Rede über die Künstler der modernen Kunst es bedeutet, über das größte Ereignis zu sprechen, das die Geschichte der brasilianischen Kunst geprägt hat. Ein solches Ereignis, bekannt als Woche der modernen Kunst, fand zwischen dem 13. und 18. Februar 1922 im Stadttheater von São Paulo statt.
Ab diesem Datum (1922) begannen wir, die wahren Ziele zu verstehen, die durch das historische Ereignis begründet wurden. Warum schließlich 1922? Dies ist das Datum, an dem Brasilien seinen 100. Jahrestag seiner Unabhängigkeit feierte, obwohl diese Unabhängigkeit die politische, wirtschaftliche oder kulturelle Ebene nicht verändert hat. So gab es seit der Zeit vor der Woche von 1922, die als Vormoderne bekannt ist, eine Reaktion auf Teil der künstlerischen Klasse, um ein Brasilien unter der realen Ebene zu enthüllen, weit entfernt von dem Idealismus, der von der Ära gepredigt wurde romantisch. Ein Brasilien der Marginalisierten, das vom nordöstlichen Hinterland bis zu den Vororten von Rio reicht. Es ist kein Zufall, dass u.a. Euclides da Cunha, Monteiro Lobato ihre Unzufriedenheit über die damaligen gesellschaftlichen Missstände zum Ausdruck brachten – einerseits industrieller Fortschritt aus der Expansion des Kapitalismus, andererseits die Masse der Ausgeschlossenen, gebildet von der Arbeiterklasse, die sich zunehmend organisiert und intensiv durchführte Streiks.
In dieser Atmosphäre der Euphorie, die von der Absicht durchdrungen ist, Veränderungen herbeizuführen, insbesondere beeinflusst von Avantgarde-Bewegungen, drückten ihre ideologischen Positionen durch ihre Kreationen aus, sei es in Malerei, Musik, Skulptur, Literatur, unter anderem Kunst. Schauen wir uns in diesem Sinne die biografischen Daten an, die einigen von ihnen innewohnen, beginnend mit:
Di Cavalcanti
Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, Sohn von Frederico Augusto Cavalcanti de Albuquerque und Rosalia de Sena,
er wurde 1897 in Rio de Janeiro geboren und starb 1976 in derselben Stadt. Sein künstlerisches Talent begann 1908 in São Cristóvão, einem bürgerlichen Viertel, in das die Familie gezogen war.
Jahre später, im Jahr 1914, begann er seine Karriere als Karikaturist. 1916 schrieb er sich an der Schule Livre de Direito ein, zog nach São Paulo und nahm einen Brief von Olavo Bilac an den Journalisten Nestor Rangel Pestana, einen Kunstkritiker aus Estadão, mit. Danach war er als Archivar für die Zeitung O Estado de São Paulo angestellt.
Di Cavalcanti war einer der Schöpfer der Woche der Modernen Kunst und beteiligte sich an der Erstellung von Katalogen und Programmen sowie der Ausstellung von zwölf Gemälden. Unter seinem umfangreichen Werk können wir erwähnen:
Reise meines Lebens – Das Testament von Alvorada (1955) und lyrische Erinnerungen an eine perfekte Carioca (1964).
Er illustrierte zahlreiche Bücher, darunter: Karneval, von Manuel Bandeira, 1919; Losango Cáqui, von Mario de Andrade, 1926; A Noite na Taverna e Macário, von Alvares de Azevedo, 1941; usw.
Er führte Wandgemälde in Brasília, Belo Horizonte, Rio de Janeiro und São Paulo aus und gab Druckalben heraus, wie z Lapa, Holzschnitte, 1956; Cinco Serigrafias, 1969 und Sete Flores, mit Text von Carlos Drummond de Andrade, 1969.
Ismael Nery
Ismael Nery wurde 1900 in Belém do Pará geboren und starb 1934 in Rio de Janeiro. Dieser Künstler verteidigte die Idee der Nationalität nicht wie die Künstler seiner Zeit; im Gegenteil, es erweitert seinen künstlerischen Ausdruck im weitesten Sinne, indem es alle Denkrichtungen verwebt. Seine Karriere als Maler hat ihm nicht die verdiente Anerkennung durch die Öffentlichkeit eingebracht, da er nicht mehr als hundert Gemälde verkaufte, die nur auf zwei Veranstaltungen ausgestellt wurden. Im Gegensatz zu seiner Produktion als Zeichner, die nach Meinung von Experten besser war als seine Malerei.
Das Werk dieses edlen Künstlers gliedert sich normalerweise in drei Stränge: den Expressionismus, von 1922 bis 1923; der Kubist, von 1924 bis 1927, unter dem starken Einfluss von Pablo Picasso; und der Surrealismus, abgegrenzt von 1927 bis 1934, seine wichtigste und vielversprechendste Phase.
Lasar Segal
Lasar Segal wurde am 21. Juli 1891 in der litauischen Hauptstadt Wilna geboren. Er starb am 2. August 1957 in der Stadt São Paulo und hinterließ eine riesige Sammlung, die nicht nur die Schönheit, sondern vor allem das Elend hervorhebt, das er während seiner gesamten Reise erlebt hat. Für Segal befriedigte ihn die statische Malerei nicht, da es notwendig war, sie zu verzerren, um die Realität abzubilden – ein Zweck, der ihn zum Expressionismus führte. Nach einem kurzen Aufenthalt in Holland ging er nach Brasilien, wo er zwei Ausstellungen organisierte: eine in São Paulo und eine in Campinas.
