Les œuvres de Frida Kahlo suscitent la curiosité et l'admiration de nombreuses personnes. De nombreux thèmes représentés sur les toiles de l'artiste mexicaine sont liés à sa vie personnelle.
Elle était considérée comme une artiste surréaliste, participant même à une exposition de ce courant artistique. Cependant, il ne se considérait pas comme surréaliste, car il disait que «Je n'ai pas peint des rêves mais la réalité".
Le fait est que les peintures de Frida apportent généralement une atmosphère stimulante, mystérieuse et inhabituelle. Elle a réussi à transmettre dans son art beaucoup de ses sentiments et de ses angoisses d'une manière fantastique.
Par conséquent, nous avons sélectionné quelques œuvres de Frida Kahlo afin que vous puissiez en savoir plus sur cet important artiste latino-américain. Vérifier!
1. Quelques piquetitos (Quelques petites coupures)
Cette toile saisissante a été réalisée en 1935. À l'époque, Frida Kahlo avait lu un article de journal rapportant qu'un homme avait poignardé sa partenaire à mort. Interrogé sur le crime, l'homme a répondu qu'il s'agissait de « quelques petites coupures ».
Frida a alors décidé de représenter la scène dans une œuvre d'art très dérangeante. L'artiste y montre le corps nu, ensanglanté et sans vie d'une femme dans un lit. Son mari est à côté d'elle tenant un couteau avec un léger sourire sur son visage.
Il y a des traces de sang partout dans la pièce, dont une sorte de cadre peint sur la toile. Au-dessus, il y a aussi deux oiseaux qui tiennent une bannière qui dit: Un nombre de piquettes.
On peut voir dans cette œuvre l'importance que l'art a aussi dans les affaires sociales et quotidiennes.
L'artiste s'est servie de son travail pour prendre position et dénoncer les nombreux cas de meurtres de femmes, que l'on a longtemps qualifiés de « crime passionnel ».
Ce type de crime, que les hommes commettent contre les femmes par sentiment de « possession », est actuellement appelé fémicide.
Le tableau a des dimensions de 30 x 40 cm et fait partie de la collection du Musée Dolores Olmedo, au Mexique.
2. Ma naissance (Ma naissance)
Cette photo date de 1932. Dans ce document, Frida décrit ce qu'aurait été sa naissance, ou comme elle l'a dit "comment j'ai imaginé que je suis né".
Dans la scène, on voit la mère de l'artiste dans son travail; elle est recouverte jusqu'à la taille d'un drap blanc, comme si elle était morte.
Sur le visage de l'enfant, on remarque déjà l'expression saisissante de Frida, qui sort presque toute seule de son ventre.
La mère du peintre, Matilde Gonzalez y Calderón, avait la religiosité comme point fondamental de sa vie, qui est représentée par une peinture au-dessus du lit montrant l'image de la Vierge des Lamentations.
Après sa naissance, on sait que la mère de Frida a souffert de dépression post-partum et, peu de temps après, est redevenue enceinte.
Cet ouvrage nous amène donc plusieurs questions sur la vie et la mort, la renaissance, la souffrance et la solitude.
La toile, mesurant 30 x 53 cm, fait partie d'une collection privée.
3. El venado hereido (Le cerf blessé)
Réalisée en 1946, il s'agit d'une œuvre dans laquelle Frida expulse une partie de sa douleur physique et émotionnelle. Une telle souffrance est due à sa santé défaillante et à son mariage compliqué avec son collègue peintre Diego Rivera.
Dans cet autoportrait, le peintre apparaît dans une figure zoomorphe, c'est-à-dire mi-animale, mi-humaine.
Le cerf était l'animal choisi, peut-être parce que c'est une créature douce, gracieuse et en même temps vulnérable. L'artiste était également très proche des animaux et, tout au long de sa vie, s'est occupée de plusieurs d'entre eux, dont un chevreuil.
Dans la scène, le corps de l'animal est percé de neuf flèches, mais les traits de Frida expriment persévérance et arrogance. C'est comme aller de l'avant même face aux adversités de la vie.
Le corps fléché fait également référence à saint Sébastien, un homme qui a consacré sa vie à la foi chrétienne dans les premiers siècles du christianisme, à une époque où la religion était encore persécutée. Sebastian a été attaché à un arbre et grièvement blessé par des flèches.
La toile a une taille de 30 x 22 cm et a été offerte par Frida à des amis proches comme cadeau de mariage.
4. Mi nana y yo (Ma nana et moi)
Dans Ma nana et toi, réalisé en 1937, Frida dépeint une partie importante de son enfance.
Lorsque Frida est venue au monde, sa mère est rapidement tombée à nouveau enceinte, ce qui a entraîné la naissance de sa sœur Cristina, alors que l'artiste n'avait que 11 mois.
Pour cette raison, Frida a dû être allaitée par une nourrice qui, dans ce cas, était une femme autochtone.
Dans le tableau, Frida apparaît avec un corps de bébé et une tête d'adulte; sa maîtresse est représentée comme une grande femme à la peau foncée qui la nourrit avec ses seins pleins. À la place du visage de la femme, il y a un masque précolombien, qui porte un poids historique énorme, en plus de suggérer la distance émotionnelle entre eux.
