Η ζωγραφική είναι ένας από τους πιο παραδοσιακούς και αξιόλογους τύπους τέχνης στον κόσμο. Μέσα από αυτό οι μεγάλοι καλλιτέχνες εξέφρασαν ιδέες και συναισθήματα, αφήνοντας έτσι μια ανεκτίμητη κληρονομιά.
Σύμφωνα με τον Ισπανό ζωγράφο Πάμπλο Πικάσο:
Η ζωγραφική δεν είναι ποτέ πεζογραφία. Είναι ποίηση γραμμένη με πλαστικούς στίχους.
Επιλέξαμε 15 πίνακες από λαδομπογιά που έχουν εισέλθει στην ιστορία της δυτικής τέχνης. Τέτοια έργα διαιωνίζονται ως πολιτιστικά σύμβολα, είτε επειδή φέρνουν καλλιτεχνικές καινοτομίες, πολιτικά ζητήματα είτε επειδή αντιπροσωπεύουν κοινές προσδοκίες και συναισθήματα για την ανθρωπότητα.
1. Μόνα Λίζα από τον Λεονάρντο Ντα Βίντσι
Ο πίνακας Μόνα Λίζα - με τίτλο Ο Τζιοκόντα αρχικά - είναι μια δημιουργία του Λεονάρντο Ντα Βίντσι, μια από τις πιο γνωστές προσωπικότητες της Ιταλικής Αναγέννησης.
Σε αυτήν, μια γυναίκα απεικονίζεται με μια αινιγματική έκφραση του προσώπου, παρουσιάζοντας ένα πολύ ενδιαφέρον ελαφρύ χαμόγελο που μας καλεί να φανταστούμε ποιες είναι οι σκέψεις και τα συναισθήματά της. Η Μόνα Λίζα έδειχνε ικανοποίηση, αθωότητα ή κάποια αλαζονεία;
Πολλοί θεωρητικοί και κριτικοί τέχνης προσπάθησαν να αποκαλύψουν αυτό το μυστήριο και πολλές καλλιτεχνικές παραγωγές ήταν φτιαγμένο εμπνευσμένο από αυτόν τον πίνακα που μπορεί να θεωρηθεί ένα από τα μεγαλύτερα αριστουργήματα στην ιστορία της τέχνης δυτικός.
2. Γκέρνικα από τον Πάμπλο Πικάσο
Γκέρνικα είναι ένας από τους πιο εμβληματικούς πίνακες του ισπανού ζωγράφου Pablo Picasso, ενός μεγάλου εκθέτη του κυβισμού.
Σε αυτό το έργο, απεικονίζει τις φρίκες του Ισπανικού Εμφυλίου Πολέμου, ειδικά τον βομβαρδισμό της πόλης των Βάσκων της Γκέρνικα στις 26 Απριλίου 1937.
Αυτός ο μεγάλος καμβάς έγινε σύμβολο στην καταπολέμηση όλων των τύπων πολέμου και επανάσταση στην ιστορική ζωγραφική, καθώς αντιμετωπίζει τα δεινά με διαχρονικό τρόπο.
3. Το φιλί του Gustav Klimt
Ο καμβάς, ζωγραφισμένος από την Αυστριακή Gustav Klimt το 1907, είναι ένα διάσημο έργο στην ιστορία της τέχνης. Αυτός ο πίνακας έχει αναπαραχθεί και σφραγιστεί σε αντικείμενα ασταμάτητα, αντιπροσωπεύοντας μια εικόνα του δυτικού πολιτισμού.
Το έργο είναι μέρος της λεγόμενης «χρυσής φάσης» στην καλλιτεχνική παραγωγή του Klimt, όταν κακοποιεί αφρώδη στοιχεία που αναφέρονται σε πολύτιμους λίθους και ακόμη και φύλλα χρυσού στις συνθέσεις του.
Σε Το φιλί, ένα ζευγάρι απεικονίζεται (που θα ήταν ο ίδιος ο καλλιτέχνης και η σύζυγός του), σε μια συνυφασμένη θέση, υποδηλώνοντας αγάπη και ζεστασιά.
Ωστόσο, με πιο προσεκτική ματιά, είναι επίσης δυνατό να παρατηρήσουμε ότι ο άντρας σκύβει πάνω από τον αγαπημένο, που είναι η ενεργή φιγούρα σε αυτή την αγκαλιά, και η γυναίκα, γονατιστή, θα ήταν ένα σημάδι γυναικείας υποταγής.