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Lasar Segal war mehr als ein Maler, der auch als echter Soziologe galt, war besessen vom Menschen und porträtierte mit seinen Pinseln die brasilianischen Probleme, offenbart durch bekannte Szenen, die das arme Innere der Häuser sowie die leidenden Gesichter ihrer Population. Diese Szenen zeigten den Konformismus einer als unveränderlich geltenden Gesellschaft.
Daher verwendete er in seinen Arbeiten nicht nur Öl auf Leinwand, sondern auch erlernte Gravurverfahren processes in Russland, wie Lithographie und Zinkographie, die seiner Kunst einen rein vielseitigen Charakter verliehen.
Von einem massiven Angriff getroffen, starb er. Sein umfangreiches Werk blieb jedoch durch eine Sammlung von 2.500 Werken lebendig, ein Ort, an dem eine von seiner Frau – Schriftstellerin und Übersetzerin – organisierte Bibliothek funktioniert.
Milton Dacosta
Milton Dacosta wurde 1915 in Niterói im Bundesstaat Rio de Janeiro geboren und starb 1988 in der Stadt Rio de Janeiro. Mit 14 lernte er Augusto Hantz kennen, einen Deutschlehrer, bei dem er seinen ersten Zeichenunterricht hatte, Einschreibung im Folgejahr an der Escola de Belas Artes, Besuch des kostenlosen Kurses von Augusto José Marquis Junior.
Im Jahr 1936, nach einer Einzelausstellung, fühlte sich Dacosta motiviert, sich für den Nationalen Salon der Schönen Künste einzuschreiben. Bei der Ausstellung seiner Arbeiten erhielt er eine lobende Erwähnung und gewann eine Bronze- und eine Silbermedaille. 1944 erhielt er die begehrte Auszeichnung für eine Auslandsreise, reiste 1945 mit dem Maler Djanira in die USA und ging von dort nach Paris, wo er zwei Jahre blieb.
Die Malerei dieses Künstlers, die sich nach und nach entwickelte, erreichte große Höhen. Zuerst identifizierte er sich mit dem Impressionismus, ging sequentiell zum Expressionismus, Kubismus, Konkretismus und kehrte dann freiwillig wieder zum Kubismus zurück. 1949 heiratete er die Malerin Maria Leontina, deren Ehe 37 Jahre dauerte. Gemeinsam nahmen sie an Biennalen teil, reisten für Verbesserungskurse ins Ausland und wuchsen gemeinsam in der Mission, die Welt durch ihre Arbeit noch schöner zu machen.
Anita Malfatti
Anita Catarina Malfatti wurde am 2. Dezember 1889 in São Paulo geboren. Als Tochter von Samuel Malfatti und Elisabete war sie Malerin, Zeichnerin und sprach mehrere Sprachen, was ihr eine enorme kulturelle Kompetenz verlieh.
Nach seiner Ankunft in Berlin im September 1910 nahm er Privatunterricht im Atelier von Fritz Burger und schrieb sich ein Jahr später an der Royal Academy of Fine Arts ein. 1916 kehrte sie im Alter von 27 Jahren nach Brasilien zurück, bereit, ihre gesamte Kunst auszudrücken, insbesondere den Expressionismus.
So beschloss Anita, durch Einflüsse ihrer modernistischen Freunde, insbesondere von Di Cavalcanti, eine der Mappin Stores-Abhängigkeiten und führen eine einzelne Präsentation ihrer Arbeit am 12. Dezember durch. 1917.
Was er nicht wusste, war, dass das Schicksal ironischerweise großes Unglück für ihn bereit hielt. Monteiro Lobato, durch seinen Artikel Paranoia oder Mystifikation, kritisierte das Werk des Künstlers scharf. Eine solche Absicht richtete sich nicht speziell an sie, sondern an die Modernisten selbst. Diese Tatsache erschütterte sie zutiefst und ließ sie für den Rest ihres Lebens ein Gefühl völliger Unzufriedenheit mit den Dingen um sie herum tragen. Sein erster Instinkt war es, die Kunst ganz aufzugeben, aber er begann, Unterricht bei dem Meister Pedro Alexandrino zu nehmen, eine Tatsache, die ihnen eine gewinnbringende und dauerhafte Freundschaft bescherte.
Von Freunden motiviert, entschloss sie sich zur Teilnahme an der Modern Art Week 1922 und reiste im folgenden Jahr nach Paris, bewaffnet mit einem Stipendium, wo sie Tarsila do Amaral, Oswald de Andrade, Vitor Brecheret und Di. kennenlernte Cavalcanti. Nach einiger Zeit kehrte er mit bereits wiedergewonnenem Selbstvertrauen auf brasilianischen Boden zurück, war jedoch nicht mehr bereit, sich auf neue „kulturelle Unternehmungen“ zu wagen.
Anita starb am 6. November 1964 in Diadema, Bundesstaat São Paulo, wo sie mit ihrer Schwester Georgina auf einer Farm lebte.
Von Vania Duarte
Abschluss in Briefen