Lukisan adalah salah satu jenis seni yang paling tradisional dan bernilai di dunia. Melaluinya seniman-seniman hebat mengungkapkan ide dan perasaan, sehingga meninggalkan warisan yang tak ternilai.
Menurut pelukis Spanyol Pablo Picasso:
Lukisan tidak pernah prosa. Ini adalah puisi yang ditulis dengan sajak plastik.
Kami memilih 15 lukisan yang dibuat dengan cat minyak yang telah memasuki sejarah seni Barat. Karya-karya tersebut diabadikan sebagai simbol budaya, baik karena membawa inovasi artistik, pertanyaan politik, atau karena mewakili aspirasi dan perasaan umum umat manusia.
1. Mona Lisa oleh Leonardo Da Vinci
Papan Mona lisa - berjudul ITU Gioconda awalnya - adalah ciptaan Leonardo da Vinci, salah satu tokoh paling terkenal dari Renaisans Italia.
Di dalamnya, seorang wanita digambarkan dengan ekspresi wajah yang penuh teka-teki, menunjukkan senyum tipis yang sangat menarik yang mengundang kita untuk membayangkan apa yang mungkin menjadi pikiran dan perasaannya. Apakah Mona Lisa menunjukkan kepuasan, kepolosan atau kesombongan tertentu?
Banyak ahli teori dan kritikus seni mencoba mengungkap misteri ini dan beberapa produksi artistik telah dibuat terinspirasi oleh lukisan ini yang dapat dianggap sebagai salah satu mahakarya terbesar dalam sejarah seni barat.
2. Guernica oleh Pablo Picasso
Guernica adalah salah satu lukisan paling simbolis oleh pelukis Spanyol Pablo Picasso, seorang eksponen besar kubisme.
Dalam karya ini, ia menggambarkan kengerian Perang Saudara Spanyol, khususnya pengeboman kota Guernica di Basque pada 26 April 1937.
Kanvas besar ini menjadi simbol dalam perang melawan semua jenis perang dan merevolusi lukisan sejarah, karena memperlakukan penderitaan dengan cara yang tak lekang oleh waktu.
3. Ciuman Gustav Klimt
Kanvas, dilukis oleh orang Austria Gustav Klimt pada tahun 1907, itu adalah karya terkenal dalam sejarah seni. Lukisan ini telah direproduksi dan dicap pada objek tanpa henti, mewakili ikon budaya Barat.
Karya tersebut merupakan bagian dari apa yang disebut "fase emas" dalam produksi artistik Klimt, ketika ia menyalahgunakan elemen berkilau yang mengacu pada batu mulia dan bahkan daun emas dalam komposisinya.
Di Ciuman, pasangan digambarkan (yang akan menjadi artis sendiri dan istrinya), dalam posisi terjalin, menunjukkan kasih sayang dan kehangatan.
Namun, dengan melihat lebih dekat, juga mungkin untuk mengamati bahwa pria membungkuk di atas kekasih, menjadi sosok aktif dalam pelukan ini, dan wanita, berlutut, akan menjadi tanda penyerahan wanita.
4. Jeritan Edvard Munch
Jeritan adalah lukisan paling terkenal karya Edvard Munch, seorang pelukis Norwegia. Karya ini telah direproduksi dari waktu ke waktu, termasuk oleh seniman lain seperti Andy Warhol.
Keberhasilannya mungkin karena Munch mampu menggambarkan dengan sangat sukses perasaan sedih dan kesepian yang dialami orang-orang.
Dengan warna, bentuk, dan garis, pelukis membangun simbol keputusasaan manusia dalam komposisi ini, yang juga menjadi ikon gerakan avant-garde ekspresionis.
5. Jackson Pollock No.5
Pada tahun 1948, pada periode pasca-perang, Jackson Pollock Amerika memproduksi kanvas berjudul nomor 5.
