habla sobre artistas de arte moderno significa hablar del mayor acontecimiento que marcó la historia del arte brasileño. Tal evento, conocido como el Semana de Arte Moderno, tuvo lugar en el Teatro Municipal de São Paulo, entre el 13 y el 18 de febrero de 1922.
A partir de esta fecha (1922), comenzamos a comprender los propósitos reales establecidos a través del hecho histórico. Después de todo, ¿por qué 1922? Esta es la fecha en la que Brasil conmemoró su primer centenario de independencia, aunque esa independencia no ha transformado los planos político, económico o cultural. Así, desde el período anterior a la Semana de 1922, conocida como Premodernismo, ha habido una reacción de parte de la clase artística en revelar un Brasil visto bajo el plano real, lejos del idealismo predicado por la época. romántico. Un Brasil de los marginados, que va desde el interior del noreste hasta los suburbios de Río. No es casualidad que Euclides da Cunha, Monteiro Lobato, entre otros, hayan podido expresar su descontento por los males que corrompían a la sociedad en ese momento - por un lado progreso industrial surgido de la expansión del capitalismo, por otro lado la masa de los excluidos, formada por la clase trabajadora que, cada vez más organizada, realizaba intensas huelgas.
En este ambiente de euforia, imbuido de la finalidad de hacer cambios, especialmente influenciado por los movimientos de vanguardia, los artistas expresaron sus posiciones ideológicas a través de sus creaciones, ya sea en pintura, música, escultura, literatura, entre otras formas de Arte. En este sentido, veamos los datos biográficos inherentes a algunos de ellos, comenzando por:
Di Cavalcanti
Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, hijo de Frederico Augusto Cavalcanti de Albuquerque y Rosalia de Sena,
nació en 1897, en Río de Janeiro, y murió en 1976 en esa misma ciudad. Su talento artístico comenzó en 1908, en São Cristóvão, un barrio de clase media al que se había mudado la familia.
Años más tarde, en 1914, inició su carrera caricaturista. En 1916 ingresa en la escuela Livre de Direito, se traslada a São Paulo y lleva consigo una carta de Olavo Bilac al periodista Nestor Rangel Pestana, crítico de arte de Estadão. Con eso, fue empleado como archivero del diario O Estado de São Paulo.
Di Cavalcanti fue uno de los creadores de la Semana de Arte Moderno, participando en la creación de catálogos y programas, además de exhibir doce pinturas. Entre su vasta obra, podemos mencionar:
Viaje de mi vida - El testamento de Alvorada (1955) y Reminiscencias líricas de un carioca perfecto (1964).
Ilustró numerosos libros, entre ellos: Carnaval, de Manuel Bandeira, 1919; Losango Cáqui, de Mario de Andrade, 1926; A Noite na Taverna e Macário, de Alvares de Azevedo, 1941; etc.
Realizó murales en Brasilia, Belo Horizonte, Río de Janeiro y São Paulo y editó álbumes impresos, como Lapa, xilografías, 1956; Cinco Serigrafias, 1969 y Sete Flores, con texto de Carlos Drummond de Andrade, 1969.
Ismael Nery
Ismael Nery nació en Belém do Pará en 1900 y murió en 1934 en la ciudad de Río de Janeiro. Este artista no defendió la idea de nacionalidad como los artistas de su tiempo; por el contrario, extendió su expresión artística en su sentido más amplio, entrelazando todas las corrientes de pensamiento. Su trayectoria como pintor no le ha valido el merecido reconocimiento por parte del público, ya que no vendió más de un centenar de cuadros, exhibidos solo en dos eventos. A diferencia de su producción como dibujante, que, según los expertos, fue mejor que su pintura.
La obra de este noble artista suele dividirse en tres vertientes: la expresionista, de 1922 a 1923; el cubista, de 1924 a 1927, bajo la fuerte influencia de Pablo Picasso; y el surrealista, demarcado de 1927 a 1934, su fase más importante y prometedora.
Lasar Segal
Lasar Segal nació el 21 de julio de 1891 en la ciudad de Vilna, capital de Lituania. Murió el 2 de agosto de 1957 en la ciudad de São Paulo, dejando atrás una vasta colección que enfatiza no solo la belleza, sino sobre todo la miseria que había presenciado a lo largo de su viaje. Para Segal, la pintura estática no le satisfacía, ya que era necesario realizar algunas distorsiones en ella para retratar la realidad, propósito que le llevó a acercarse al expresionismo. Luego de una breve estadía en Holanda, se fue a Brasil, donde organizó dos exposiciones: una en São Paulo y otra en Campinas.
