예술의 장소는 항상 비평가, 감정가, 연구자 및 예술가들 사이에서 광범위하게 논의 된 주제였습니다. 오랜 시간 동안 예술계는 자신의 코드와 작가의 개성을 중심으로 한 창의성의 결과에 의해 지배되는 자율적 인 영역으로 생각되었습니다. 그러나 특히 20 세기 이후부터 우리는 예술과 세계의이 분리가 이러한 한계를 깨고 자하는 여러 운동으로 인해 힘을 잃어 가고 있음을 알게되었습니다.
1950 년대에 우리는“팝아트”라는 운동의 형성을 관찰했습니다. 영어에서 유래 한이 표현은 "인기 예술"을 의미합니다. 보이는 것과는 달리, 그러한 움직임을 정의하는이 대중 예술은 대중적인 층에 의해 생성 된 예술이나 민속 예술의 개념과는 아무런 관련이 없습니다. 운동으로서의“팝아트”는 대중 문화의 다양한 표현, 군중을 위해 만들어지고 대형 미디어가 생산하는 문화를 포용합니다.
'팝아트'는 산업 사회에서 생성 된 요소를 포함하여 그 존재의 풍요 로움을 우리에게 드러 낼 수있는 이중 운동을 수행한다. 한편으로는 산업화, 반복, 즉석 아이콘 생성으로 특징 지어지는 사회의 흔적을 드러낸다. 반면에 그는 자율 주의적 사고를 피하고 시대의 현상을 덮어 자신의 창작물을 구상하기 위해 예술적 창작의 한계에 의문을 제기한다.
“팝아트”운동은 한때 제 2 차 세계 대전의 영향을 받았던 대규모 산업 사회의 부활로 표시되는 역사적인 순간에 나타났습니다. 이러한 방식으로 북미와 영국의 대도시 중심지를 첫 번째 대표자가 자신의 작품을 만드는 데 영감을주는 환경으로 채택했습니다. 광고 물, 유명 인사 이미지, 로고 및 만화는 이러한 영감의 일부입니다.
"팝아트"멤버들은 요소에서 영감을 받아 일반 대중의 관심을 끌었습니다. 이론적으로는 소비가 이들의 현재 표시라는 점을 고려할 때 예술로 인식되지 않았습니다. 타임스. 거물 영화 배우, 만화책, 현대 자동차, 전자 기기 또는 통조림이 해체되었습니다. 이 예술가들의 인상과 아이디어는 재생산의 힘과 시대가 제공하는 것의 일시적인 가능성을 나타냅니다. 산업.
이 무브먼트의 다른 대표자들 중에는 1967 년에 제작 된 "마릴린 먼로"의 여러 가지 색상 버전으로 유명한 Andy Warhol의 모습을 강조 할 수 있습니다. "팝 아트"의 또 다른 예는 Roy Lichenstein이 만화 언어를 사용하여 도시 상황을 탐구하는 작품 "No Carro"에서 확인할 수 있습니다. 오늘날에도 많은 예술가들은“팝 아트”를 사용하여 그림, 조각 및 기타 설치물을 디자인합니다.
작성자: Rainer Sousa
역사 석사