Seniman adalah salah satu pelopor ekspresionisme abstrak, sebuah gerakan artistik yang muncul pada tahun 40-an di AS.
Karya ini dibuat dengan menggunakan teknik menetes (menetes), banyak dieksplorasi oleh pelukis. Metodenya terdiri dari menuangkan cat cair pada kanvas besar yang direntangkan di lantai. Dengan cara ini, pelukis melakukan gerakan tubuh yang luas, hampir seolah-olah dia "memasuki" karya pada saat penciptaan.
Pada Mei 2006, lukisan itu dijual dengan harga mengejutkan $140 juta, harga tertinggi yang dibayarkan untuk sebuah lukisan hingga 2011.
6. Gadis-gadis Diego Velázquez
Awalnya berjudul Keluarga Philip IV, papan Gadis-gadis, dilukis pada tahun 1656 oleh seniman Diego Velázquez. Karya ini mewakili masa keemasan sang pelukis, lahir di kota Seville, Spanyol.
Lukisan itu menggambarkan adegan pengadilan abad ke-17 yang mungkin terjadi setiap hari. Tampak sederhana, kanvas membawa serangkaian elemen untuk "ditemukan" oleh pemirsa, yang menjadikannya salah satu karya paling mendalam dalam sejarah seni rupa.
Dalam lukisan tersebut, pelukis menggambarkan dirinya sedang mengerjakan kanvas yang ditugaskan oleh raja Filipe IV dan Mariana, yang tampak terpantul di cermin di belakang ruangan. Fitur ini juga memberi kita perasaan bahwa mereka akan menjadi penonton dari karya itu sendiri.
7. Pemakan Kentang Vincent Van Gogh
Karya ini diproduksi pada tahun 1885 oleh Vincent Van Gogh, pelukis Belanda pasca-impresionisme dan ekspresionisme. Banyak diakui hari ini, Van Gogh adalah seorang seniman soliter dan memiliki sedikit pengakuan dalam hidupnya.
Lukisan tersebut menggambarkan keluarga petani yang sedang makan di rumah sederhana mereka, diterangi oleh lampu redup. Ini adalah karya pelukis yang terkenal dan menunjukkan evolusi teknis lukisannya, mencetak karakteristik ekspresionis yang akan menjadi ciri khasnya.
Selain itu, ia menunjukkan minat yang besar dalam masalah sosial dan kemanusiaan. Menurut artis itu sendiri:
Saya ingin secara sadar mendedikasikan diri saya untuk mengungkapkan gagasan bahwa orang-orang ini yang, dalam terang ini, makan kentang dengan tangan mereka, juga bekerja di ladang. Oleh karena itu, gambar saya memuji kerja kasar dan makanan yang mereka peroleh dengan jujur.
8. Kegigihan Memori Salvador Dalí
Salvador Dali adalah seorang pelukis Catalan yang merupakan bagian dari surealisme di Eropa. Salah satu lukisannya yang paling terkenal adalah ITUKegigihan Memori.
Dalam karya ini, Dalí mewakili perjalanan waktu melalui sosok mengganggu dari jam meleleh di lanskap gersang, tubuh tak berbentuk, semut dan lalat.
Di latar belakang juga dimungkinkan untuk melihat keberadaan tebing dan laut, pemandangan yang mengacu pada tempat asalnya, Catalonia.
Karya ini telah ditemukan sejak tahun 1934 di Museum of Modern Art di New York, Amerika Serikat.
9. Kesan, Matahari Terbit oleh Claude Monet
Claude Monet, seorang pelukis impresionisme penting, gerakan artistik avant-garde Eropa, menyusun karya ini pada tahun 1872.
Komposisi ini menjadi tonggak penting dalam seni lukis, karena menunjukkan cara baru dalam menyikat dengan merekam momen ketika matahari melintasi kabut di Teluk Le Havre, di Normandia.
Bisa dibilang inovasi yang hadir dalam karya ini merevolusi seni lukis.
