Kunstens sted har altid været et omfattende debatteret tema blandt kritikere, kendere, forskere og kunstnerne selv. I lang tid blev kunstverdenen betragtet som en autonom sfære, styret af sine egne koder og resultatet af en kreativitet centreret om kunstnerens individualitet. Men især fra det 20. århundrede har vi bemærket, at denne adskillelse mellem kunst og verden har mistet styrke, da forskellige bevægelser søgte at bryde sådanne grænser.
I 1950'erne observerede vi formuleringen af en bevægelse kaldet "pop art". Dette udtryk, der kommer fra engelsk, betyder "populær kunst". I modsætning til hvad det ser ud, har denne populære kunst, der definerer en sådan bevægelse, intet at gøre med en kunst produceret af de populære lag eller med folkloristiske forestillinger om kunst. "Pop art" som en bevægelse omfavner de forskellige manifestationer af massekultur, kultur skabt til folkemængderne og produceret af de store medier.
Ved at involvere elementer genereret af det industrielle samfund udfører "pop art" en dobbelt bevægelse, der kan afsløre rigdom af sin egen eksistens for os. På den ene side afslører det spor af et samfund præget af industrialisering, gentagelse og skabelsen af øjeblikkelige ikoner. På den anden side sætter han spørgsmålstegn ved grænserne for kunstnerisk fremstilling ved at undgå en autonom tænkning og dække fænomenerne i sin tid for at opfatte sine egne kreationer.
"Pop art" -bevægelsen dukkede op i et historisk øjeblik præget af genopblussen af store industrisamfund, der engang blev påvirket af virkningerne af 2. verdenskrig. På denne måde vedtog den de store nordamerikanske og britiske bycentre som miljø for sine første repræsentanter til at tage inspiration til at skabe deres værker. Reklameartikler, berømthedsbilleder, logoer og tegneserier er nogle af disse inspirationer.
Medlemmerne af "pop art" formåede at tiltrække offentlighedens opmærksomhed ved at blive inspireret af elementer som i teorien ikke blev anerkendt som kunst under hensyntagen til, at forbrug var det nuværende mærke for disse gange. Store filmstjerner, tegneserier, moderne biler, elektroniske gadgets eller dåse er blevet dekonstrueret således at disse kunstners indtryk og ideer signaliserede reproduktionskraften og kortvarigheden af det, der tilbydes af æraen industriel.
Blandt andre repræsentanter for denne bevægelse kan vi fremhæve figuren af Andy Warhol, kendt for de mange flerfarvede versioner af "Marilyn Monroe", produceret i 1967. Et andet eksempel på "pop art" kan genkendes i værket "No Carro", hvor Roy Lichenstein bruger tegneseriens sprog til at udforske bysituationer. Selv i dag bruger mange kunstnere ”pop art” -henvisninger til designmalerier, skulpturer og andre installationer.
Af Rainer Sousa
Master i historie
