snakk om kunstnere av moderne kunst det betyr å snakke om den største begivenheten som markerte historien til brasiliansk kunst. En slik hendelse, kjent som Moderne kunstuke, fant sted på det kommunale teatret i São Paulo, mellom 13. og 18. februar 1922.
Fra denne datoen (1922) begynte vi å forstå de virkelige formålene som ble etablert gjennom den historiske begivenheten. Tross alt, hvorfor 1922? Dette er datoen da Brasil feiret sitt første hundreårsjubileum for uavhengighet, selv om uavhengigheten ikke har transformert de politiske, økonomiske eller kulturelle flyene. Siden perioden før uken i 1922, kjent som før-modernisme, har det således vært en reaksjon for en del av den kunstneriske klassen for å avsløre et Brasil sett under det virkelige planet, langt fra idealismen som ble forkynt av tiden romantisk. Et marginalisert Brasil, alt fra det nordøstlige innlandet til forstedene til Rio. Det er ikke tilfeldig at blant andre Euclides da Cunha, Monteiro Lobato, var i stand til å uttrykke sin misnøye gjennom sykdommene som korrumperte samfunnet på den tiden - på den ene siden industriell fremgang som følge av utvidelsen av kapitalismen, derimot massen av de ekskluderte, dannet av arbeiderklassen som, i økende grad organisert, gjennomførte intenst slår til.
I denne atmosfæren av eufori, gjennomsyret med det formål å gjøre endringer, spesielt påvirket av avantgarde bevegelser, kunstnere uttrykte sine ideologiske posisjoner gjennom sine kreasjoner, enten det er i maleri, musikk, skulptur, litteratur, blant andre former for Kunst. I denne forstand, la oss se på de biografiske dataene som ligger i noen av dem, og begynner med:
Di Cavalcanti
Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, sønn av Frederico Augusto Cavalcanti de Albuquerque og Rosalia de Sena,
han ble født i 1897, i Rio de Janeiro, og døde i 1976 i den samme byen. Hans kunstneriske talent begynte i 1908, i São Cristóvão, et middelklassekvarter som familien hadde flyttet til.
Flere år senere, i 1914, begynte han sin karikaturistkarriere. I 1916 meldte han seg inn på Livre de Direito-skolen, flyttet til São Paulo og tok med seg et brev fra Olavo Bilac til journalisten Nestor Rangel Pestana, en kunstkritiker fra Estadão. Med det ble han ansatt som arkivar for avisen O Estado de São Paulo.
Di Cavalcanti var en av skaperne av Week of Modern Art, og deltok i opprettelsen av kataloger og programmer, i tillegg til å stille ut tolv malerier. Blant hans store arbeid kan vi nevne:
Journey of My Life - The Testament of Alvorada (1955) og Lyrical Reminiscences of a Perfect Carioca (1964).
Han illustrerte mange bøker, inkludert: Carnaval, av Manuel Bandeira, 1919; Losango Cáqui, av Mario de Andrade, 1926; A Noite na Taverna e Macário, av Alvares de Azevedo, 1941; etc.
Han utførte veggmalerier i Brasília, Belo Horizonte, Rio de Janeiro og São Paulo og redigerte trykte album, som f.eks. Lapa, tresnitt, 1956; Cinco Serigrafias, 1969 og Sete Flores, med tekst av Carlos Drummond de Andrade, 1969.
Ishmael Nery
Ismael Nery ble født i Belém do Pará i 1900 og døde i 1934 i byen Rio de Janeiro. Denne kunstneren forsvarte ikke ideen om nasjonalitet som kunstnerne i sin tid; tvert imot utvidet det sitt kunstneriske uttrykk i bredeste forstand og flettet sammen alle tankestrømmer. Hans karriere som maler tjente ham ikke den fortjente anerkjennelse av publikum, siden han ikke solgte mer enn hundre malerier, bare utstilt ved to arrangementer. I motsetning til hans produksjon som tegner, som ifølge eksperter var bedre enn maleriet hans.
Arbeidet til denne edle kunstneren er vanligvis delt inn i tre tråder: ekspresjonisten, fra 1922 til 1923; kubisten, fra 1924 til 1927, under sterk innflytelse av Pablo Picasso; og surrealisten, avgrenset fra 1927 til 1934, dens viktigste og mest lovende fase.
Lasar Segal
Lasar Segal ble født 21. juli 1891 i byen Vilna, hovedstaden i Litauen. Han døde 2. august 1957 i byen São Paulo og etterlot seg en enorm samling som ikke bare understreker skjønnheten, men fremfor alt elendigheten han hadde vært vitne til gjennom hele reisen. For Segal tilfredsstilte ikke statisk maleri ham, gitt at det var nødvendig å gjøre noen forvrengninger i den for å skildre virkeligheten - et formål som fikk ham til å nærme seg ekspresjonismen. Etter et raskt opphold i Holland dro han til Brasil, hvor han organiserte to utstillinger: en i São Paulo og en annen i Campinas.
