Les mouvements artistiques les plus marquants du XXe siècle sont: l'expressionnisme, le fauvisme, le cubisme, l'abstractionnisme, le dadaïsme, le surréalisme, l'op art et le pop art, ce dernier étant la transition vers l'art contemporain.
Les mouvements artistiques sont des courants artistiques dans lesquels un groupe d'artistes partagent les mêmes idées, à la fois esthétiquement et idéologiquement, et s'unissent avec des objectifs communs. De manière générale, ils ont une durée qui peut varier de quelques mois à plusieurs décennies.
1. Expressionnisme
L'expressionnisme porte ce nom en Allemagne entre 1905 et 1906, avec Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Erich Heckel (1883-1970) et Karl Schimidt-Rottluff (1884-1976). Ils ont créé le groupe Die Brücke, qui se traduit par « The Bridge ».
L'idée principale dans cet aspect était mettre en évidence des sentiments contradictoires et difficiles comme la douleur, l'angoisse, la violence et la dépression, qui ont entouré la période. Pour cela, ils ont utilisé des couleurs intenses et des formes humaines déformées, s'approchant de la caricature, mais dans ce cas sans le contenu humoristique.
Le mouvement était encore un réaction à l'impressionnisme, qui cherchait à travailler la luminosité dans des scènes bucoliques, dans lesquelles les personnages ne présentaient pas une grande charge émotionnelle.
Les artistes pionniers de l'expressionnisme sont Vincent van Gogh (1853-1890) et Edvard Munch (1863-1944), qui du 19ème siècle déjà travaillé le thème de la souffrance humaine sur leurs toiles en utilisant des couleurs intenses et une forte charge spectaculaire.
2. Fauvisme
Le fauvisme était un mouvement dont les principales caractéristiques étaient l'utilisation de couleurs pures, souvent utilisés tels qu'ils sont sortis des tubes de peinture; en plus des combinaisons de couleurs spontanées, sans aucun engagement envers la réalité.
Les fauvistes représentaient aussi les choses et les gens de manière simple, en réduisant les formes et en chiffres faisant allusion.
Le nom donné au groupe fait suite à une exposition organisée au Salon d'Automne, à Paris, au début du siècle, en 1905.
Les critiques d'art qui se rendaient à une telle exposition étaient confrontés à des toiles pleines de couleurs intenses et qui apportaient une certaine audace. Ainsi, ils ne comprenaient pas les buts des artistes et faisaient des critiques sévères, appelant les jeunes peintres de les fauves, qui en portugais se traduit par «Les bêtes» ou « les barbares ».
Le plus grand représentant de ce mouvement fut Henri Matisse (1869-1954), mais il y eut d'autres fauvistes comme André Derain (1880-1954), Maurice Vlaminck (1876-1958) et Othon Friesz (1879-1949).
Il est à noter que ces artistes ont grandement contribué à l'utilisation de couleurs pures et de formes simples dans le design.
3. Cubisme
Le cubisme était un mouvement dans lequel le plus grand intérêt était de dépeindre le la réalité de manière fragmentée, c'est-à-dire séparer des parties d'une image et composer à nouveau.
L'intention était de présenter une scène montrant tous les angles, comme si la forme était «ouverte» sur la surface de la toile.
De toute évidence, les images résultantes n'avaient aucune fidélité au monde réel et finissaient par présenter de nombreuses formes géométriques telles que des cubes et des cylindres, d'où le nom de «cubisme».
Les créateurs de ce courant sont Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963), Picasso étant le premier à créer une composition cubiste, la peinture Les Demoiselles d'Avignon, en 1907.
Les deux ont développé le style en deux courants, le cubisme analytique, qui a travaillé avec des couleurs neutres et sombres afin de mettre en évidence des formes déconstruites; et le cubisme synthétique, quand on décide de revenir à la représentation de figures plus facilement reconnaissables.
4. l'abstractionnisme ou l'art abstrait
Dans l'art abstrait, ou l'abstractionnisme, les artistes se libérer de l'engagement à la figuration, c'est-à-dire qu'ils commencent à créer des images où il n'y a aucune représentation d'une figure reconnaissable.
Le premier peintre considéré comme abstrait fut Vassily Kandinsky (1866-1944), un Russe passionné de musique et qui décida de s'en inspirer pour ses toiles.
Son but était de transmettre « l'atmosphère musicale », mettant le spectateur en contact avec des formes, des couleurs et des lignes.
D'autres artistes éminents du mouvement sont Vladimir Tatline (1885-1956), responsable du constructivisme; Piet Mondrian (1872-1974) avec son néoplasticisme et Kazimir Malevitch avec son suprématisme.
5. futurisme
Le futurisme a commencé par un manifeste littéraire. En 1909, l'écrivain italien Filippo Tommaso Marinetti élabore le Manifeste futuriste, dans lequel il expose les bases idéologiques du mouvement, basées principalement sur la révolution technologique, dans le vitesse et dynamisme.
