Tarsila do Amaral postacie wśród najbardziej znanych i cenionych nazwisk w malarstwie narodowym, będące ikoną brazylijski modernizm. Integracja kilku typowych elementów Kultura brazylijskaartystka potrafiła wytworzyć własną tożsamość kulturową, która zasymilowała nurty współczesnej sztuki europejskiej, nadając im jednocześnie barwy narodowe.
Oprócz okresu modernistycznego jego najsłynniejsze dzieło, abaporu, symbol Manifestu Antropofagicznego z 1928 r., jest również najcenniejszy obraz w historii sztuki brazylijskiej. Ponadto Tarsila do Amaral jest jednym z wielkich przedstawicieli sztuki latynoamerykańskiej, a poświęcone jej wystawy krążą w największych muzeach na całym świecie.
Biografia
Tarsila do Amaral urodził się 1 września 1886 roku na farmie São Bernardo, w gminie Capivari (SP). W zamożna rodzina, dziedziczka duże posiadłości wiejskie we wnętrzu São Paulo dorastał wraz z siedmiorgiem rodzeństwa, słuchając, jak matka gra na pianinie, a ojciec recytuje wiersze w języku francuskim, którego nauczył się od dzieciństwa. Została wysłana do stolicy na studia w Colegio Sion, a następnie do Barcelony, aby ukończyć studia. W Hiszpanii namalował swój pierwszy obraz,
Najświętsze Serce Jezusa.Po powrocie poślubiła lekarza André Teixeira Pinto, z którym była zaręczona. Mężowi przeszkadzało jego artystyczne rzemiosło, narzucał Tarsilu skromne i domowe zachowanie. Po urodzeniu jedynej córki pary, Dulce, Tarsila postanowiła separacja. Dzięki ogromnemu wpływowi rodziny – która zawsze wspierała jego karierę artystyczną – udało mu się w 1925 roku unieważnienie twojego małżeństwa (ponieważ rozwód nie był wówczas dozwolony przez prawo w Brazylii).
Teraz nie przestawaj... Po reklamie jest więcej ;)
W 1918 zaczął mieć began lekcje malowania w pracowni Pedro Alexandrino, gdzie poznał malarkę Anitę Malfatti. W 1920 wyjechał do Paryża, gdzie pozostał do czerwca 1922, studiując w Académie Julien i pobierając lekcje u malarza Emila Renarda. Był z listów wysłanych przez Malfattiego, o których Tarsila dowiedział się Tydzień Sztuki Współczesnej, który miał miejsce w lutym 1922 roku.
Powrót do Sao Paulo, Malfatti przedstawił Tarsilę artystom modernistycznym, i „grupa pięciu”: Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mario de Andrade, Menotti del Picchia i Tarsila do Amaral. W tym okresie Tarsila i Oswald nawiązali romantyczny związek, kilka lat później zawarli oficjalne małżeństwo. W tym momencie Tarsila zaczął tworzyć sztukę nowoczesną.
Pod koniec 1922 Tarsila wrócił do Paryża, tym razem uczyć się u kubistycznych mistrzów Alberta Gleizesa i Fernanda Legera. Francusko-szwajcarski poeta Blaise Cendrars przedstawił Tarsilę i Oswalda całej inteligencji paryskiej, włączając w to wielkie nazwiska, takie jak Picasso, para Delaunay oraz muzycy Stravinsky i Erik Satie. Podczas tego nowego pobytu we Francji Tarsila zaprzyjaźnił się z innymi brazylijskimi artystami, którzy tam byli, takimi jak Villa-Lobos i Di Cavalcanti, a także z patronami Paulo Prado i Olivią Guedes Penteado.
W 1925 roku Oswald wydał tomik poezji pt Drewno brazylijskie, z ilustracjami Tarsila. Oscylując pomiędzy wielkimi porami roku w Europie a podróżami po Brazylii w poszukiwaniu narodowych barw na swoich płótnach, premiera w 1926 z wystawą indywidualną w Paryżu, otrzymując bardzo pochlebne recenzje.
Duża 1929 kryzysmiał jednak niepomyślne konsekwencje dla Tarsili. Jego rodzina rolników, którzy zapewniali niezbędne środki na tak wiele podróży do Francji, była: dotkniętych kryzysem kawowym i zmuszony do sprzedaży nieruchomości. Tarsila straciła prawie całą swoją fortunę i poza tym, oddzielona od Oswald, a następnie zakochany w studentce Patríci Galvão, Pagu. Tarsila dostała pracę w stanowej Pinacotece w São Paulo, co również nie trwało długo, ponieważ została zwolniona wraz z przybyciem Getulio Vargas do władzy w 1930 roku.
Bezrobotna i bez grosza przy duszy sprzedała trochę obrazów i wyjechała w 1931 r. do związek Radziecki, wraz ze swoim nowym mężem, psychiatrą Osório Césarem. Podczas tej podróży Tarsila opracował nową koncepcję polityczną, bardziej ukierunkowane na pytania społeczne. Następnie wyjechała do Paryża, gdzie przeżyła właściwie doświadczenie zawodowe, pracując jako malarka ścian w budynkach.
