Der Kubismus war eine europäische künstlerische Avantgarde, die durch die Verwendung geometrischer Formen gekennzeichnet war. Dieser neue Stil, der zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Frankreich entstand, brach mit den ästhetischen Vorbildern, die nur die Perfektion der Formen schätzten.
Diese Bewegung kann als die erste angesehen werden, die sich durch die Einbeziehung industrieller Stadtbilder in ihre Werke auszeichnet. Es umfasste hauptsächlich die bildende Kunst und beeinflusste die Literatur.
Ursprung des Kubismus
Der Meilenstein für die Entstehung des Kubismus war 1907 mit der Leinwand Les Demoiselles d'Avignon (Die Ladies d'Avignon) des spanischen Malers Pablo Picasso.
Dieses Werk zeigt sichtbare Einflüsse afrikanischer Skulpturen und Gemälde des französischen Postimpressionisten Paul Cézanne.
Neben Picasso war auch der französische Maler und Bildhauer Georges Braque der Begründer der kubistischen Bewegung.
Hauptmerkmale des Kubismus
Mit Kubismus werden wir eine Behandlung haben geometrisch der Formen aus der Natur.
Somit werden sie durch Objekte in allen ihren Winkeln auf derselben Ebene dargestellt, was a dreidimensionale Figur.
Gerade Linien, im Wesentlichen durch Würfel und Zylinder modelliert, überwiegen angesichts der Geometrie von Formen und Volumen.
Diese Technik, die sowohl auf die Perspektive als auch auf "Hell und Dunkel" verzichtet, verursacht ein Gefühl von skulpturale Malerei.
Konzeptionell kann der Kubismus als eine Kunst angesehen werden, die die geistige Übung als Möglichkeit, Ideen auszudrücken.
Zum mit der Perspektive brechen in den Höhenlinien verankert, wird die Natur nun vereinfacht dargestellt.
Dies ermöglicht größere Abstraktion über die ästhetischen Attribute des Werkes, während er die Idee der Kunst als reine Nachahmung der Natur ablehnt. Dazu sagte Georges Braque:
Sie imitieren nicht, was Sie erschaffen möchten.
Es ist erwähnenswert, dass dieser Stil die Unterscheidung zwischen Form und Grund oder jede Vorstellung von Tiefe aufgibt.
Themen wie urbane Stillleben und Porträts werden von kubistischen Malern als Ressourcen verwendet, um auf der Grundlage der Besonderheiten dieses Aspekts zu experimentieren und zu schaffen.
Kubismusstufen
Der Kubismus gliedert sich in drei Phasen:
Cezanne oder Cezania-Phase (1907 bis 1909)
Auch präanalytische Phase genannt, weist der Name bereits darauf hin, dass diese Zeit durch den Einfluss der Werke des französischen bildenden Künstlers geprägt war Paul Cézanne.
In dieser Phase begannen die Künstler ihre Experimente mit der Vereinfachung von Formen und begannen später, die auf derselben Ebene angeordneten Figuren darzustellen.
Es war, als wären sie auf dem Bildschirm geöffnet, von vorne vom Publikum gesehen.
Analytische oder hermetische Phase (1909 bis 1912)
Die analytische Phase war gekennzeichnet durch eine gemäßigte Farbe mit Akzentuierung in Braun-, Schwarz-, Grau- und Ockertönen. Diese Farbwahl wurde getroffen, weil das Wichtigste die Darstellung des fragmentierten Themas in allen möglichen Winkeln war.
Dieses Zerbröckeln der Formen erreichte ein so hohes Ausmaß, dass die Figuren am Ende unkenntlich wurden.
Synthetische Kubismusphase (1911)
Der synthetische Kubismus zeichnete sich durch kräftigere Farben und eine Rückkehr zum Figurativen aus, da er die Figuren wieder erkennbar machen wollte, ohne jedoch auf eine realistische Behandlung zurückzugreifen.
In dieser Phase ist die Methode der Collage, um reale Objekte auf dem Bildschirm zu fixieren, wie Holz-, Glas- und Metallstücke.
Außerdem führten sie Zeitungsausschnitte mit Wörtern und Zahlen ein. Diese Ressourcen wurden verwendet, um die Grenzen der visuellen Empfindungen, die das Gemälde andeutet, zu extrapolieren und auch den Tastsinn zu erforschen.
Kubismus und Wissenschaft
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts gab es eine bewundernswerte Konvergenz von Wissen und Interessen aus verschiedenen Wissensgebieten.