4. Κραυγή του Edvard Munch
Η κραυγή είναι ο πιο διάσημος πίνακας του Νορβηγού ζωγράφου Edvard Munch. Αυτό το έργο έχει αναπαραχθεί με την πάροδο του χρόνου, συμπεριλαμβανομένων άλλων καλλιτεχνών όπως ο Andy Warhol.
Η επιτυχία του ήταν πιθανώς επειδή ο Munch μπόρεσε να απεικονίσει με μεγάλη επιτυχία το αίσθημα της αγωνίας και της μοναξιάς που υφίστανται οι άνθρωποι.
Με χρώματα, σχήματα και γραμμές, ο ζωγράφος έφτιαξε ένα σύμβολο ανθρώπινης απελπισίας σε αυτή τη σύνθεση, η οποία είναι επίσης ένα εικονίδιο του πρωτοποριακού κινήματος της πρωτοπορίας.
5. Τζάκσον Πόλοκ Νο. 5
Το 1948, στη μεταπολεμική περίοδο, ο Αμερικανός Τζάκσον Πόλοκ παρήγαγε τον καμβά με τίτλο Νο. 5.
Ο καλλιτέχνης ήταν ένας από τους προδρόμους του αφηρημένου εξπρεσιονισμού, ενός καλλιτεχνικού κινήματος που εμφανίστηκε στη δεκαετία του '40 στις ΗΠΑ.
Αυτή η εργασία έγινε χρησιμοποιώντας την τεχνική στάζει (στάγδην), εξερευνήθηκε πολύ από τον ζωγράφο. Η μέθοδος συνίσταται στην έκχυση υγρού χρώματος σε μεγάλους καμβάδες τεντωμένους στο πάτωμα. Με αυτόν τον τρόπο, ο ζωγράφος εκτελεί εκτεταμένες σωματικές κινήσεις, σχεδόν σαν να "μπήκε" στο έργο τη στιγμή της δημιουργίας.
Τον Μάιο του 2006, ο πίνακας πουλήθηκε με 140 εκατομμύρια δολάρια, η υψηλότερη τιμή που καταβλήθηκε για έναν πίνακα μέχρι το 2011.
6. Τα κορίτσια του Diego Velázquez
Αρχικά με τίτλο Η οικογένεια του Philip IV, ο πίνακας Τα κορίτσια, ζωγραφίστηκε το 1656 από τον καλλιτέχνη Diego Velázquez. Το έργο αυτό αντιπροσωπεύει τη χρυσή εποχή του ζωγράφου, που γεννήθηκε στην πόλη της Σεβίλλης της Ισπανίας.
Ο πίνακας απεικονίζει μια πιθανή καθημερινή σκηνή του 17ου αιώνα. Προφανώς απλός, ο καμβάς φέρνει μια σειρά στοιχείων για να "ανακαλυφθούν" από τον θεατή, γεγονός που το καθιστά ένα από τα πιο βαθιά έργα στην ιστορία της τέχνης.
Στον πίνακα, ο ζωγράφος απεικόνιζε τον εαυτό του να εργάζεται σε έναν καμβά που ανέθεσαν οι βασιλιάδες Φίλιππ IV και η Μαριάνα, που φαίνονται να αντανακλώνται σε έναν καθρέφτη στο πίσω μέρος του δωματίου. Αυτό το χαρακτηριστικό μας δίνει επίσης την αίσθηση ότι θα ήταν θεατές του ίδιου του έργου.
7. Τρώτες πατάτας του Βίνσεντ Βαν Γκογκ
Αυτή η εργασία δημιουργήθηκε το 1885 από Βίνσεντ Βαν Γκογκ, Ολλανδός ζωγράφος του μετα-ιμπρεσιονισμού και του εξπρεσιονισμού. Πολύ αναγνωρισμένος σήμερα, ο Van Gogh ήταν μοναχικός καλλιτέχνης και είχε πολύ λίγη αναγνώριση στη ζωή του.
Ο εν λόγω πίνακας απεικονίζει μια οικογένεια αγροτών που τρώει στο ταπεινό σπίτι τους, φωτισμένη από μια αμυδρό φωτιστικό. Είναι ένα πολύ γνωστό έργο του ζωγράφου και δείχνει τις τεχνικές εξελίξεις της ζωγραφικής του, αποτυπώνοντας εξπρεσιονιστικά χαρακτηριστικά που θα γίνονταν το σήμα κατατεθέν του.