Reaksi pers saat itu menentang gaya baru dan menganggap kanvas ini sebagai karya yang "belum selesai". Pameran di mana dia ditampilkan secara merendahkan disebut "pameran impresionis" dan terpilih Mencetak, Matahari Terbit sebagai sasaran kritik terbesar. Karena episode ini, aliran impresionis dinamai demikian.
10. Eksekusi 3 Mei Francisco de Goya
Eksekusi Tiga Mei, Tiga Mei 1808 di Madrid atau Eksekusi Gunung Príncipe Pío, adalah lukisan karya pelukis Spanyol Francisco de Goya.
Dalam lukisan ini, Francisco de Goya menampilkan potret mengesankan dari genosida yang terjadi di Madrid, pada tahun 1808. Peristiwa ini merupakan konsekuensi dari apa yang disebut Perang Semenanjung (1807-1814), ketika Napoleon Bonaparte menginvasi Spanyol.
Sehari sebelum pembantaian yang mengerikan ini, beberapa dari Madrid bentrok dengan pasukan Napoleon. Hanya memegang senjata jarak dekat, mereka menghadapi kavaleri musuh dan ditekan dengan keras.
Episode ini juga digambarkan oleh Goya dalam karya 2 Mei di Madrid dan berduet dengan Penembakan 3 Mei.
Sebagai teguran terhadap "keberanian" warga sipil, pembantaian yang berujung pada kematian tak terhitung banyaknya orang tak berdosa itu dilakukan. Goya, yang tinggal sangat dekat dengan tempat itu, menyaksikan episode seperti itu dan bertahun-tahun kemudian menyusun kanvas ini, yang akan menjadi tonggak sejarah seni dan penolakan terhadap kengerian perang - mempengaruhi seniman lain seperti Picasso dalam produksi Anda Guernika.
Ketika ditanya mengapa dia melukis kekejaman ini, Goya menjawab:
Untuk bersenang-senang memberitahu pria selamanya untuk tidak menjadi orang barbar.
11. Gadis Muda dengan Anting Mutiara oleh Johannes Vermeer
Papan Gadis dengan Anting Mutiara itu dianggap "Monalisa Belanda" karena juga memamerkan sosok wanita yang diselimuti suasana misterius.
Johannes Vermeer, seorang seniman Belanda, diyakini telah menghasilkan potret ini pada tahun 1665 - kanvasnya belum diberi tanggal. Di dalamnya, kami mengamati seorang gadis yang melihat ke arah kami dengan suasana tenang dan suci, membawa kilau ke bibirnya yang terbuka.
Dugaan lain adalah tentang perhiasan di kepala wanita muda itu. Saat itu sorban tidak lagi digunakan, sehingga berspekulasi bahwa Vermeer terinspirasi oleh karya lain, anak laki-laki dengan sorban, dilukis oleh Michael Sweerts pada tahun 1655.
Ini adalah karya pelukis yang paling terkenal dan menginspirasi produksi sebuah buku dan film, keduanya dengan nama yang sama dengan lukisan itu.
12. Makan Siang Tukang Perahu oleh Pierre-Auguste Renoir
Pada tahun 1881, Pierre-Auguste Renoir selesai mengecat bingkai Makan Siang Para Pelaut, eksponen penting dari gerakan impresionis.
Dalam karya tersebut, pelukis mengelaborasi adegan bahagia dan santai dengan menampilkan pertemuan antara teman-teman yang dicuci dengan banyak makanan dan pemandangan sungai Seine yang indah. Semua orang yang digambarkan adalah teman dekat Renoir dan salah satu wanita yang muncul di layar menjadi istrinya bertahun-tahun kemudian.
Tren artistik ini berkaitan dengan menangkap pencahayaan alami dan pemandangan spontan melalui fiksasi momen. Kita dapat mengatakan bahwa Impresionisme adalah gerakan avant-garde yang mendorong apa yang disebut seni modern.
