porozmawiaj o tym artyści sztuki współczesnej to znaczy mówić o największym wydarzeniu, które naznaczyło historię sztuki brazylijskiej. Takie wydarzenie, znane jako Tydzień Sztuki Współczesnej, odbyła się w Teatrze Miejskim w São Paulo, między 13 a 18 lutego 1922 r.
Począwszy od tej daty (1922), zaczęliśmy rozumieć prawdziwe cele ustanowione przez wydarzenie historyczne. W końcu dlaczego 1922? Jest to dzień, w którym Brazylia obchodziła swoje pierwsze stulecie niepodległości, choć niepodległość ta nie zmieniła płaszczyzny politycznej, gospodarczej ani kulturalnej. Tak więc od okresu sprzed Tygodnia 1922 roku, znanego jako przedmodernizm, pojawiła się reakcja na część klasy artystycznej w ujawnianiu Brazylii widzianej pod realną płaszczyzną, z dala od idealizmu głoszonego przez epokę romantyczny. Brazylia zmarginalizowanych, od północno-wschodniego zaplecza po przedmieścia Rio. Nie przypadkiem m.in. Euclides da Cunha, Monteiro Lobato potrafili wyrazić swoje niezadowolenie poprzez bolączki, które korumpowały wówczas społeczeństwo – z jednej strony postęp przemysłowy wynikający z ekspansji kapitalizmu, z drugiej strony masy wykluczonych, utworzone przez klasę robotniczą, która, coraz bardziej zorganizowana, prowadziła intensywnie Uderzenia.
W tej atmosferze euforii, nasyconej chęcią dokonania zmian, szczególnie pod wpływem ruchów awangardowych, artyści wyrażali swoje ideologiczne pozycje poprzez swoje dzieła, czy to w malarstwie, muzyce, rzeźbie, literaturze, wśród innych form sztuka. W tym sensie spójrzmy na dane biograficzne tkwiące w niektórych z nich, zaczynając od:
Di Cavalcanti
Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, syn Frederico Augusto Cavalcanti de Albuquerque i Rosalia de Sena,
urodził się w 1897 w Rio de Janeiro, zmarł w 1976 w tym samym mieście. Jego talent artystyczny rozpoczął się w 1908 roku w São Cristóvão, dzielnicy mieszczańskiej, do której przeniosła się rodzina.
Po latach, w 1914 rozpoczął karierę karykaturzysty. W 1916 zapisał się do szkoły Livre de Direito, przenosząc się do São Paulo i zabierając ze sobą list od Olavo Bilaca do dziennikarza Nestora Rangela Pestany, krytyka sztuki z Estadão. W związku z tym został zatrudniony jako archiwista dla gazety O Estado de São Paulo.
Di Cavalcanti był jednym z twórców Tygodnia Sztuki Nowoczesnej, uczestnicząc w tworzeniu katalogów i programów, a także wystawiał dwanaście obrazów. Wśród jego ogromnej pracy możemy wymienić:
Podróż mojego życia – Testament Alvorady (1955) i Reminiscencje liryczne doskonałej Carioki (1964).
Ilustrował liczne książki, m.in.: Carnaval, Manuel Bandeira, 1919; Losango Cáqui, Mario de Andrade, 1926; A Noite na Taverna e Macário, autorstwa Alvares de Azevedo, 1941; itp.
Wykonywał murale w Brasilii, Belo Horizonte, Rio de Janeiro i São Paulo oraz redagował albumy drukowane, m.in. Lapa, drzeworyty, 1956; Cinco Serigrafias, 1969 i Sete Flores, z tekstem Carlosa Drummonda de Andrade, 1969.
Ismael Nery
Ismael Nery urodził się w Belém do Pará w 1900 roku i zmarł w 1934 roku w Rio de Janeiro. Ten artysta nie bronił idei narodowości jak artyści jego czasów; przeciwnie, rozszerzył swój wyraz artystyczny w najszerszym tego słowa znaczeniu, splatając wszystkie nurty myślowe. Jego kariera malarska nie przyniosła mu zasłużonego uznania publiczności, gdyż nie sprzedał ponad stu obrazów, wystawianych tylko na dwóch imprezach. W przeciwieństwie do jego produkcji jako rysownika, która zdaniem ekspertów była lepsza niż jego malarstwo.
Twórczość tego szlachetnego artysty dzieli się zwykle na trzy nurty: ekspresjonistyczny, od 1922 do 1923; kubista, od 1924 do 1927, pod silnym wpływem Pabla Picassa; i surrealistyczny, wyznaczony od 1927 do 1934, jego najważniejsza i najbardziej obiecująca faza.
Lasar Segal
Lasar Segal urodził się 21 lipca 1891 r. w Wilnie, stolicy Litwy. Zmarł 2 sierpnia 1957 roku w mieście São Paulo, pozostawiając po sobie ogromną kolekcję, która podkreśla nie tylko piękno, ale przede wszystkim nędzę, której był świadkiem podczas swojej podróży. Dla Segala statyczne malarstwo nie satysfakcjonowało go, ponieważ konieczne było dokonanie w nim pewnych zniekształceń, aby oddać rzeczywistość – cel, który skłonił go do zbliżenia się do ekspresjonizmu. Po krótkim pobycie w Holandii wyjechał do Brazylii, gdzie zorganizował dwie wystawy: jedną w São Paulo, a drugą w Campinas.