Επιπλέον, δείχνει μεγάλο ενδιαφέρον για κοινωνικά και ανθρωπιστικά θέματα. Σύμφωνα με τον ίδιο τον καλλιτέχνη:
Ήθελα να αφοσιωθώ συνειδητά στον εαυτό μου για να εκφράσω την ιδέα ότι αυτοί οι άνθρωποι, με αυτό το φως, τρώνε τις πατάτες τους με τα χέρια τους, εργάστηκαν επίσης στη γη. Η εικόνα μου λοιπόν εκθέτει τη χειρωνακτική εργασία και το φαγητό που οι ίδιοι κέρδισαν με ειλικρίνεια.
8. Η εμμονή της μνήμης του Σαλβαδόρ Ντάλι
Σαλβαδόρ Νταλί ήταν καταλανός ζωγράφος που ήταν μέρος του σουρεαλισμού στην Ευρώπη. Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του είναι ΟΑνθεκτικότητα στη μνήμη.
Σε αυτό το έργο, ο Ντάλι αντιπροσωπεύει το πέρασμα του χρόνου μέσα από την ανησυχητική μορφή λιωμένων ρολογιών σε ένα άνυδρο τοπίο, ένα άμορφο σώμα, μυρμήγκια και μύγα.
Στο βάθος είναι επίσης δυνατό να παρατηρηθεί η παρουσία ενός γκρεμού και της θάλασσας, ενός τοπίου που αναφέρεται στον τόπο καταγωγής του, την Καταλονία.
Αυτό το έργο βρέθηκε από το 1934 στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη, στις Ηνωμένες Πολιτείες.
9. Impression, Rising Sun από τον Claude Monet
Claude Monet, ένας σημαντικός ζωγράφος του ιμπρεσιονισμού, ένα ευρωπαϊκό πρωτοποριακό καλλιτεχνικό κίνημα, συνέλαβε αυτό το έργο το 1872.
Η σύνθεση είναι ορόσημο στη ζωγραφική, καθώς παρουσιάζει έναν νέο τρόπο βουρτσίσματος καταγράφοντας τη στιγμή που ο ήλιος διασχίζει την ομίχλη στον κόλπο της Χάβρης, στη Νορμανδία.
Μπορεί να θεωρηθεί ότι η καινοτομία που υπάρχει σε αυτό το έργο έφερε επανάσταση στη ζωγραφική.
Η αντίδραση του Τύπου εκείνη την εποχή ήταν ενάντια στο νέο στυλ και θεώρησε ότι αυτός ο καμβάς ήταν "ημιτελής" δουλειά. Η έκθεση στην οποία παρουσιάστηκε ονομάστηκε εκδικητικά «έκθεση ιμπρεσιονιστών» και εκλέχθηκε Εκτύπωση, Ανατέλλοντας Ήλιος ως ο μεγαλύτερος στόχος κριτικής. Λόγω αυτού του επεισοδίου, το ρεύμα του ιμπρεσιονιστικού ονομάστηκε έτσι.
10. Οι εκτελέσεις του Francisco de Goya στις 3 Μαΐου
Οι εκτελέσεις των τριών Μαΐου, οι τρεις της Μαΐου του 1808 στη Μαδρίτη ή οι εκτελέσεις του βουνού του Πρίνσιπε Πίο, είναι ένας πίνακας του Ισπανού ζωγράφου Francisco de Goya.
Σε αυτόν τον πίνακα, ο Francisco de Goya παρουσιάζει ένα εντυπωσιακό πορτρέτο της γενοκτονίας που πραγματοποιήθηκε στη Μαδρίτη, το έτος 1808. Αυτό το γεγονός ήταν συνέπεια του λεγόμενου Χερσονήσου Πολέμου (1807-1814), όταν ο Ναπολέων Βοναπάρτης εισέβαλε στην Ισπανία.
Μια μέρα πριν από αυτήν την τρομερή σφαγή, ορισμένοι από τη Μαδρίτη συγκρούστηκαν με στρατεύματα του Ναπολέοντα. Διατηρώντας μόνο όπλα μάχης, αντιμετώπισαν το εχθρικό ιππικό και καταπιέστηκαν σκληρά.
Αυτό το επεισόδιο απεικονίστηκε επίσης από τον Goya στο έργο 2 Μαΐου στη Μαδρίτη και σχηματίστε ένα ντουέτο με Οι πυροβολισμοί της 3ης Μαΐου.
