Malba je jedním z nejtradičnějších a nejcennějších druhů umění na světě. Prostřednictvím ní velcí umělci vyjádřili myšlenky a pocity, a zanechali tak neocenitelné dědictví.
Podle španělského malíře Pabla Picassa:
Malba není nikdy próza. Je to poezie, která je psána s plastickými verši.
Vybrali jsme 15 obrazů vyrobených v olejové barvě, které vstoupily do historie západního umění. Taková díla jsou udržována jako kulturní symboly, buď proto, že přinášejí umělecké inovace, politické otázky, nebo proto, že představují aspirace a pocity společné pro lidstvo.
1. Mona Lisa od Leonarda Da Vinciho
Deska Mona Lisa - nárok THE Gioconda původně - je výtvorem Leonardo da Vinci, jedna z nejslavnějších osobností italské renesance.
V něm je žena zobrazena s tajemným výrazem obličeje a vykazuje velmi zajímavý mírný úsměv, který nás vyzývá, abychom si představili, jaké mohou být její myšlenky a pocity. Projevovala Mona Lisa uspokojení, nevinu nebo určitou aroganci?
Mnoho teoretiků a kritiků umění se pokusilo odhalit toto tajemství a několik uměleckých produkcí bylo inspirovaný tímto obrazem, který lze považovat za jedno z největších mistrovských děl v historii umění západní.
2. Guernica od Pabla Picassa
Guernica je jedním z nejvýraznějších obrazů španělského malíře Pabla Picassa, velkého představitele kubismu.
V této práci vykresluje hrůzy španělské občanské války, zejména bombardování baskického města Guernica 26. dubna 1937.
Toto velké plátno se stalo symbolem v boji proti všem typům válek a přineslo revoluci v historické malbě, protože zachází s utrpením nadčasově.
3. Polibek Gustava Klimta
Plátno, malované Rakušanem Gustav Klimt v roce 1907 je to slavné dílo v dějinách umění. Tento obraz byl neustále reprodukován a otiskován na objektech, což představuje ikonu západní kultury.
Dílo je součástí takzvané „zlaté fáze“ v Klimtově umělecké produkci, kdy ve svých kompozicích zneužívá jiskřivé prvky, které odkazují na drahé kameny a dokonce i zlaté listy.
v Polibek, pár je zobrazen (což by byl sám umělec a jeho manželka), v propletené poloze, což naznačuje náklonnost a teplo.
Při bližším pohledu je však také možné pozorovat, že se muž skláněl nad milovaným, protože byl aktivní postavou v tomto objetí, a žena, klečící, by byla známkou ženského podřízení.
4. Výkřik Edvarda Muncha
Křik je nejslavnější obraz norského malíře Edvarda Muncha. Toto dílo bylo v průběhu času reprodukováno, včetně dalších umělců, jako je Andy Warhol.
Jeho úspěch byl pravděpodobně proto, že Munch dokázal velmi úspěšně vykreslit pocit úzkosti a osamělosti, kterému jsou lidé vystaveni.
Malíř s barvami, tvary a liniemi vybudoval v této kompozici symbol lidského zoufalství, které je také ikonou avantgardního expresionistického hnutí.
5. Jackson Pollock č. 5
V roce 1948, v poválečném období, americký Jackson Pollock vyrobil plátno s názvem Č. 5.
Umělec byl jedním z předchůdců abstraktního expresionismu, uměleckého hnutí, které vzniklo ve 40. letech v USA.
Tato práce byla vytvořena technikou kapající (kapání), malířem hodně prozkoumaný. Metoda spočívá v nalití tekuté barvy na velká plátna natažená na podlaze. Takto malíř provádí rozsáhlé tělesné pohyby, téměř jako by „vstoupil“ do díla v okamžiku stvoření.
V květnu 2006 byl obraz prodán za závratných 140 milionů dolarů, což je nejvyšší cena za obraz do roku 2011.
6. Dívky Diega Velázqueze
Zpočátku s názvem Rodina Filipa IV, deska Dívky, namaloval v roce 1656 umělec Diego Velázquez. Tato práce představuje zlatý věk malíře, který se narodil ve městě Sevilla ve Španělsku.
Obraz zachycuje možná každodenní dvorní scénu ze 17. století. Zřejmě jednoduché plátno nese řadu prvků, které má divák „objevit“, což z něj činí jedno z nejhlubších děl v historii umění.
