Tarsila do Amaral han figurerer blant de mest kjente og anerkjente navnene i nasjonalmaleriet, og er et ikon for brasiliansk modernisme. Integrering av flere typiske elementer i Brasiliansk kultur, var kunstneren i stand til å produsere sin egen kulturelle identitet, som assimilerte trendene i moderne europeisk kunst, samtidig som de ga dem nasjonale farger.
I tillegg til den modernistiske perioden, hans mest berømte verk, abaporu, symbol på det antropofagiske manifestet fra 1928, er også det mest verdifulle maleriet i historien om brasiliansk kunst. Videre er Tarsila do Amaral en av de store representantene for latinamerikansk kunst, med utstillinger dedikert til henne som sirkulerer i store museer rundt om i verden.
Biografi
Tarsila do Amaral ble født 1. september 1886 på gården São Bernardo, i kommunen Capivari (SP). I velstående familie, arving til store landlige eiendommer i det indre av São Paulo vokste han opp sammen med syv søsken, og hørte på moren sin som spilte piano og faren for å resitere dikt på fransk, et språk han lærte siden barndommen. Hun ble sendt til hovedstaden for å studere ved Colegio Sion og deretter til Barcelona for å fullføre studiene. I Spania malte han sitt første maleri,
Hellig hjerte av Jesus.Da hun kom tilbake, giftet hun seg med legen André Teixeira Pinto, som hun var forlovet med. Mannen ble plaget av hans kunstneriske håndverk, han påførte Tarsila en demur og hjemmelig oppførsel. Etter fødselen av parets eneste datter, Dulce, bestemte Tarsila seg for å gjøre det atskillelse. Takket være familiens enorme innflytelse - som alltid har støttet hans karriere innen kunst - klarte han i 1925 å annullering av ekteskapet ditt (siden skilsmisse da ikke var lov i Brasil).
I 1918 begynte det å ha maling leksjoner i studioet til Pedro Alexandrino, hvor han møtte maleren Anita Malfatti. I 1920 dro han til Paris, hvor han ble til juni 1922, studerte ved Académie Julien og tok leksjoner hos maleren Emile Renard. Var fra brev sendt av Malfatti at Tarsila ble klar over Moderne kunstuke, som fant sted i februar 1922.
Tilbake til São Paulo, Malfatti introduserte Tarsila for modernistiske kunstnere, og "gruppe på fem”: Anita Malfatti, Oswald de Andrade, mario de andrade, Menotti del Picchia og Tarsila do Amaral. I løpet av denne perioden innledet Tarsila og Oswald et romantisk forhold og inngikk et offisielt ekteskap noen år senere. Det var på dette tidspunktet Tarsila begynte å produsere moderne kunst.
På slutten av 1922 kom Tarsila tilbake til Paris, denne gangen å studere med kubistiske mestere Albert Gleizes og Fernand Léger. Den fransk-sveitsiske poeten Blaise Cendrars introduserte Tarsila og Oswald for hele den parisiske intelligentsiaen, inkludert store navn som f.eks. Picasso, ekteparet Delaunay og musikerne Stravinsky og Erik Satie. Under dette nye oppholdet i Frankrike ble Tarsila venner med andre brasilianske artister som var der, som Villa-Lobos og Di Cavalcanti, og også med beskyttere Paulo Prado og Olivia Guedes Penteado.
I 1925 ga Oswald ut poesiboken med tittelen Brazilwood, med illustrasjoner av Tarsila. Oscillerende mellom de store sesongene i Europa og turer rundt Brasil på jakt etter å fange nasjonale farger på lerretene sine, hadde premiere i 1926 med en separatutstilling i Paris, mottar veldig gunstige anmeldelser.
Den store 1929-krisefikk imidlertid uheldig konsekvenser for Tarsila. Hans familie av bønder, som sørget for de nødvendige ressursene for så mange turer til Frankrike, var påvirket av kaffekrisen og tvunget til å selge eiendommene. Tarsila mistet nesten all formuen sin og utover det, skilt fra Oswald, deretter forelsket i student Patrícia Galvão, Pagu. Tarsila fikk jobb i São Paulo State Pinacoteca, en situasjon som heller ikke varte lenge, da hun ble sparket med ankomsten av Getulio Vargas til makten i 1930.
Arbeidsløs og pengeløs solgte hun noen malerier og reiste i 1931 til Sovjetunionen, sammen med sin nye ektemann, psykiateren Osório César. I løpet av denne turen, Tarsila utviklet en ny politisk forestilling, mer rettet mot sosiale spørsmål. Etterpå dro hun til Paris, hvor hun faktisk opplevde arbeidserfaringen, jobbet som veggmaler i bygninger.
Tarsila skilte seg igjen, giftet seg med forfatteren Luiz Martins, tjue år eldre enn henne. Ekteskapet varte til 1960-tallet eller så. I 1965, på grunn av alvorlige ryggsmerter, maleren gjennomgikk en kirurgisk prosedyre, men på grunn av en medisinsk feil klarte han ikke å gå. Året etter døde datteren av diabetes, noe som rystet Tarsila dypt. Kastet inn i tristhet og depresjon, fant Tarsila spiritisme en lettelse - hun ble venn med Chico Xavier og begynte å donere, til en veldedighetsinstitusjon ledet av ham, alt hun reiste fra salg av arbeidet hennes.