Ως επίπληξη στους «τολμηρούς» αμάχων, πραγματοποιήθηκε η σφαγή που κατέληξε στο θάνατο αμέτρητων αθώων. Ο Γκόγια, ο οποίος έζησε πολύ κοντά στο μέρος, είδε τέτοια επεισόδια και χρόνια αργότερα συνέλαβε αυτόν τον καμβά, ο οποίος θα γινόταν ορόσημο στην ιστορία της τέχνης και καταγγελία των φρικαλεών του πολέμου - επηρεάζοντας άλλους καλλιτέχνες όπως ο Πικάσο στην παραγωγή του δικού σας Γκέρνικα.
Όταν ρωτήθηκε γιατί ζωγράφισε αυτές τις φρικαλεότητες, ο Γκόγια απάντησε:
Να έχει τη χαρά να λέει στους άντρες για πάντα να μην είναι βάρβαροι.
11. Νεαρό κορίτσι με το μαργαριτάρι σκουλαρίκι από τον Johannes Vermeer
Ο πίνακας Κορίτσι με μαργαριτάρι σκουλαρίκι Θεωρείται «η Ολλανδική Μόνα Λίζα» καθώς εκθέτει επίσης μια γυναικεία φιγούρα τυλιγμένη σε μια μυστηριώδη ατμόσφαιρα.
Ο Johannes Vermeer, ένας Ολλανδός καλλιτέχνης, πιστεύεται ότι δημιούργησε αυτό το πορτρέτο το 1665 - ο καμβάς δεν έχει χρονολογηθεί. Σε αυτό, παρατηρούμε ένα κορίτσι που μας κοιτάζει πίσω με έναν γαλήνιο και αγνό αέρα, φέρνοντας μια λάμψη στα χωρισμένα χείλη της.
Μια άλλη εικασία αφορά το στολίδι στο κεφάλι της νεαρής γυναίκας. Εκείνη την εποχή δεν χρησιμοποιήθηκε πλέον ένα τουρμπάνι, οπότε εικάζεται ότι ο Vermeer εμπνεύστηκε από ένα άλλο έργο, αγόρι σε ένα τουρμπάνι, ζωγραφισμένο από τον Michael Sweerts το 1655.
Αυτό είναι το πιο γνωστό έργο του ζωγράφου και ενέπνευσε την παραγωγή ενός βιβλίου και μιας ταινίας, και τα δύο με το ίδιο όνομα με τον πίνακα.
12. Το μεσημεριανό γεύμα των Boatmen από τον Pierre-Auguste Renoir
Το 1881, Pierre-Auguste Renoir τελειώνει τη ζωγραφική του πλαισίου Το μεσημεριανό γεύμα των Boaters, σημαντικός εκφραστής του ιμπρεσιονιστικού κινήματος.
Στο έργο, ο ζωγράφος επεξεργάζεται μια χαρούμενη και χαλαρή σκηνή δείχνοντας μια συνάντηση μεταξύ φίλων που ξεπλένονται με πολύ φαγητό και μια υπέροχη θέα στον ποταμό Σηκουάνα. Όλοι οι άνθρωποι που απεικονίστηκαν ήταν στενοί φίλοι του Renoir και μία από τις γυναίκες που εμφανίστηκε στην οθόνη έγινε η γυναίκα του χρόνια αργότερα.
Αυτή η καλλιτεχνική τάση ασχολήθηκε με τη λήψη φυσικού φωτισμού και αυθόρμητων σκηνών μέσω του καθορισμού της στιγμής. Μπορούμε να πούμε ότι ο ιμπρεσιονισμός ήταν το πρωτοποριακό κίνημα που έδωσε ώθηση στη λεγόμενη σύγχρονη τέχνη.
13. Νοσοκομείο Henry Ford (Το Flying Bed) από τη Frida Kahlo
Φρίντα Κάλο ήταν ένας σημαντικός μεξικανός καλλιτέχνης που έζησε το πρώτο μισό του 20ού αιώνα.
Η ζωγραφική της, σχεδόν πάντα αυτοβιογραφική, απεικονίζει τον πόνο της, τη μεγάλη της αγάπη (επίσης ζωγράφος Diego Rivera), την υπερηφάνειά της που ήταν γυναίκα και για τη λατινοαμερικάνικη καταγωγή της.
Η παραγωγή του Frida είναι γεμάτη συμβολισμούς και στοιχεία που φλερτάρουν με τον σουρεαλισμό, αν και ο ζωγράφος αρνείται να συμμετέχει σε ένα τέτοιο κίνημα και να είναι πιο κοντά σε έναν τύπο εξομολογητικής τέχνης. Δηλώνει:
Ποτέ δεν ζωγραφίζω όνειρα ή εφιάλτες. Ζωγραφίζω τη δική μου πραγματικότητα.
