De plaats van kunst is altijd een veelbesproken thema geweest onder critici, kenners, onderzoekers en de kunstenaars zelf. Lange tijd werd de kunstwereld gezien als een autonome sfeer, geregeerd door zijn eigen codes en het resultaat van een creativiteit waarin de individualiteit van de kunstenaar centraal stond. Maar vooral vanaf de 20e eeuw hebben we gemerkt dat deze scheiding tussen kunst en wereld aan kracht verloor toen verschillende stromingen dergelijke grenzen probeerden te doorbreken.
In de jaren vijftig zagen we de formulering van een beweging die 'pop-art' wordt genoemd. Deze uitdrukking, die uit het Engels komt, betekent "populaire kunst". In tegenstelling tot wat het lijkt, heeft deze populaire kunst die een dergelijke beweging definieert niets te maken met kunst die wordt geproduceerd door de populaire lagen of met folkloristische opvattingen over kunst. "Pop-art" als beweging omarmt de diverse manifestaties van massacultuur, cultuur gemaakt voor de menigte en geproduceerd door de grote media.
Door elementen te gebruiken die door de industriële samenleving zijn gegenereerd, voert 'pop-art' een dubbele beweging uit die ons de rijkdom van zijn eigen bestaan kan onthullen. Enerzijds legt het de sporen bloot van een samenleving die wordt gekenmerkt door industrialisatie, herhaling en het creëren van onmiddellijke iconen. Aan de andere kant stelt hij de grenzen van het artistieke maken in vraag door een autonoom denken te vermijden en de verschijnselen van zijn tijd te bedekken, om zo zijn eigen creaties te bedenken.
De 'pop-art'-beweging verscheen op een historisch moment dat werd gekenmerkt door de heropleving van grote industriële samenlevingen die ooit werden getroffen door de gevolgen van de Tweede Wereldoorlog. Op deze manier nam het de grote Noord-Amerikaanse en Britse stedelijke centra over als omgeving voor zijn eerste vertegenwoordigers om inspiratie op te doen om hun werken te creëren. Reclamestukken, afbeeldingen van beroemdheden, logo's en strips zijn enkele van deze inspiratiebronnen.
De leden van "pop art" wisten de aandacht van het grote publiek te trekken door zich te laten inspireren door elementen die in theorie niet als kunst werden erkend, rekening houdend met het feit dat consumptie het huidige kenmerk hiervan was keer. Grote filmsterren, stripboeken, moderne auto's, elektronische gadgets of ingeblikte goederen zijn gedeconstrueerd zodat de indrukken en ideeën van deze kunstenaars de kracht van reproductie en de kortstondigheid van wat het tijdperk biedt, aantoonden industrieel.
Onder andere vertegenwoordigers van deze beweging kunnen we de figuur van Andy Warhol benadrukken, bekend om de veelkleurige versies van "Marilyn Monroe", geproduceerd in 1967. Een ander voorbeeld van 'pop-art' is te herkennen in het werk 'No Carro', waarin Roy Lichenstein de taal van strips gebruikt om stedelijke situaties te verkennen. Zelfs vandaag de dag gebruiken veel kunstenaars 'pop-art'-referenties om schilderijen, sculpturen en andere installaties te ontwerpen.
Door Rainer Sousa
Master in de geschiedenis
