Kunstens sted har alltid vært et omfattende diskutert tema blant kritikere, kjennere, forskere og kunstnerne selv. I lang tid ble kunstverden tenkt på som en autonom sfære, styrt av sine egne koder og resultatet av en kreativitet sentrert på kunstnerens individualitet. Spesielt fra det 20. århundre har vi imidlertid lagt merke til at denne skillet mellom kunst og verden har mistet krefter ettersom forskjellige bevegelser forsøkte å bryte slike grenser.
På 1950-tallet observerte vi formuleringen av en bevegelse kalt “pop art”. Dette uttrykket, som kommer fra engelsk, betyr "populær kunst". I motsetning til hva det ser ut, har denne populære kunsten som definerer en slik bevegelse ingenting å gjøre med en kunst produsert av de populære lagene eller med folkloristiske forestillinger om kunst. "Pop art" som en bevegelse omfavner de forskjellige manifestasjonene av massekultur, kultur laget for folkemengdene og produsert av store medier.
Ved å involvere elementer generert av industrisamfunnet, utfører "pop art" en dobbel bevegelse som er i stand til å avsløre rikheten til sin egen eksistens. På den ene siden avslører det spor etter et samfunn preget av industrialisering, repetisjon og opprettelsen av øyeblikkelige ikoner. På den annen side stiller han spørsmålstegn ved grensene for kunstnerisk fremstilling ved å unngå en autonom tanke og dekke fenomenene i sin tid, for å tenke sine egne kreasjoner.
"Pop art" -bevegelsen dukket opp i et historisk øyeblikk preget av gjenoppblomstringen av store industrisamfunn som en gang ble påvirket av virkningene av andre verdenskrig. På denne måten adopterte de de store nordamerikanske og britiske urbane sentre som miljø for de første representantene til å hente inspirasjon til å lage sine verk. Annonsestykker, kjendisbilder, logoer og tegneserier er noen av disse inspirasjonene.
Medlemmene av "pop art" klarte å tiltrekke seg allmennhetens oppmerksomhet ved å la seg inspirere av elementer som i teorien ikke ble anerkjent som kunst, med tanke på at forbruk var det nåværende merket for disse ganger. Store filmstjerner, tegneserier, moderne biler, elektroniske dingser eller hermetikkvarer er blitt dekonstruert slik at inntrykkene og ideene til disse kunstnerne signaliserte reproduksjonskraften og flyktigheten til det som tilbys av tiden industriell.
Blant andre representanter for denne bevegelsen kan vi trekke frem figuren til Andy Warhol, kjent for de mange flerfargede versjonene av "Marilyn Monroe", produsert i 1967. Et annet eksempel på "pop art" kan gjenkjennes i verket "No Carro", der Roy Lichenstein bruker tegneseriens språk for å utforske urbane situasjoner. Selv i dag bruker mange kunstnere “pop art” -henvisninger til designmalerier, skulpturer og andre installasjoner.
Av Rainer Sousa
Master i historie
