był jednym z prekursorów ekspresjonizmu abstrakcyjnego, ruchu artystycznego, który pojawił się w latach 40. w USA.
Ta praca została wykonana techniką kapanie (kroplówka), bardzo eksplorowana przez malarza. Metoda polega na wylewaniu płynnej farby na duże płótna rozciągnięte na podłodze. W ten sposób malarz wykonuje rozległe ruchy cielesne, jakby „wszedł” do dzieła w momencie tworzenia.
W maju 2006 roku obraz został sprzedany za oszałamiającą kwotę 140 milionów dolarów, najwyższą cenę zapłaconą za obraz do 2011 roku.
6. Dziewczyny z Diego Velázquez
Początkowo zatytułowany Rodzina Filipa IV, tablica Dziewczyny, został namalowany w 1656 roku przez artystę Diego Velázqueza. Ta praca reprezentuje złoty wiek malarza urodzonego w Sewilli w Hiszpanii.
Obraz przedstawia prawdopodobnie codzienną XVII-wieczną scenę dworską. Z pozoru proste płótno niesie w sobie szereg elementów do „odkrycia” przez widza, co czyni je jednym z najgłębszych dzieł w historii sztuki.
Na obrazie malarz przedstawił siebie pracującego na płótnie zamówionym przez królów Filipa IV i Marianę, które odbija się w lustrze w głębi pokoju. Ta cecha daje nam również poczucie, że byliby widzami samego dzieła.
7. Zjadacze ziemniaków Vincenta Van Gogha
Ta praca została wyprodukowana w 1885 roku przez Vincent van Gogh, holenderski malarz postimpresjonizmu i ekspresjonizmu. Cieszący się dziś dużym uznaniem Van Gogh był samotnym artystą i cieszył się bardzo małym uznaniem za życia.
Omawiany obraz przedstawia chłopską rodzinę jedzącą w swoim skromnym domu, oświetlonym przyćmioną lampą. Jest to dobrze znane dzieło malarza, ukazujące ewolucję techniczną jego malarstwa, odwzorowujące ekspresjonistyczne cechy, które stały się jego znakiem rozpoznawczym.
Ponadto wykazuje duże zainteresowanie kwestiami społecznymi i humanitarnymi. Według samego artysty:
Chciałem świadomie poświęcić się wyrażeniu idei, że ci ludzie, którzy w tym świetle jedzą ziemniaki rękami, również uprawiają ziemię. Dlatego moje zdjęcie wychwala pracę fizyczną i jedzenie, które sami tak uczciwie zarobili.
8. Trwałość pamięci Salvadora Dalí .a
Salvador Dali był malarzem katalońskim, który był częścią surrealizmu w Europie. Jednym z jego najsłynniejszych obrazów jest TENTrwałość pamięci.
W tej pracy Dalí przedstawia upływ czasu poprzez niepokojącą figurę stopionych zegarów w suchym krajobrazie, bezkształtne ciało, mrówki i muchę.
W tle można również zauważyć obecność klifu i morza, krajobraz nawiązujący do miejsca pochodzenia, Katalonii.
Dzieło to znajduje się od 1934 roku w Museum of Modern Art w Nowym Jorku, w Stanach Zjednoczonych.
9. Impresja, Wschodzące słońce, Claude Monet
Claude Monet, ważny malarz impresjonizmu, europejski awangardowy ruch artystyczny, stworzył to dzieło w 1872 roku.
Kompozycja jest punktem zwrotnym w malarstwie, ponieważ ukazuje nowy sposób szczotkowania, rejestrując moment, w którym słońce przecina mgłę w zatoce Le Havre w Normandii.
Można uznać, że innowacja obecna w tej pracy zrewolucjonizowała malarstwo.
Reakcja prasy w tym czasie była przeciwna nowemu stylowi i uważała to płótno za dzieło „nieukończone”. Wystawa, na której została pokazana, została nazwana pejoratywnie „wystawą impresjonistyczną” i została wybrana Druk, wschodzące słońce jako największy obiekt krytyki. Z powodu tego epizodu tak nazwano nurt impresjonistyczny.
10. Egzekucje 3 maja Francisco de Goya
Egzekucje Trójcy Maja, Trójcy Maja 1808 w Madrycie lub Rozstrzelania na Górze Księcia Pío, to obraz hiszpańskiego malarza Francisco de Goya.
Na tym obrazie Francisco de Goya przedstawia imponujący portret ludobójstwa, które miało miejsce w Madrycie w 1808 roku. Wydarzenie to było konsekwencją tak zwanej wojny półwyspowej (1807-1814), kiedy Napoleon Bonaparte najechał Hiszpanię.
W przeddzień tej straszliwej masakry niektórzy z Madrytu starli się z wojskami napoleońskimi. Dzierżąc jedynie broń do walki wręcz, stawili czoła wrogiej kawalerii i byli surowo represjonowani.
Ten odcinek został również przedstawiony przez Goyę w pracy 2 maja w Madrycie i stwórz duet z Rozstrzelania 3 maja.
W ramach nagany dla „śmiałości” cywilów dokonano masakry, której kulminacją była śmierć niezliczonych niewinnych ludzi. Goya, który mieszkał bardzo blisko tego miejsca, był świadkiem takich epizodów i po latach wymyślił to płótno, które miało stać się kamień milowy w historii sztuki i potępienie okropności wojny - wpływanie na innych artystów, takich jak Picasso w produkcji z Twojego Guernica.