Teraz nie przestawaj... Po reklamie jest więcej ;)
Lasar Segal miał obsesję na punkcie człowieka nie tylko malarz, uważany też za prawdziwego socjologa, i za pomocą pędzli portretował problemy brazylijskie, objawiające się znajomymi scenami, podkreślające biedne wnętrza domów, a także cierpiące twarze ich populacja. Sceny te przedstawiały konformizm społeczeństwa uważanego za niezmienne.
Dlatego w swoich pracach wykorzystywał nie tylko olej na płótnie, ale także poznane procesy grawerskie w Rosji litografia i cynkografia, co nadało jego sztuce czysto wszechstronny charakter.
Uderzony przez zmasowany atak, zmarł. Jednak jego ogromna twórczość pozostała przy życiu, poprzez zbiór 2500 dzieł, miejsce, w którym działa Biblioteka zorganizowana przez jego żonę – pisarkę i tłumaczkę.
Milton Dacosta
Milton Dacosta urodził się w 1915 roku w Niterói w stanie Rio de Janeiro, zmarł w 1988 roku w mieście Rio de Janeiro. W wieku 14 lat poznał Augusto Hantza, niemieckiego nauczyciela, z którym miał pierwsze lekcje rysunku, zapisując się w następnym roku w Escola de Belas Artes, uczęszczając na bezpłatny kurs prowadzony przez Augusto José Markiz Junior.
W 1936 roku, po zorganizowaniu indywidualnej wystawy, Dacosta poczuł motywację do zapisania się do Narodowego Salonu Sztuk Pięknych. Wystawiając swoje prace otrzymał wyróżnienie, zdobywając brązowy i srebrny medal. W 1944 otrzymał upragnioną nagrodę za wyjazd za granicę, podróżując w 1945 z malarzem Djanirą do Stanów Zjednoczonych, a stamtąd wyjechał do Paryża, gdzie przebywał przez dwa lata.
Malarstwo tego artysty, które stopniowo ewoluowało, osiągnęło wielkie wyżyny. Najpierw utożsamił się z impresjonizmem, przechodząc kolejno do ekspresjonizmu, kubizmu, konkretyzmu, a następnie, z własnego wyboru, ponownie do kubizmu. W 1949 ożenił się z malarką Marią Leontiną, której związek trwał 37 lat. Razem brali udział w Biennale, wyjeżdżali za granicę na kursy doskonalenia i razem rozwijali się w misji uczynienia świata jeszcze piękniejszym poprzez swoją pracę.
Anita Malfatti
Anita Catarina Malfatti urodziła się 2 grudnia 1889 roku w São Paulo. Córka Samuela Malfattiego i Elisabete, była malarką, rysowniczką i mówiła kilkoma językami, co dało jej ogromne zdolności kulturowe.
Po przybyciu do Berlina we wrześniu 1910 r. zaczął brać prywatne lekcje w pracowni Fritza Burgera, rok później zapisał się do Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1916 wróciła do Brazylii w wieku 27 lat, gotowa wyrazić całą swoją sztukę, szczególnie skupioną na ekspresjonizmie.
W ten sposób, dzięki wpływom swoich modernistycznych przyjaciół, w szczególności Di Cavalcanti, Anita postanowiła zlokalizować jednej z zależności Mappin Stores i przeprowadzić pojedynczą prezentację swojej pracy, 12 grudnia, 1917.
Nie wiedział, że los, jak na ironię, sprowadził na niego wielkie nieszczęście. Monteiro Lobato, poprzez swój artykuł Paranoja lub mistyfikacja, ostro skrytykował twórczość artysty. Taki zamiar nie był skierowany w szczególności do niej, ale do samych modernistów. Fakt ten wstrząsnął nią głęboko i sprawił, że przez resztę życia nosiła uczucie całkowitego niezadowolenia z otaczających ją rzeczy. Jego pierwszym odruchem było całkowite porzucenie sztuki, jednak zaczął uczęszczać na lekcje z mistrzem Pedro Alexandrino, co zapewniło im owocną i trwałą przyjaźń.
Zmotywowana przez przyjaciół postanowiła wziąć udział w Tygodniu Sztuki Nowoczesnej 1922, a rok później wyjechała do Paryża, uzbrojona w stypendium, gdzie poznała Tarsilę do Amaral, Oswalda de Andrade, Vitora Brechereta i Di Cavalcanti. Po pewnym czasie wrócił na brazylijską ziemię, odzyskawszy już pewność siebie, jednak nie chciał już zapuszczać się w nowe „kulturowe przedsięwzięcia”.
Anita zmarła 6 listopada 1964 r. w Diademie w stanie São Paulo, gdzie mieszkała z siostrą Georginą na farmie.
By Vânia Duarte
Ukończył w listach