Tarsila do Amaral døde i São Paulo 17. januar 1973.
Les også: Modernisme i Brasil - egenskaper, faser, fungerer
Tarsila og modernisme
Selv om Tarsila ikke deltok aktivt i Modern Art Week 1922, ble den stort navn i nasjonal modernismens kunst. Det var bare fra hennes møte med modernistiske kunstnere at Tarsila faktisk utviklet den stilen hun var kjent for.
Hans reiser gjennom Brasil, spesielt gjennom det indre av São Paulo og Minas Gerais, i 1923, ga ham inspirasjon til sin første påvirke komposisjoner kubistisk, i stiliserte geometriske former, og bruker fargene som ble betraktet som "hillbilly" av sine tidligere mestere, knyttet til akademisk maleri.
I det følgende utdraget avslører Tarsila sine intensjoner og sin forpliktelse til søket etter en virkelig brasiliansk kunst, modernistisk virksomhet par excellence:
“Jeg føler meg mer og mer brasiliansk: Jeg vil være maleren i landet mitt. Hvordan jeg er takknemlig for å ha tilbrakt hele barndommen min på gården. Minner fra den tiden blir dyrebare for meg. I kunsten vil jeg være caipirinha [fra gården] til São Bernardo, leke med ville dukker, som i det siste maleriet jeg maler. ”
(Brev fra Tarsila do Amaral til familien under oppholdet i Paris i 1924)
Tarsila do Amarals arbeid er delt inn i tre hovedfaser: den første, kalt brazilwood; den andre, antropofagiskog det tredje avtrykk Sosial.
redwood-fase
Det er relatert til verk produsert mellom 1924 og 1928, basert på turer til Rio de Janeiro, under karnevalet, og til de historiske byene Minas Gerais. Det er anvendelsen av slike "Fargebånd", avvist av akademiske mestere i malerier, og Tarsilas store intensjon i representerer landlige og urbane Brasil på bildene dine. Verkene fra denne fasen avslører innflytelsen fra kubisme og temaer som er fremfor alt brasilianske landskap, som for eksempel Favela Hill (1924) og São Paulo (1924).
Antropofagisk fase
Det begynte i 1928, fra det ikoniske verket abaporu - hvis navn er kombinasjonen av ordene “aba” og “poru”, som betyr “mann som spiser” i Tupi-Guarani. Malet i bursdagsgave til hennes daværende ektemann, Oswald de Andrade, ble det mye mer enn det: det var det viktigste inspirasjonen til skrivingen av det antropofagiske manifestet og for begynnelsen av en kunstnerisk bevegelse som hadde eksponenter i forskjellige segmenter av nasjonal kunst.
Den sentrale ideen om det antropofagiske prosjektet var sluke innflytelsene fra europeisk kultur, ettersom de ikke gjaldt brasilianske forhold, og fra svelging, endre det som ble fortært, produserer virkelig nasjonal kunst.
Tarsilas antropofagiske maleri blander den moderne læring av kubisme med et univers av mystisk og drømmeaktig tetthet, ganske forankret i brasiliansk kultur, bruker Levende farger, som rød, lilla, grønn og gul. De er en del av denne fasen, i tillegg til abaporu (1928), verkene det svarte (1923), som forutså denne fasen, Egget [Urutu] (1928), Månen (1928), skog (1929), Solnedgang (1929), blant andre.
sosial fase
Etter sin tid i Sovjetunionen og etter å ha jobbet som konstruksjonsmaler i Frankrike, begynte Tarsila å reflektere over sine tematiske arbeider knyttet til proletariat, à sosial ulikhet, kl undertrykkelser led av arbeiderne, til problemer med industriell kapitalisme.
Styret arbeiderne (1933) innvier denne nye bildefasen, preget av bruk av mer edrue og gråere farger, en refleksjon av håpløsheten til de som, selv om de arbeidet utrettelig, ikke hadde tilgang til grunnleggende varer som helse og utdanning. Maleriene blir også betraktet som et flott ikon i denne fasen. Andre klasse (1933) og syersker (1936).
Les også:Kubisme - den kunstneriske avantgarde som påvirket Tarsila
Hovedarbeider
- det svarte (1923)
- cucaen (1924)
- Favela Hill (1924)
- São Paulo (1924)
- papayatreet (1925)
- Selvportrett (Manteau Rouge) (1925)
- Manaca (1927)
- abaporu (1928)
- Egget (Urutu) (1928)
- Avstand (1928)
- Månen (1928)
- Søvn (1928)
- Antropofagi (1929)
- Solnedgang (1929)
- skog (1929)
- Postkort (1929)
- Arbeidere (1933)
- Andre klasse (1933)
av Luiza Brandino
Litteraturlærer
Kilde: Brasilskolen - https://brasilescola.uol.com.br/biografia/tarsila-amaral.htm