In diesem Moment wird sich die Kunst, insbesondere mit dem Kubismus, im Einklang mit den neuesten wissenschaftlichen Untersuchungen in Physik und Geometrie platzieren.
Als der Kubismus mit der jahrhundertelangen Priorisierung der Perspektive in der bildlichen Darstellung brach, führte er schließlich zu geometrischen Vorstellungen von Hyperpolyedern und Mehrdimensionalität.
Dies ermöglichte es kubistischen Künstlern, ein bisher nie dagewesenes Raumkonzept zu formulieren, nämlich die "vierte Dimension". Darin stehen die raumzeitlichen Eigenschaften in Affinität zu Einsteins "Relativitätstheorie" (1905).
Kubismus in Brasilien
In Brasilien erst nach dem Woche der modernen Kunst 1922 wird die kubistische Bewegung an Stärke gewinnen.
Obwohl sich brasilianische Künstler nicht ausschließlich kubistischen Zügen verschrieben haben, lassen sich deutliche Einflüsse aus diesem Trend erkennen.
Die Künstlerin Tarsila do Amaral war einige Persönlichkeiten, die kubistische Merkmale in ihren Leinwänden verwendeten. In ihnen vermerken wir den Einfluss dieser europäischen Avantgarde durch die Verwendung geometrischer Formen.
Auch in der bildenden Kunst sind die Werke anderer brasilianischer Künstler erwähnenswert: Anita Malfatti, Rego Monteiro und Di Cavalcanti.
Die kubistische Literatur in Brasilien hingegen wurde durch die Werke von Schriftstellern hervorgehoben: Oswald de Andrade, Raul Boop und Érico Veríssimo. Beachten Sie, dass sich die kubistische Literatur auf die "Zerstörung der Syntax" konzentriert hat, um der Linearität ein Ende zu setzen.
Beste kubistische Maler
Die größten Vertreter der kubistischen Malerei waren:
- Pablo Picasso (1881-1973)
- Georges Braque (1882-1963)
- Juan Gris (1887-1927)
- Fernand Léger (1881-1955)
- Diego Rivera (1886-1957)
Die besten kubistischen Bildhauer
Die größten Vertreter der kubistischen Skulptur waren:
- Raymond Duchamp-Villon (1873-1918)
- Constantin Brancusi (1876-1957)
Top kubistische Schriftsteller
Die wichtigsten vom Kubismus beeinflussten Schriftsteller waren:
- Guillaume Apollinaire (1880-1918)
- Jean Cocteau (1889-1963)
- Oswald de Andrade (1890-1954)
- rico Verissimo (1905-1975)
- Raul Bopp (1898-1984)
Übungen zum Kubismus (Enem und Vestibular)
1. (Enem/2011)
Der spanische Maler Pablo Picasso (1881–1973), einer der angesehensten in der Kunstwelt, sowohl in Bezug auf Finanziell und historisch gründete er Guernica aus Protest gegen den Luftangriff auf die kleine baskische Stadt gleicher Name. Die Arbeit, die als Teil des Internationalen Salons der bildenden Künste in Paris entstand, reiste durch ganz Europa, kam in den USA an und ließ sich im MoMA nieder, wo sie erst 1981 veröffentlicht wurde. Dieses kubistische Werk weist plastische Elemente auf, die gekennzeichnet sind durch:
a) monochromatisches ideographisches Panel, das sich auf verschiedene Dimensionen eines Ereignisses konzentriert, die Realität ablehnt und sich in eine Frontalebene zum Betrachter stellt.
b) Kriegsschrecken auf fotografische Weise unter Verwendung der klassischen Perspektive, die den Betrachter in dieses brutale Beispiel menschlicher Grausamkeit einbezieht.
c) Verwendung geometrischer Formen auf derselben Ebene, ohne Emotion und Ausdruck, ohne Rücksicht auf Volumen, Perspektive und skulpturale Empfindung.
d) Zerbröckeln der Gegenstände, die in derselben Erzählung behandelt werden, Minimierung des menschlichen Schmerzes im Dienste der Objektivität, beobachtet durch die Verwendung von Hell-Dunkel.
e) Verwendung verschiedener Icons, die zweidimensional fragmentierte Charaktere auf fotografische Weise ohne Sentimentalität darstellen.
Die richtige Antwort ist die Alternative a) monochromatisches ideographisches Panel, das verschiedene Dimensionen eines Ereignisses in den Mittelpunkt stellt, auf die Realität verzichtet und sich in einer Frontalebene zum Betrachter platziert.