Zapytany, dlaczego namalował te okrucieństwa, Goya odpowiedział:
Mieć przyjemność mówienia ludziom na zawsze, aby nie byli barbarzyńcami.
11. Młoda dziewczyna z perłą, Johannes Vermeer
Tablica Dziewczyna z perłą uważana jest za „holenderską Mona Lisę”, ponieważ przedstawia również kobiecą postać spowitą tajemniczą atmosferą.
Uważa się, że wykonał ten portret holenderski artysta Johannes Vermeer w 1665 roku - płótno nie zostało datowane. Obserwujemy w nim dziewczynę, która spogląda na nas z pogodnym i czystym powietrzem, nadając rozchylonym ustom blask.
Kolejne przypuszczenie dotyczy ozdoby na głowie młodej kobiety. W tym czasie turban nie był już używany, więc spekuluje się, że Vermeer był inspirowany innym dziełem, chłopiec w turbanie, namalowany przez Michaela Sweertsa w 1655 roku.
Jest to najbardziej znana praca malarza, która zainspirowała nakręcenie książki i filmu o tej samej nazwie co obraz.
12. Obiad dla żeglarzy autorstwa Pierre-Auguste Renoir
W 1881 r. Pierre-Auguste Renoir kończy malowanie ramy Obiad żeglarzy, ważny przedstawiciel ruchu impresjonistycznego.
W pracy malarz rozwija radosną i zrelaksowaną scenę, pokazując spotkanie przyjaciół popijanych dużą ilością jedzenia i pięknym widokiem na Sekwanę. Wszystkie portretowane osoby były bliskimi przyjaciółmi Renoira, a jedna z kobiet, która pojawiła się na ekranie, została po latach jego żoną.
Ten nurt artystyczny skupiał się na uchwyceniu naturalnego oświetlenia i spontanicznych scen poprzez utrwalenie chwili. Można powiedzieć, że impresjonizm był ruchem awangardowym, który dał impuls do tak zwanej sztuki nowoczesnej.
13. Szpital Henry'ego Forda (Latające łóżko) przez Fridę Kahlo
Frida Kahlo był ważnym artystą meksykańskim żyjącym w pierwszej połowie XX wieku.
Jej malarstwo, prawie zawsze autobiograficzne, przedstawia jej ból, jej wielką miłość (również malarz Diego Rivera), jej dumę z bycia kobietą i latynoamerykańskie pochodzenie.
Spektakl Fridy naładowany jest symboliką i elementami flirtującym z surrealizmem, choć malarz zaprzecza, że jest częścią takiego ruchu i zbliżaniem się do rodzaju sztuki konfesyjnej. Stwierdza:
Nigdy nie maluję snów ani koszmarów. Maluję własną rzeczywistość.
W pracy, która stała się znana jako Latające łóżkoArtystka portretuje bolesny epizod ze swojego życia, kiedy traci dziecko, które czekało na Diega.
Frida doznała kilku kolejnych poronień, ponieważ nie była w stanie utrzymać ciąży z powodu problemów z nabytej jako dziecko – zachorował na polio – oraz w okresie dojrzewania, kiedy doznał poważnego wypadku. pociąg.
Kilka lat temu Frida została „odkryta” przez większość ludzi i została uznana za ikonę sztuki, a nawet popkultury i ruchu feministycznego.
14. Emigranci z Cândido Portinari
rekolekcje to dzieło malarza Candido Portinari, urodzony we wnętrzu São Paulo, w mieście Brodowski.
Płótno powstało w 1944 roku i przedstawia rodzinę migrantów, ludzi, którzy przenoszą się z regionu północno-wschodniego do innych miejsc w nadziei na ucieczkę przed suszą, biedą i śmiertelnością niemowląt.
Uderza sposób, w jaki artysta ukazuje szczupłe, zmęczone i zbolałe ciała ekspresyjne w suchym i szarym pejzażu.
Nad ludźmi latają sępy, jakby czekając na śmierć. Dzieci są przedstawiane jako niedożywione i chore - zwróć uwagę na chłopca po prawej stronie, który ma brzuch nieproporcjonalny do ciała, oznakę wodnistego brzucha.
Możemy dokonać paraleli między tym dziełem a dziełem literackim Vidas Secas, wyprodukowanym przed laty, w 1938 roku, przez pisarza Graciliano Ramosa i poświęconym temu samemu tematowi.
Portinari był wielkim artystą, który między innymi cenił Brazylijczyków i piętnował problemy społeczne tego kraju.
15. Abaporu z Tarsila do Amaral
abaporu to produkcja artystki Tarsili do Amaral, wybitnej postaci brazylijskiego ruchu modernistycznego.
Nazwa dzieła ma rdzenne pochodzenie i według artysty oznacza „antropofagiczny” – czyli kanibal. W wyniku tej pracy Oswald de Andrade, mąż Tarsili, a także artysta, definiuje podstawy teorii antropofagicznej dla sztuki współczesnej w Brazylii.
Taka teoria sugerowała, że brazylijscy artyści piją ze źródeł europejskich ruchów awangardowych, ale rozwijają spektakl o cechach narodowych. Znane zdanie, które definiuje okres to:
Łączy nas tylko antropofagia.
Abaporu wnosi wartość pracy ręcznej, z podkreśleniem dłoni i stóp. Mocne kolory, kaktus i słońce również nawiązują do tropikalnego klimatu i krajobrazu.
Przeczytaj też: Modernistyczne prace Tarsili do Amaral