V obraze malíř ztvárnil práci na plátně, které si nechali vypracovat králové Filipe IV. A Mariana, které se odráží v zrcadle v zadní části místnosti. Tato vlastnost nám také dává pocit, že by byli diváky samotného díla.
7. Jedlíci brambor Vincenta Van Gogha
Toto dílo bylo vyrobeno v roce 1885 autorem Vincent van Gogh, Holandský malíř postimpresionismu a expresionismu. Dnes velmi uznávaný Van Gogh byl osamělý umělec a za svůj život měl jen velmi malé uznání.
Dotyčný obraz zachycuje rolnickou rodinu, která se stravuje v jejich skromném domově osvětleném tlumenou lampou. Je to dobře známé dílo malíře, které ukazuje technický vývoj jeho malby a vtiskuje expresionistické vlastnosti, které by se staly jeho ochrannou známkou.
Kromě toho projevuje velký zájem o sociální a humanitární otázky. Podle samotného umělce:
Chtěl jsem se vědomě věnovat vyjádření myšlenky, že tito lidé, kteří v tomto světle jedí brambory rukama, také obdělávali půdu. Můj obraz proto chválí manuální práci a jídlo, které si sami tak poctivě vydělali.
8. Perzistence paměti Salvadora Dalího
Salvador dali byl katalánský malíř, který byl součástí surrealismu v Evropě. Jeden z jeho nejslavnějších obrazů je THEPerzistence paměti.
Dalí v tomto díle představuje přechod času znepokojivou postavou roztavených hodin ve vyprahlé krajině, beztvarém těle, mravencích a mušce.
V pozadí je také možné si všimnout přítomnosti útesu a moře, krajiny, která odkazuje na své místo původu, Katalánsko.
Tato práce byla nalezena od roku 1934 v Muzeu moderního umění v New Yorku ve Spojených státech.
9. Dojem, vycházející slunce od Clauda Moneta
Claude Monet, významný malíř impresionismu, evropské avantgardní umělecké hnutí, vytvořil toto dílo v roce 1872.
Tato kompozice je mezníkem v malbě, protože vykazuje nový způsob kartáčování zaznamenáním okamžiku, kdy slunce prochází mlhou v zátoce Le Havre v Normandii.
Lze předpokládat, že inovace přítomná v této práci způsobila revoluci v malířství.
Reakce tisku v té době byla proti novému stylu a považovala toto plátno za „nedokončené“ dílo. Výstava, na které byla uvedena, byla hanlivě označena jako „impresionistická výstava“ a zvolena Tisk, Vycházející slunce jako největší terč kritiky. Kvůli této epizodě byl takto pojmenován impresionistický proud.
10. Popravy Francisco de Goya 3. května
Popravy Tří května, Tří května 1808 v Madridu nebo Popravy hory Príncipe Pío, je obraz španělského malíře Francisca de Goyi.
Na tomto obraze představuje Francisco de Goya působivý portrét genocidy, která se stala v Madridu v roce 1808. Tato událost byla důsledkem takzvané poloostrovní války (1807-1814), kdy Napoleon Bonaparte napadl Španělsko.
Den před tímto strašlivým masakrem se střetli někteří z Madridu s napoleonskými jednotkami. Používali pouze zbraně na blízko a čelili nepřátelské kavalérii a byli tvrdě potlačováni.
Tato epizoda byla také vylíčena Goya v práci 2. května v Madridu a tvoří duet s Střelby 3. května.
Jako výtka „odvážnosti“ civilistů byl proveden masakr, který vyvrcholil smrtí bezpočtu nevinných. Goya, který žil velmi blízko místa, byl svědkem takových epizod a po letech vytvořil toto plátno, které by se stalo milník v dějinách umění a odsouzení válečných hrůz - ovlivňování dalších umělců, jako je Picasso, ve výrobě vašeho Guernica.
Na otázku, proč namaloval tato zvěrstva, odpověděl Goya:
Mít to potěšení říkat lidem navždy, aby nebyli barbary.
11. Mladá dívka s perlovými náušnicemi od Johannesa Vermeera
Deska Dívka s perlou je považována za „nizozemskou Monu Lisu“, protože také vystavuje ženskou postavu zahalenou tajemnou atmosférou.
Předpokládá se, že nizozemský umělec Johannes Vermeer vytvořil tento portrét v roce 1665 - plátno není datováno. V něm pozorujeme dívku, která se na nás ohlédne s klidným a cudným vzduchem a vnese do jejích rozevřených rtů lesk.