Mer enn en maler, ansett som en ekte sosiolog, var Lasar Segal besatt av mennesket, og gjennom sine pensler portretterte han de brasilianske problemene, avslørt av kjente scener, og understreket det dårlige interiøret i husene, samt de lidende ansiktene til deres befolkning. Disse scenene portretterte konformismen til et samfunn som ble ansett som uforanderlig.
Derfor brukte han ikke bare olje på lerret i sine arbeider, men også graveringsprosesser som han hadde lært i Russland, som litografi og sinkografi, som ga kunsten hans en rent allsidig karakter.
Slått av et massivt angrep, døde han. Hans enorme arbeid forble imidlertid i live gjennom en samling på 2500 verk, et sted der et bibliotek organisert av hans kone - forfatter og oversetter - fungerer.
Milton Dacosta
Milton Dacosta ble født i 1915, i Niterói, i delstaten Rio de Janeiro, og døde i 1988, i byen Rio de Janeiro. Klokka 14 møtte han Augusto Hantz, en tysk lærer som han hadde sine første tegnelekser med, registrere seg året etter på Escola de Belas Artes, delta på det gratis kurset undervist av Augusto José Marquis Junior.
I 1936, etter å ha holdt et soloshow, følte Dacosta seg motivert for å melde seg på National Salon of Fine Arts. Da han stilte ut sitt arbeid, fikk han en hederlig omtale og vant en bronse og sølvmedalje. I 1944 mottok han den ettertraktede prisen for en utenlandsreise, og reiste i 1945 til USA med maleren Djanira, og derfra dro han til Paris, hvor han bodde i to år.
Denne kunstnerens maleri, som utviklet seg litt etter litt, nådde store høyder. Først identifiserte han seg med impresjonismen, og gikk sekvensielt til ekspresjonisme, kubisme, konkretisme, og deretter tilbake til kubisme igjen, etter eget valg. I 1949 giftet han seg med maleren Maria Leontina, hvis fagforening varte i 37 år. Sammen deltok de i Bienals, reiste utenlands for forbedringskurs, og sammen vokste de i oppdraget om å gjøre verden enda vakrere gjennom sitt arbeid.
Anita Malfatti
Anita Catarina Malfatti ble født 2. desember 1889 i São Paulo. Datter av Samuel Malfatti og Elisabete, hun var maler, tegner og snakket flere språk, noe som ga henne en enorm kulturell evne.
Da han kom til Berlin i september 1910, begynte han å ta privatundervisning på Fritz Burger studio, og melde seg inn et år senere på Royal Academy of Fine Arts. I 1916 kom hun tilbake til Brasil, i en alder av 27 år, klar til å uttrykke all sin kunst, spesielt fokusert på ekspresjonisme.
Dermed, gjennom innflytelse fra sine modernistiske venner, spesielt av Di Cavalcanti, bestemte Anita seg for å finne en av avhengighetene til Mappin Stores og utfører en enkelt presentasjon av sitt arbeid 12. desember, 1917.
Det han ikke visste var at skjebnen, ironisk nok, hadde i vente for ham stor ulykke. Monteiro Lobato, gjennom sin artikkel Paranoia eller mystifisering, kritisert hardt kunstnerens arbeid. En slik intensjon var ikke rettet mot henne spesielt, men mot modernistene selv. Fakta rystet henne dypt og fikk henne til å bære resten av livet en følelse av total misnøye med tingene rundt seg. Hans første instinkt var å forlate kunsten helt, men han begynte å ta kurs hos mesteren Pedro Alexandrino, et faktum som ga dem et lønnsomt og varig vennskap.
Motivert av venner bestemte hun seg for å delta i 1922 Modern Art Week, og året etter reiste hun til Paris, bevæpnet med et stipend, der hun møtte Tarsila do Amaral, Oswald de Andrade, Vitor Brecheret og Di Cavalcanti. Etter en stund kom han tilbake til brasiliansk jord, med tilliten allerede gjenopprettet, men han var ikke lenger villig til å våge seg inn i nye "kulturelle satsinger".
Anita døde 6. november 1964 i Diadema, delstaten São Paulo, hvor hun bodde sammen med søsteren Georgina, på en gård.
Av Vânia Duarte
Uteksaminert i Letters
Kilde: Brasilskolen - https://brasilescola.uol.com.br/literatura/artistas-da-arte-moderna.htm
