O modernismo brasileño fue un período en el que los artistas estaban muy interesados en traer una renovación al arte del país.
Buscando inspiración en las vanguardias europeas, produjeron obras que dialogaron con la cultura nacional y rompieron los estándares estéticos vigentes hasta entonces.
Uno de los grandes nombres de la época fue Tarsila do Amaral, figura decisiva en la consolidación de esta corriente artística en Brasil.
A continuación, echa un vistazo a diez importantes obras modernistas de Tarsila que presentamos en orden cronológico.
1. El negro, 1923
En el trabajo el negro, Tarsila exhibe la figura de una mujer de rasgos bien definidos, manos y pies grandes y cabeza pequeña. Además, el artista explora elementos cubistas de fondo.
En esta obra, podemos ver la representación de la mujer negra como un ser que carga con una gran carga social, que se evidencia en su mirada melancólica y su pecho caído en exhibición.
El pecho que cuelga del cuerpo se refiere a la práctica de las nodrizas durante el período de la esclavitud, en la que las esclavas amamantaban y cuidaban a los hijos de las élites blancas.
El cuadro es un óleo sobre lienzo realizado en 1923 - un año después de la Semana del Arte Moderno - y mide 100 x 80 cm. Pertenece a la Colección del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo, en São Paulo.
2. La Cuca, 1924
la composición la cuca trae una figura presente en el folclore brasileño y en el imaginario de la población. Según la leyenda, se dice que la cuca era una bruja malvada con cuerpo de caimán que secuestraba a niños desobedientes.
Pintado en vibrantes colores tropicales, el lienzo recuerda a la infancia; exhibe algunos animales y una naturaleza viva. Pertenece a Fase modernista Pau-Brasil, que es anterior al movimiento antropofágico.
Se trata de una creación de 1924, mide 73 x 100 cm, fue realizada con pintura al óleo y se encuentra en el Museo de Grénoble, Francia.
3. São Paulo (Gazo), 1924
La obra São Paulo (Gazo) también forma parte de la fase Pau-Brasil de Tarsila, siendo uno de los hitos del período.
En esta fase, el artista explora los elementos urbanos y la modernización de las ciudades en contraste con los paisajes tropicales y la valorización de la fauna y la flora.
Según el historiador y artista Carlos Zilio:
En obras como ésta, Tarsila sitúa la percepción de Brasil desde la perspectiva abierta por la industrialización.
Este es un óleo sobre lienzo de 1924, de 50 x 60 cm de tamaño y pertenece a una colección privada.
4. Morro da Favela, 1924
Favela Hill pertenece al período Pau-Brasil. Representa una favela con casas, árboles y personas coloridas.
Es una obra de denuncia social, ya que en ese momento la población pobre se vio obligada a ceder espacio en grandes centros y trasladarse a zonas periféricas. Fue en este momento cuando hubo un gran aumento de los barrios marginales en el país.
A pesar de las críticas, Tarsila logra retratar esta realidad de manera liviana, sugiriendo armonía y una idealización del cerro como un lugar idílico. La composición data de 1924, mide 64 x 76 cm y pertenece a una colección privada.
5. Abaporu, 1928
Una de las obras más conocidas de Tarsila es sin duda Abaporu. El nombre es una combinación de palabras Tupi. pestaña (hombres), puerta (gente y ú (comer), por lo tanto significa hombre que come gente, o caníbal.
Fue concebido teniendo en cuenta la cultura brasileña y muestra a una persona sentada en una posición reflexiva. La figura presenta grandes distorsiones y se inserta en un paisaje típicamente brasileño, más específicamente en el Nordeste. Expone intensamente los colores de la bandera brasileña.
Este marco fue el impulso para una nueva etapa en el modernismo brasileño: el movimiento antropofágico.
Abaporu se produjo en 1928 en la técnica del óleo sobre lienzo y mide 85 x 72 cm. Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA).
6. Urutu (El huevo), 1928
La obra Urutu - también conocido como El huevo - está lleno de simbolismo. Presenta una serpiente, que es un animal muy temido y tiene la capacidad de tragar. También hay un huevo enorme, que significa el nacimiento de una idea, un nuevo proyecto.