13. Rumah Sakit Henry Ford (Tempat Tidur Terbang) oleh Frida Kahlo
Frida Kahlo adalah seorang seniman Meksiko penting yang hidup di paruh pertama abad ke-20.
Lukisannya, hampir selalu otobiografi, menggambarkan rasa sakitnya, cintanya yang besar (juga pelukis Diego Rivera), kebanggaannya sebagai seorang wanita dan untuk asal-usul Amerika Latinnya.
Karya Frida sarat dengan simbolisme dan elemen yang menggoda surealisme, meski sang pelukis menyangkal menjadi bagian dari gerakan semacam itu dan lebih dekat dengan jenis seni konfesional. Dia menyatakan:
Saya tidak pernah melukis mimpi atau mimpi buruk. Saya melukis realitas saya sendiri.
Dalam karya yang kemudian dikenal sebagai Tempat Tidur Terbang, artis menggambarkan episode menyakitkan dalam hidupnya, ketika dia kehilangan seorang anak yang sedang menunggu Diego.
Frida mengalami beberapa kali keguguran berturut-turut, karena dia tidak dapat mempertahankan kehamilannya karena masalah dengan diperoleh sebagai seorang anak - ia tertular polio - dan pada masa remaja, ketika ia mengalami kecelakaan serius. melatih.
Beberapa tahun yang lalu Frida "ditemukan" oleh kebanyakan orang dan telah dianggap sebagai ikon seni dan bahkan budaya pop dan gerakan feminis.
14. Para Emigran dari Cândido Portinari
orang-orang yang mundur itu karya pelukis Candido Portinari, lahir di pedalaman São Paulo, di kota Brodowski.
Kanvas tersebut dibuat pada tahun 1944 dan menggambarkan sebuah keluarga migran, orang-orang yang berpindah dari wilayah Timur Laut ke tempat lain dengan harapan dapat lepas dari kekeringan, kemiskinan, dan kematian bayi.
Cara seniman menampilkan tubuh ekspresi yang kurus, lelah dan kesakitan di lanskap yang gersang dan abu-abu sangat mengesankan.
Ada burung nasar terbang di atas orang-orang, seolah menunggu kematian mereka. Anak-anak digambarkan kurang gizi dan sakit - perhatikan anak laki-laki di sisi kanan yang memiliki perut yang tidak proporsional dengan tubuh, tanda perut berair.
Kita dapat membuat paralel antara karya ini dan karya sastra Vidas Secas, yang diproduksi bertahun-tahun sebelumnya, pada tahun 1938, oleh penulis Graciliano Ramos dan yang membahas tema yang sama.
Portinari adalah seniman hebat yang, antara lain, menghargai orang-orang Brasil dan mencela masalah sosial negara itu.
15. Abaporu dari Tarsila do Amaral
abaporu adalah produksi oleh seniman Tarsila do Amaral, seorang tokoh terkemuka dalam gerakan modernis Brasil.
Nama karya tersebut berasal dari penduduk asli dan, menurut senimannya, berarti "antropofag" - yang sama dengan kanibal. Sebagai hasil dari karya inilah Oswald de Andrade, suami Tarsila dan juga seorang seniman, mendefinisikan dasar-dasar teori antropofagik untuk seni modern di Brasil.
Teori semacam itu mengusulkan agar seniman Brasil minum dari sumber gerakan avant-garde Eropa tetapi mengembangkan produksi dengan karakteristik nasional. Ungkapan terkenal yang mendefinisikan periode adalah:
Hanya antropofag yang menyatukan kita.
Abaporu membawa nilai pekerjaan manual, dengan menonjolkan tangan dan kaki. Warna-warna yang kuat, kaktus dan matahari juga mengacu pada iklim dan lanskap tropis.
Baca juga: Karya modernis oleh Tarsila do Amaral