Die kubistische Bewegung schätzte die Darstellung fragmentierter Formen und platzierte die Elemente der Szene in allen möglichen Winkeln, was die Vorstellung von verschiedenen Dimensionen innerhalb der Leinwand vermittelt. Somit wird eine realistische Darstellung abgelehnt.
Antwort B ist falsch, da es weder eine fotografische Darstellung auf dem Bildschirm noch eine klassische Perspektive gibt. Im Gegenteil, es gibt einen Bruch mit solchen Mustern.
Antwort C sagt, dass das Gemälde keine Emotionen und keinen Ausdruck enthält, was ein Fehler ist. Sie können intensive Emotionen in den Gesichtsausdrücken der Charaktere bemerken. Darüber hinaus beschäftigt man sich mit skulpturalen Formen und Haptik, wie in der gesamten kubistischen Bewegung.
In Antwort D liegt ein Irrtum vor, dass die Arbeit im Dienste der Objektivität "menschlichen Schmerz minimiert", da, wie erwähnt, menschlicher Schmerz genau nachgewiesen wird. Das gleiche wird von Alternative E nahegelegt, die besagt, dass es keine Sentimentalität gibt.
2. (Enem/2012)
Das Gemälde Les Demoiselles d'Avignon (1907) von Pablo Picasso steht für den Bruch mit der klassischen Ästhetik und die Revolution der Kunst zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Dieser neue Trend zeichnet sich aus durch:
a) Bemalen von Modellen in unregelmäßigen Ebenen.
b) Frauen als zentrales Thema der Arbeit.
c) Szene dargestellt durch mehrere Modelle.
d) Gegensatz zwischen hellen und dunklen Tönen.
e) Nacktheit als Kunstobjekt erforscht.
Die richtige Alternative ist a) das Bemalen von Modellen in unregelmäßigen Ebenen.
Das Hauptmerkmal des Kubismus war die Darstellung von Figuren in verschiedenen Ebenen, die eine "Dreidimensionalität" in der Malerei anstrebten und Formen in unregelmäßigen Ebenen darstellen.
Das Thema war nicht unbedingt Frauen oder Nacktheit. Also, da es nicht um den Gegensatz von hellen und dunklen Tönen geht. Szenen könnten zusätzlich zu Objekten auch ein oder mehrere Modelle anzeigen.
3. (Unifesp/2018)
Eine solche Avantgarde brach radikal mit der Idee der Kunst als Nachahmung der Natur, die seit der Renaissance in der europäischen Malerei vorherrscht. Ihre wichtigsten Anhänger haben traditionelle Perspektiven aufgegeben,
versucht, Solidität und Volumen auf einer zweidimensionalen Fläche darzustellen, ohne die flache Leinwand durch Illusion in einen dreidimensionalen Bildraum zu verwandeln. Mehrere Aspekte des Objekts wurden gleichzeitig dargestellt; die sichtbaren Formen wurden analysiert und in geometrische Ebenen transformiert, die nach mehreren gleichzeitigen Gesichtspunkten neu zusammengesetzt wurden. Eine solche Avantgarde war und behauptete, ein Realist zu sein, aber es war ein konzeptueller Realismus, kein optischer.
Ian Chilvers (org). Oxford Dictionary of Art, 2007. Angepasst.
Ein repräsentatives Gemälde der Avantgarde, auf das sich der Text bezieht, ist wiedergegeben in:
Die richtige Antwort ist der Buchstabe a) Die Damen von Avignon von Pablo Picasso.
Dieses Werk gilt als Meilenstein der kubistischen Bewegung.
Zu den anderen Alternativen:
- Die Leinwand, die in Alternative B erscheint, ist O Grito von Munch, dem Vorläufer der expressionistischen Bewegung.
- Der im Buchstaben C gezeigte Bildschirm Luminárias Vermelhas von Roy Lishteinstein ist Teil der Pop-Art-Bewegung.
- In Alternative D zeigt René Magritte, Autor des Bildes Império das Luzes, ein surrealistisches Werk.
- Im Buchstaben E erscheint Violinista à window, gemalt von Henri Matisse, einem der Künstler des Fauvismus.
Schauen Sie sich auch diese Auswahl an Fragen an, die wir für Sie getrennt haben, um Ihr Wissen zu testen: Übungen zu europäischen Avantgarden.
Um mehr über andere Aspekte der europäischen Avantgarde zu erfahren, lesen Sie:
- Expressionismus
- Impressionismus
- Fauvismus
- Futurismus
- Surrealismus
- Dadaismus