C'était un courant artistique aligné sur les idées fascistes, très demandées à l'époque en Italie. A tel point que certains intellectuels futuristes ont rejoint le parti fasciste à un moment donné, ce qui a contribué au déclin du mouvement.
En 1910, les artistes plasticiens lancent un manifeste orienté vers les arts, signé par Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla et Gino Severini.
Les œuvres produites présentent des scènes qui exaltent les machines, la vitesse et le mouvement.
6. Dadaïsme
Le dadaïsme était un mouvement qui cherchait subvertir la logique de l'art comme un moyen de souligner les temps insensés qu'ils vivaient.
Le contexte est celui de la Première Guerre mondiale (1914-18) et certains intellectuels se réfugient en Suisse.
Ils y fondent le mouvement Dadá, nom choisi par le Hongrois Tristan Tzara lorsqu'il ouvrit au hasard un dictionnaire français et choisit le mot « dadá », qui signifie « petit cheval ».
Les dadaïstes ont cherché à transmettre tout le caractère irrationnel et absurde du moment, pour cela ils ont utilisé « l'automatisme psychique » comme une ressource, une manière de créer basée sur la spontanéité et le hasard.
D'autres caractéristiques frappantes de Dada sont ironie, désordre et critique au système actuel.
On cite comme artistes du mouvement Hugo Ball (1886-1927), Hans Arp (1886-1966) et Marcel Duchamp (1887-1968), ce dernier étant le plus reconnu.
7. Surréalisme
En 1924, à la suite du dadaïsme, le mouvement surréaliste émerge en France. L'idée du groupe était de transposer à l'écran images inconscientes, élaborant des scènes dépassant la réalité.
Les concepts psychanalytiques de Sigmund Freud émergent à l'époque et sont d'une grande inspiration pour les surréalistes.
Ils voulaient s'affranchir du rationalisme et laisser couler l'imaginaire, l'illogique et le symbolisme présents dans l'univers des rêves.
Des noms importants dans le secteur sont: Salvador Dalí (1904-1989), celui avec la plus grande reconnaissance, Marc CHAgall (1887-1985) et Joan Miró (1893-1983).
8. Op art
L'Op art est un mouvement qui a eu lieu dans les années 60. Son nom vient de l'anglais «optical art», qui signifie «art optique».
Les œuvres de ce volet visaient à créer des compositions abstraites et géométriques qui, selon l'angle sous lequel elles sont vues, créent illusions de tremblements et autres formes oscillantes.
L'exposition la plus importante de ce mouvement eut lieu à New York en 1965 et s'intitulait comme L'œil réactif, traduit par « The Responsive Eye », qui suggère que c'est le propre œil du spectateur qui réagit à l'œuvre, l'interprète et voit différentes compositions.
Les principaux artistes de l'op art étaient Victor Vasarely (1908-1997) et Alexander Calder (1898-1976).
9. pop Art
Le Pop art est le nom donné à un mouvement qui a eu lieu dans les années 60 aux USA, dans un premier temps. Plus tard, il s'est propagé à d'autres endroits.
L'idée du pop art était de créer un type d'art plus connecté à la vie quotidienne et pratique des gens. Pour cela, il a servi d'inspiration et de base créative au culture de masse, présent dans la bande dessinée, la publicité, le cinéma et la télévision.
Il y avait une intention critique dans le pop art, montrant comment la vie de chacun était immergée dans une culture industrielle, qui standardise les choses et même les gens, comme les célébrités. Cependant, le mouvement a fini par se nourrir de la culture même qu'il cherchait à critiquer.
Les principales caractéristiques de cette ligne étaient la production d'images en série, l'utilisation de la sérigraphie, la référence aux stars de cinéma et des couleurs intenses.
Il est à noter que ce mouvement a contribué à dynamiser une nouvelle phase du monde artistique, l'art contemporain.
Andy Warhol (1930-1987) était le plus grand représentant du pop art, il y avait aussi Roy Lichtenstein (1923-1997) et Richard Hamilton (1922-2011), qui se sont démarqués.
Contexte des mouvements artistiques modernes
Ce type de mobilisation artistique était le marque culturelle de la première moitié du 20e siècle, alors que le monde traversait de profondes transformations sociales et économiques, en plus de conflits intenses tels que les première et deuxième guerres.
Ainsi, les artistes, d'abord en Europe, se sont organisés collectivement pour réfléchir sur les événements, matérialisant leurs idées par l'art, dans ce qu'on a appelé Avant-gardes européennes.
Les premiers courants artistiques considérés comme des mouvements étaient l'impressionnisme et le post-impressionnisme, qui ont eu lieu au XIXe siècle. Ce sont eux qui ont jeté les bases de l'émergence des mouvements de la art moderne.
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Références bibliographiques
PROENCIA, Grâce. Histoire des arts. São Paulo: Ed. Ática, 2010.
GOMBRICH, Ernst Hans. L'histoire de l'art. 16. éd. Rio de Janeiro: LTC, 1999.