Στο έργο που έγινε γνωστό ως Το Flying κρεβάτι, η καλλιτέχνης απεικονίζει ένα οδυνηρό επεισόδιο στη ζωή της, όταν χάνει ένα παιδί που περίμενε τον Ντιέγκο.
Η Frida υπέστη αρκετές διαδοχικές αποβολές, καθώς δεν μπόρεσε να διατηρήσει την εγκυμοσύνη λόγω προβλημάτων με αποκτήθηκε ως παιδί - προσβλήθηκε από πολιομυελίτιδα - και στην εφηβεία, όταν υπέστη σοβαρό ατύχημα. τρένο.
Πριν από λίγα χρόνια, η Frida «ανακαλύφθηκε» από τους περισσότερους ανθρώπους και θεωρήθηκε εικόνα της τέχνης, ακόμη και της ποπ κουλτούρας και του φεμινιστικού κινήματος.
14. Οι μετανάστες του Cândido Portinari
οι υποχωρητικοί είναι έργο του ζωγράφου Cândido Portinari, γεννημένος στο εσωτερικό του Σάο Πάολο, στην πόλη Brodowski.
Ο καμβάς δημιουργήθηκε το 1944 και απεικονίζει μια οικογένεια μεταναστών, ανθρώπους που μετακινούνται από τη βορειοανατολική περιοχή σε άλλα μέρη με την ελπίδα να ξεφύγουν από την ξηρασία, τη φτώχεια και τη βρεφική θνησιμότητα.
Ο τρόπος με τον οποίο ο καλλιτέχνης εμφανίζει τα λεπτά, εξαντλημένα και πικρά σώματα έκφρασης σε ένα άνυδρο και γκρι τοπίο είναι εντυπωσιακός.
Υπάρχουν γύπες που πετούν πάνω από ανθρώπους, σαν να περιμένουν το θάνατό τους. Τα παιδιά απεικονίζονται υποσιτισμένα και άρρωστα - σημειώστε το αγόρι στη δεξιά πλευρά που έχει μια κοιλιά που είναι δυσανάλογη προς το σώμα, ένα σημάδι μιας υδαρή κοιλιά.
Μπορούμε να κάνουμε έναν παραλληλισμό μεταξύ αυτού του έργου και του λογοτεχνικού έργου Vidas Secas, που παρήγαγε χρόνια πριν, το 1938, από τον συγγραφέα Graciliano Ramos και που ασχολείται με το ίδιο θέμα.
Το Portinari ήταν ένας σπουδαίος καλλιτέχνης που είχε, μεταξύ άλλων ανησυχιών, εκτιμήσει τον λαό της Βραζιλίας και καταγγέλλει τα κοινωνικά προβλήματα της χώρας.
15. Abaporu από Tarsila do Amaral
Αμπαπόρου είναι μια παραγωγή του καλλιτέχνη Tarsila do Amaral, μιας εξέχουσας προσωπικότητας του βραζιλιάνικου μοντερνιστικού κινήματος.
Το όνομα του έργου είναι αυτόχθονης προέλευσης και, σύμφωνα με τον καλλιτέχνη, σημαίνει "ανθρωπόφαση" - το οποίο είναι το ίδιο με τον κανίβαλο. Ως αποτέλεσμα αυτού του έργου ο Oswald de Andrade, σύζυγος της Tarsila και επίσης καλλιτέχνης, καθορίζει τις βάσεις της ανθρωποφαγικής θεωρίας για τη σύγχρονη τέχνη στη Βραζιλία.
Μια τέτοια θεωρία πρότεινε ότι οι Βραζιλιάνοι καλλιτέχνες πίνουν από την πηγή των ευρωπαϊκών πρωτοποριακών κινημάτων αλλά αναπτύσσουν μια παραγωγή με εθνικά χαρακτηριστικά. Μια διάσημη φράση που καθορίζει την περίοδο είναι:
Μόνο η ανθρωπόφαση μας ενώνει.
Το Abaporu φέρνει την αξία της χειροκίνητης εργασίας, με τα χέρια και τα πόδια να επισημαίνονται. Τα έντονα χρώματα, ο κάκτος και ο ήλιος παραπέμπουν επίσης στο τροπικό κλίμα και το τοπίο.
Διαβάστε επίσης: Μοντερνιστικά έργα της Tarsila do Amaral
