Il luogo dell'arte è sempre stato un tema ampiamente dibattuto tra critici, intenditori, ricercatori e gli stessi artisti. Per molto tempo il mondo dell'arte è stato pensato come una sfera autonoma, governata da propri codici e frutto di una creatività centrata sull'individualità dell'artista. Tuttavia, soprattutto dal XX secolo in poi, abbiamo notato che questa separazione tra arte e mondo sta perdendo forza poiché diversi movimenti hanno cercato di rompere tali limiti.
Negli anni '50 abbiamo osservato la formulazione di un movimento chiamato “pop art”. Questa espressione, che deriva dall'inglese, significa “arte popolare”. Contrariamente a quanto sembra, quest'arte popolare che definisce un tale movimento non ha nulla a che vedere con un'arte prodotta dagli strati popolari o con nozioni folkloristiche dell'arte. La “pop art” come movimento abbraccia le varie manifestazioni della cultura di massa, cultura fatta per le folle e prodotta dai maggiori media.
Coinvolgendo elementi generati dalla società industriale, la “pop art” compie un doppio movimento capace di rivelarci la ricchezza della propria esistenza. Da un lato, espone le tracce di una società segnata dall'industrializzazione, dalla ripetizione e dalla creazione di icone istantanee. Dall'altro, mette in discussione i limiti del fare artistico evitando un pensiero autonomista e coprendo i fenomeni del suo tempo, così da concepire le proprie creazioni.
Il movimento della "pop art" è apparso in un momento storico segnato dalla rinascita di grandi società industriali che un tempo erano state colpite dagli effetti della seconda guerra mondiale. In questo modo ha adottato i grandi centri urbani nordamericani e britannici come ambiente per i suoi primi rappresentanti a cui ispirarsi per creare le loro opere. Pezzi pubblicitari, immagini di celebrità, loghi e fumetti sono alcune di queste ispirazioni.
I membri della "pop art" sono riusciti ad attirare l'attenzione del grande pubblico ispirandosi agli elementi che in teoria non erano riconosciuti come arte, tenuto conto che il consumo era il segno attuale di questi volte. Grandi star del cinema, fumetti, automobili moderne, gadget elettronici o prodotti in scatola sono stati decostruiti in modo che le impressioni e le idee di questi artisti segnalassero il potere di riproduzione e l'effimero di ciò che è offerto dall'epoca industriale.
Tra gli altri rappresentanti di questo movimento, possiamo evidenziare la figura di Andy Warhol, noto per le molteplici versioni multicolori di “Marilyn Monroe”, prodotte nel 1967. Un altro esempio di “pop art” è riconoscibile nell'opera “No Carro”, in cui Roy Lichenstein utilizza il linguaggio dei fumetti per esplorare situazioni urbane. Ancora oggi, molti artisti usano riferimenti "pop art" per progettare dipinti, sculture e altre installazioni.
di Rainer Sousa
Master in Storia