Más que un pintor, también considerado un verdadero sociólogo, Lasar Segal estaba obsesionado con el ser humano y, a través de sus pinceles, retrató los problemas brasileños, revelados por escenas familiares, enfatizando el pobre interior de las casas, así como los rostros sufridos de sus población. Estas escenas retratan el conformismo de una sociedad considerada inmutable.
Por lo tanto, utilizó en sus obras no solo el óleo sobre lienzo, sino también los procesos de grabado que había aprendido en Rusia, como la litografía y la zincografía, que le dieron a su arte un carácter puramente versátil.
Golpeado por un ataque masivo, murió. Sin embargo, su vasta obra se mantuvo viva, a través de una colección de 2.500 obras, lugar donde funciona una Biblioteca organizada por su esposa, escritora y traductora.
Milton Dacosta
Milton Dacosta nació en 1915, en Niterói, en el estado de Río de Janeiro, y murió en 1988, en la ciudad de Río de Janeiro. A los 14 años conoció a Augusto Hantz, un profesor de alemán con el que tuvo sus primeras lecciones de dibujo, matricularse al año siguiente en la Escola de Belas Artes, asistiendo al curso gratuito impartido por Augusto José Marqués Junior.
En 1936, luego de realizar una muestra individual, Dacosta se sintió motivado a inscribirse en el Salón Nacional de Bellas Artes. Al exhibir su obra, recibió una mención honorífica, ganando medallas de bronce y plata. En 1944 recibió el codiciado premio por un viaje al extranjero, viajando en 1945 a Estados Unidos con la pintora Djanira, y de allí se fue a París, donde permaneció dos años.
La pintura de este artista, que fue evolucionando poco a poco, alcanzó grandes alturas. Primero, se identificó con el Impresionismo, pasando secuencialmente al Expresionismo, Cubismo, Concretismo, y luego volviendo nuevamente al Cubismo, por elección propia. En 1949 contrae matrimonio con la pintora María Leontina, cuya unión duró 37 años. Juntos participaron en Bienales, viajaron al extranjero para cursos de perfeccionamiento y juntos crecieron en la misión de hacer el mundo aún más hermoso a través de su trabajo.
Anita Malfatti
Anita Catarina Malfatti nació el 2 de diciembre de 1889 en São Paulo. Hija de Samuel Malfatti y Elisabete, fue pintora, dibujante y hablaba varios idiomas, lo que le dio una vasta capacidad cultural.
Al llegar a Berlín en septiembre de 1910, comenzó a tomar clases particulares en el estudio de Fritz Burger, y un año después se matriculó en la Real Academia de Bellas Artes. En 1916, regresa a Brasil, a los 27 años, dispuesta a expresar todo su arte, especialmente centrado en el expresionismo.
Así, a través de influencias de sus amigos modernistas, en particular de Di Cavalcanti, Anita decidió ubicar una de las dependencias de Mappin Stores y realizan una única presentación de su trabajo, el 12 de diciembre, 1917.
Lo que no sabía era que, irónicamente, el destino le tenía reservada una gran desgracia. Monteiro Lobato, a través de su artículo Paranoia o mistificación, criticó duramente el trabajo del artista. Tal intención no estaba dirigida a ella en particular, sino a los propios modernistas. El hecho la conmovió profundamente y la hizo llevar por el resto de su vida un sentimiento de total descontento con las cosas que la rodeaban. Su primer instinto fue abandonar el arte por completo, sin embargo comenzó a tomar clases con el maestro Pedro Alexandrino, hecho que les otorgó una provechosa y duradera amistad.
Motivada por amigos, decidió participar en la Semana de Arte Moderno de 1922 y, al año siguiente, viajó a París, armada con una beca, donde conoció a Tarsila do Amaral, Oswald de Andrade, Vitor Brecheret y Di Cavalcanti. Después de un tiempo regresó a suelo brasileño, con la confianza ya recuperada, sin embargo ya no estaba dispuesto a incursionar en nuevas “aventuras culturales”.
Anita murió el 6 de noviembre de 1964 en Diadema, estado de São Paulo, donde vivía con su hermana Georgina, en una finca.
Por Vânia Duarte
Licenciada en Letras
Fuente: Escuela Brasil - https://brasilescola.uol.com.br/literatura/artistas-da-arte-moderna.htm