Sur le sein droit, là où l'artiste allaite, il y a une représentation de ce que seraient les glandes mammaires; dans le sein gauche, une goutte de lait coule.
Notez que, dans la scène, il y a une pluie avec d'épaisses gouttes blanches, comme celle du lait qui nourrit Frida. Cette pluie irrigue la végétation derrière les personnages et donne naissance à une grande feuille blanche.
La composition mesure 30,5 x 36,83 cm et fait partie de la collection Dolores Olmedo, située à Mexico.
5. El sueño, la La Cama (Le rêve, ou Le lit)
Dans cette œuvre, à partir de 1940, l'univers onirique se confond avec l'idée de la mort. Ici, Frida se représente dormant dans un lit à baldaquin, le même modèle dans lequel elle dormait tous les jours.
L'artiste est allongée tandis qu'une plante grimpante enlace son corps, symbole de vie. Cependant, au-dessus du lit, un énorme squelette est également allongé dans la même position. Le squelette rappelle que la vie est éphémère et que la mort survient invariablement.
L'environnement où le lit est inséré est diffus, sans contours, et le lit semble flotter. Cela suggère une autre dimension, voire que la scène se déroule dans les nuages.
L'œuvre peut aussi être directement liée à l'expression en latin Somnus est frater mortis, ce qui signifie "Le sommeil est le frère de la mort".
Il est important de souligner qu'au Mexique, la figure squelettique et le concept de la mort font partie de la culture et sont vénérés lors de la soi-disant "Jour des morts", qui a lieu chaque année le 2 janvier.
C'est peut-être pour ça que Frida justifie cet écran en disant que c'est un "rappel amusant de la mortalité", à laquelle nous sommes tous soumis.
L'œuvre mesure 74 x 98 cm et appartient à une collection privée.
6. La columna rota (La colonne brisée)
Il s'agit d'une œuvre très autobiographique, comme la plupart de ses toiles.
Ici, elle dépeint toute sa souffrance à la suite d'une opération chirurgicale qu'elle a subie à la colonne vertébrale, à la suite d'un grave accident qu'elle a subi à l'âge de 18 ans.
A l'écran, on voit Frida avec son torse nu et une ouverture montrant une colonne grecque au centre de son corps. La colonne est toute brisée et soutient la tête du peintre. Il y a aussi une sorte de corset attachant son corps - l'artiste a en fait porté plusieurs de ces gilets médicaux au cours de sa vie.
Son corps est couvert de nombreux clous, symbolisant des points douloureux. L'expression du visage montre la fermeté et la résilience, cependant, les larmes épaisses dépeintes révèlent une douleur physique et émotionnelle intense.
A noter que l'artiste s'insère dans un paysage aride, ce qui donne un ton encore plus douloureux à la toile.
La composition mesure 39,8 x 30,7 cm et appartient à la collection Dolores Olmedo, au Mexique.
7. Lo que el agua medio (ce que l'eau m'a donné)
Dans cet autoportrait de 1939, Frida Kahlo peint ses pieds dans une baignoire. De l'eau du bain émergent des figures, des scènes et des situations qui faisaient partie de la vie de l'artiste, comme une sorte de synthèse de son existence.
L'ouvrage s'inspire d'un autre ouvrage, intitulé Mes grands-parents, mes parents et moi, dans laquelle Frida dépeint ses ancêtres sous la forme d'un arbre généalogique. La figure de ses parents se répète sur les deux écrans.
D'autres éléments sont dépeints, certains évoquant la souffrance que Frida a subie pendant de nombreux moments, sa bisexualité, son idée de la mort, entre autres.
Cette toile a été considérée comme surréaliste par André Breton (l'un des créateurs du mouvement surréaliste en France), lorsqu'il était au Mexique et a vu l'œuvre. À l'époque, Frida a été surprise et a déclaré qu'elle ne savait pas qu'elle était surréaliste, jusqu'à ce qu'elle soit classée comme telle.
Le travail a été offert par Frida au photographe Nickolas Muray, qui était son amant, en paiement d'une dette.
Il s'agit d'une production aux dimensions de 91 x 70 cm et appartient aujourd'hui à la collection de Daniel Filipacchi.
Qui était Frida Kahlo ?
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, Frida, est née en 1907 dans le village de Coyoacán, près de Mexico. Son père était un photographe allemand et sa mère était mexicaine.
La vie de l'artiste a été marquée par plusieurs épisodes tragiques. À l'âge de 6 ans, il est tombé malade et a contracté la polio.
Puis, à l'âge de 18 ans, elle est victime d'un grave accident de tramway, alors qu'elle est alitée pendant une longue période et dès lors se met à peindre.
En 1928, il adhère au Parti communiste mexicain et y rencontre le peintre muraliste Diego Rivera, dont il tombe amoureux et entame une longue histoire conjugale.
Frida s'est consacrée à la peinture toute sa vie et, en plus de produire de l'art, elle a également enseigné à Mexico à l'École nationale de peinture et de sculpture "La Esmeralda" (La Esmeralda).
Le 13 juillet 1954, à 47 ans, Frida meurt d'une pneumonie.
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