Tarsila ponownie się rozwiodła, poślubiając młodszego od niej o dwadzieścia lat pisarza Luiza Martinsa. Małżeństwo trwało do lat sześćdziesiątych. W 1965 roku z powodu silnego bólu pleców malarz przeszedł zabieg chirurgiczny, ale z powodu błędu medycznego nie był w stanie chodzić. W następnym roku jej córka zmarła na cukrzycę, co głęboko wstrząsnęło Tarsilą. Pogrążony w smutku i depresji Tarsila znalazł spirytyzm ulga – zaprzyjaźniła się z Chico Xavierem i zaczęła przekazywać kierowanej przez niego instytucji charytatywnej wszystko, co zebrała ze sprzedaży swojej pracy.
Tarsila do Amaral zmarł w São Paulo 17 stycznia 1973 r.
Przeczytaj też: Modernizm w Brazylii – charakterystyka, fazy, prace
Tarsila i modernizm
Chociaż nie uczestniczył aktywnie w Tygodniu Sztuki Współczesnej 1922, Tarsila został wielkie nazwisko w sztukach plastycznych narodowego modernizmu. Dopiero dzięki spotkaniu z artystami modernistycznymi Tarsila rozwinęła styl, z którego była znana.
Jego podróże po Brazylii, zwłaszcza przez wnętrze São Paulo i Minas Gerais w 1923 roku, dały mu inspirację do pierwszego wpływ na kompozycje kubistyczny, w stylizowanych geometrycznych kształtach, wykorzystujących kolory uważane za „góralskie” przez poprzednich mistrzów, związane z malarstwem akademickim.
W poniższym fragmencie Tarsila ujawnia swoje intencje i zaangażowanie w poszukiwanie prawdziwie brazylijska sztuka, modernistyczne przedsiębiorstwo par excellence:
„Czuję się coraz bardziej brazylijski: chcę być malarzem mojej ziemi. Jakże jestem wdzięczna, że spędziłam całe dzieciństwo na farmie. Wspomnienia tamtych czasów stają się dla mnie cenne. W sztuce chcę być caipirinhą [z farmy] São Bernardo, bawiącą się dzikimi lalkami, jak na ostatnim obrazie, który maluję”.
(List Tarsili do Amaral do rodziny, podczas jej pobytu w Paryżu, 1924)
Twórczość Tarsili do Amaral dzieli się na trzy główne etapy: pierwszy, zwany brazylijski; drugi, antropofagiczny, a trzeci, z odcisku Społeczny.
faza sekwoi
Jest ona związana z dziełami powstałymi w latach 1924-1928, od wycieczek do Rio de Janeiro, podczas karnawału, po historyczne miasta Minas Gerais. Jest to zastosowanie takiego „Kolory wstążki”, odrzuconej przez akademickich mistrzów malarstwa, i wielką intencją Tarsili in reprezentują wiejskie i miejskie Brazylię na twoich zdjęciach. Prace z tego etapu eksponują wpływy kubizmu i przede wszystkim motywów brazylijskie krajobrazy, Jak na przykład Wzgórze Faweli (1924) i San Paulo (1924).
Faza antropofagiczna
Zaczęło się w 1928 roku od kultowego dzieła abaporu – którego nazwa jest kombinacją słów „aba” i „poru”, czyli „człowiek, który je” w tupi-guarani. Namalowany jako prezent urodzinowy dla jej ówczesnego męża, Oswalda de Andrade, stał się czymś znacznie więcej: był główna inspiracja do napisania Manifestu Antropofagicznego i na początek ruchu artystycznego, który miał przedstawicieli w różnych segmentach sztuki narodowej.
Główną ideą projektu antropofagicznego było: pożerać wpływy kultury europejskiej, ponieważ nie dotyczyły warunków brazylijskich, a od połykania, modyfikować to, co zostało pożarte, tworząc prawdziwie narodową sztukę.
Antropofagiczne malarstwo Tarsili łączy współczesną naukę kubizmu z wszechświatem mistyczna i senna gęstość, dość zakorzenione w kulturze brazylijskiej, Z wykorzystaniem Żywe kolory, takie jak czerwony, fioletowy, zielony i żółty. Są częścią tej fazy, oprócz abaporu (1928), prace czarny (1923), który antycypował tę fazę, Jajko [Urutu] (1928), Księżyc (1928), Las (1929), Zachód słońca (1929), m.in.
faza społeczna
Po pobycie w Związku Radzieckim i pracy jako malarka ścian konstrukcyjnych we Francji, Tarsila zaczęła zastanawiać się nad swoimi pracami tematycznymi związanymi z proletariat, à nierówności społeczne, w represje ucierpieli przez robotników, do problemy kapitalizmu przemysłowego.
Tablica pracownicy (1933) inauguruje tę nową fazę malarską, charakteryzującą się użycie bardziej stonowanych i bardziej szarych kolorów, odzwierciedleniem beznadziejności tych, którzy choć niestrudzenie pracują, nie mieli dostępu do podstawowych dóbr, takich jak zdrowie i edukacja. Obrazy są również uważane za wielką ikonę tej fazy. Druga klasa (1933) i szwaczki (1936).
Przeczytaj też:Kubizm – artystyczna awangarda, która wpłynęła na Tarsila
Główne prace
- czarny (1923)
- Cuca (1924)
- Wzgórze Faweli (1924)
- San Paulo (1924)
- drzewo papai (1925)
- Autoportret (Manteau Rouge) (1925)
- Manaca (1927)
- abaporu (1928)
- Jajko (Urutu) (1928)
- Dystans (1928)
- Księżyc (1928)
- Sen (1928)
- Antropofagia (1929)
- Zachód słońca (1929)
- Las (1929)
- Pocztówka (1929)
- Pracownicy (1933)
- Druga klasa (1933)
przez Luizę Brandino
Nauczyciel literatury