Další hádka se týká ozdoby na hlavě mladé ženy. V té době již nebyl turban používán, proto se spekuluje, že Vermeer byl inspirován jiným dílem, chlapec v turbanu, namaloval Michael Sweerts v roce 1655.
Toto je nejznámější malířovo dílo, které inspirovalo produkci knihy a filmu se stejným názvem jako malba.
12. Oběd člunů Pierre-Auguste Renoir
V roce 1881 Pierre-Auguste Renoir dokončí malování rámu Vodácký oběd, důležitý exponent impresionistického hnutí.
V díle malíř vypracuje šťastnou a uvolněnou scénu tím, že ukáže setkání mezi přáteli zaplavenými spoustou jídla a krásným výhledem na řeku Seinu. Všichni portrétovaní lidé byli blízkými přáteli Renoira a jedna z žen, která se objevila na obrazovce, se po letech stala jeho manželkou.
Tento umělecký trend se zabýval zachycením přirozeného osvětlení a spontánních scén prostřednictvím fixace okamžiku. Můžeme říci, že impresionismus byl avantgardní hnutí, které dalo podnět k takzvanému modernímu umění.
13. Nemocnice Henryho Forda (Létající postel) Frida Kahlo
Frida Kahlo byl významný mexický umělec, který žil v první polovině 20. století.
Její malba, téměř vždy autobiografická, zobrazuje její bolest, její velkou lásku (také malíře Diega Riveru), její hrdost na to, že je ženou, a na její latinskoamerický původ.
Produkce Fridy je nabitá symboliky a prvky, které koketují se surrealismem, i když malíř popírá, že by byl součástí takového hnutí a měl blíže k určitému druhu zpovědního umění. Říká:
Nikdy nemalovám sny ani noční můry. Maluji svou vlastní realitu.
V práci, která se stala známou jako Létající postel, umělec líčí bolestivou epizodu svého života, když ztratí dítě, které čeká na Diega.
Frida utrpěla několik po sobě jdoucích potratů, protože kvůli problémům nemohla udržet těhotenství získaný jako dítě - dostal obrnu - a v dospívání, když utrpěl vážnou nehodu. vlak.
Před několika lety byla Frida „objevena“ většinou lidí a byla považována za ikonu umění a dokonce popkultury a feministického hnutí.
14. Emigranti Cândido Portinari
ústupci je to práce malíře Cândido Portinari, narozený ve vnitrozemí São Paula, ve městě Brodowski.
Plátno bylo vytvořeno v roce 1944 a zobrazuje rodinu migrantů, lidí, kteří se stěhují z oblasti severovýchodu na jiná místa v naději, že uniknou suchu, chudobě a dětské úmrtnosti.
Způsob, jakým umělec zobrazuje tenká, vyčerpaná a bolestivá výrazová těla ve vyprahlé a šedé krajině, je pozoruhodný.
Nad lidmi létají supi, jako by čekali na smrt. Děti jsou zobrazovány podvyživené a nemocné - všimněte si chlapce na pravé straně, který má břicho nepřiměřené k tělu, což je známka vodnatého břicha.
Můžeme vytvořit paralelu mezi tímto dílem a literárním dílem Vidas Secas, které před lety, v roce 1938, vytvořil spisovatel Graciliano Ramos a které se zabývá stejným tématem.
Portinari byl skvělý umělec, který mimo jiné ocenil brazilský lid a odsoudil sociální problémy země.
15. Abaporu z Tarsily do Amaralu
abaporu je produkce umělce Tarsily do Amarala, významné osobnosti brazilského modernistického hnutí.
Název díla je původního původu a podle umělce znamená „antropofágní“ - což je totéž jako kanibal. Výsledkem této práce je, že Oswald de Andrade, manžel Tarsily a také umělec, definuje základy antropofagické teorie pro moderní umění v Brazílii.
Taková teorie navrhovala, aby brazilští umělci pili ze zdroje evropských avantgardních hnutí, ale vyvinuli inscenaci s národními charakteristikami. Slavná fráze, která definuje období, je:
Spojuje nás pouze antropofagie.
Abaporu přináší hodnotu manuální práce se zvýrazněnými rukama a nohama. Výrazné barvy, kaktus a slunce také narážejí na tropické podnebí a krajinu.
Přečtěte si také: Modernistická díla Tarsily do Amarala