Estos símbolos están directamente relacionados con el movimiento modernista que estaba naciendo en el país, especialmente con la fase antropofágica. Esta fase proponía "ingerir" las ideas de las vanguardias artísticas que tuvieron lugar en Europa y transformarlas en un nuevo arte preocupado por la cultura nacional.
El lienzo se realizó en 1928. Pintado al óleo, mide 60 x 72 cm y forma parte de la colección de la Colección Gilberto Chateaubriand, en el Museo de Arte Moderno (MAM), en Río de Janeiro.
7. La luna, 1928
En el tablero La luna, el artista presenta un paisaje nocturno con colores saturados y formas sinuosas. La luna y el cactus aparecen de forma muy estilizada.
La composición, realizada en 1928, pertenece a la fase antropofágica de Tarsila y mide 110 x 110 cm.
En 2019 fue adquirido por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) por un monto exorbitante de 20 millones de dólares (unos 74 millones de reales).
La famosa galería emitió una nota mostrando satisfacción por la adquisición y agradeció el trabajo del pintor diciendo:
Tarsila es una figura fundadora del arte moderno en Brasil y un protagonista central en los intercambios transatlánticos y culturales de este movimiento.
8. Antropofagia, 1929
En Antropofagia, Tarsila unió dos trabajos producidos anteriormente: el negro (1923) y abaporu (1928). En este lienzo, el artista fusiona las dos figuras, como si fueran mutuamente dependientes.
Aquí se presenta la imagen de la mujer negra con la cabeza disminuida, a juego con la cabeza de abaporu. Los seres se enredan como si fueran uno y se integran con la naturaleza.
Rafael Cardoso, historiador del arte, define la obra de la siguiente manera:
En Antropofagia, las cosas no cambian. Simplemente son; subsisten, con una terrible y sólida permanencia que los ancla al suelo.
El cuadro fue pintado en 1929, es un óleo sobre lienzo de 126 x 142 cm y pertenece a la Fundación José e Paulina Nemirovsky, en São Paulo.
9. Trabajadores, 1933
En los años 30, con la inmigración y el impulso capitalista, mucha gente aterrizó en centros metropolitanos - especialmente São Paulo, proveniente de diferentes partes de Brasil para satisfacer la necesidad de mano de obra barata que demandaban las fábricas.
En este momento, Tarsila comienza su última fase modernista, llamada Fase social, en el que explora temas de carácter colectivo y social. Aquí cuestiona las adversidades derivadas de la industrialización, la concentración de la riqueza en manos de unos pocos y la explotación a la que están sometidos muchos.
El pintor luego hace el lienzo Trabajadores, en el que muestra los rostros de diferentes personas, de diversas etnias, pero que comparten una expresión de agotamiento. En esta composición, la masa de personas aparece como un retrato de los obreros fabriles de la época.
Se trata de una obra de 1933, de 150 x 205 cm y ubicada en el Palácio Boa Vista, en Campos do Jordão.
10. Segunda clase, 1933
Hasta allá Segunda clase también pertenece a la fase social.
Aquí, Tarsila retrata a personas en una estación de tren. Al fondo, la figura de una mujer con un niño en brazos y un anciano. Fuera del automóvil, cuatro mujeres, tres hombres y cinco niños lucen cansados y desesperados.
La escena retrata una realidad muy común en el período, el éxodo rural, que es la migración del campo a la ciudad de individuos que parten en busca de mejores condiciones de vida y oportunidades.
Los colores elegidos en la composición son grises y ya no tienen la intensidad y la vida de las otras fases modernistas del pintor.
Se trata de una obra realizada mediante la técnica del óleo sobre lienzo, de 110 x 151 cm y que forma parte de una colección privada.
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¿Quién era Tarsila do Amaral?
Tarsila do Amaral nació el 1 de septiembre de 1886 en el interior de São Paulo, en la ciudad de Capivari. Estudió arte en Europa y tuvo contacto con grandes maestros que formaron parte de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX.
A mediados de la década de 1920, regresó a Brasil y comenzó a producir obras con temas brasileños. En ese momento, se casó con el artista y agitador cultural. Oswald de Andrade, con quien inicia un movimiento transformador del arte nacional, junto a otras personalidades.
Tarsila murió en 1973, a los 86 años, dejando atrás una producción artística de enorme relevancia para la historia del arte.
