Живопис - один із найбільш традиційних і цінованих видів мистецтва у світі. Через нього великі художники висловлювали ідеї та почуття, залишаючи таким чином безцінну спадщину.
За словами іспанського художника Пабло Пікассо:
Живопис ніколи не є прозою. Саме поезія написана віршами з пластичної рими.
Ми відібрали 15 картин, виконаних олійною фарбою, які увійшли в історію західного мистецтва. Такі твори продовжуються як культурні символи або тому, що вони вносять мистецькі новації, політичні питання, або тому, що вони представляють прагнення та почуття, спільні для людства.
1. Мона Ліза Леонардо Да Вінчі
Дошка Мона Ліза - має право THE Джоконда спочатку - це творіння Леонардо да Вінчі, одна з найвідоміших особистостей італійського Відродження.
У ньому жінка зображена із загадковим виразом обличчя, демонструючи дуже інтригуючу легку посмішку, яка запрошує нас уявити, якими можуть бути її думки та почуття. Мона Ліза виявляла задоволення, невинність чи певну зарозумілість?
Багато теоретиків та мистецтвознавців намагалися розгадати цю таємницю, і було кілька художніх постановок зроблений натхненно цією картиною, яку можна вважати одним із найбільших шедеврів в історії мистецтва західний.
2. Герніка Пабло Пікассо
Герніка є однією з найбільш емблематичних картин іспанського художника Пабло Пікассо, великого виразника кубізму.
У цій роботі він змальовує жахи громадянської війни в Іспанії, особливо бомбардування баскського міста Герніка 26 квітня 1937 року.
Це велике полотно стало символом у боротьбі з усіма типами війни та революціонізувало історичний живопис, оскільки воно відноситься до страждань поза часом.
3. Поцілунок Густава Клімта
Полотно, написане австрійцем Густав Клімт у 1907 р. це відомий твір в історії мистецтва. Цю картину постійно відтворювали та штампували на предметах, представляючи ікону західної культури.
Твір є частиною так званої "золотої фази" у художній постановці Клімта, коли він зловживає ігристими елементами, що стосуються дорогоцінних каменів і навіть золотих листя у своїх композиціях.
В Поцілунок, пара зображена (якою буде сам художник та його дружина) у взаємопереплетеному положенні, що підказує прихильність та тепло.
Однак, придивившись уважніше, також можна помітити, що чоловік нахиляється над коханою, будучи активною фігурою в цих обіймах, а жінка, стоячи на колінах, буде ознакою жіночого підпорядкування.
4. Крик Едварда Мунка
Крик - це найвідоміша картина Едварда Мунка, норвезького живописця. Ця робота була відтворена з часом, зокрема іншими художниками, такими як Енді Уорхол.
Його успіх був, мабуть, тому, що Мунк зумів дуже успішно зобразити почуття туги та самотності, яким піддаються люди.
Кольорами, формами та лініями живописець побудував у цій композиції символ людського відчаю, який також є іконою експресіоністського авангардистського руху.
5. Джексон Поллок No5
У 1948 році, у повоєнний період, американець Джексон Поллок випустив полотно під назвою No5.
Художник був одним із попередників абстрактного експресіонізму, художнього руху, що виник у 40-х роках у США.
Ця робота була виконана за допомогою техніки капає (крапельниця), багато досліджених художником. Метод полягає у виливанні рідкої фарби на великі полотна, розтягнуті на підлозі. Таким чином живописець виконує великі тілесні рухи, майже так, ніби він «увійшов» у твір у момент створення.
У травні 2006 року картина була продана за приголомшливі 140 мільйонів доларів, що було найвищою ціною за картину до 2011 року.
6. Дівчата Дієго Веласкеса
Спочатку титулована Сім'я Філіпа IV, дошка Дівчата, був написаний у 1656 році художником Дієго Веласкесом. Ця робота представляє золотий вік художника, який народився в місті Севілья, Іспанія.
На картині зображена, можливо, повсякденна придворна сцена 17 століття. Мабуть, просте полотно містить ряд елементів, які «відкриває» глядач, що робить його одним із найглибших творів в історії мистецтва.
На картині живописець зобразив себе, працюючи над полотном на замовлення королів Філіпе IV та Маріаною, яке відображається у дзеркалі в задній частині кімнати. Ця особливість також дає нам відчуття, що вони будуть глядачами самого твору.
7. Пожирачі картоплі Вінсента Ван Гога
Ця робота була випущена в 1885 році Вінсент Ван Гог, Голландський художник постімпресіонізму та експресіонізму. Сьогодні дуже відомий Ван Гог був самотнім художником і за життя мав дуже мало визнання.
На розглянутій картині зображена селянська сім’я, яка харчується у своєму скромному будинку, освітленому тьмяною лампою. Це відомий твір живописця, який демонструє технічні еволюції його живопису, відбиваючи експресіоністичні характеристики, які стали б його торговою маркою.
Крім того, він виявляє великий інтерес до соціальних та гуманітарних питань. За словами самого художника:
Я хотів свідомо присвятити себе висловленню думки, що ці люди, які в цьому світлі їдять свою картоплю руками, також обробляли землю. Отже, моя картина вихваляє ручну працю та їжу, яку вони самі чесно заробили.
8. Стійкість пам’яті Сальвадора Далі
Сальвадор Далі був каталонським художником, який був частиною сюрреалізму в Європі. Однією з найвідоміших його картин є THEПостійність пам'яті.
У цій роботі Далі представляє хід часу через тривожну фігуру розтоплених годинників у посушливому ландшафті, безформного тіла, мурах і мухи.
На задньому плані також можна помітити наявність скелі та моря, ландшафту, який посилається на місце його походження, Каталонію.
Ця робота була знайдена з 1934 року в Музеї сучасного мистецтва в Нью-Йорку, США.
9. Враження, Схід сонця Клод Моне
Клод Моне, важливий художник імпресіонізму, європейський авангардистський художній рух, задумав цю роботу в 1872 році.
Композиція є знаковою в живописі, оскільки вона демонструє новий спосіб чищення щіткою, фіксуючи момент, коли сонце перетинає туман у Гаврській затоці в Нормандії.
Можна вважати, що нововведення, присутні в цій роботі, революціонізували живопис.
Реакція тодішньої преси була проти нового стилю і вважала це полотно "незавершеним" твором. Виставку, на якій її демонстрували, було принизливо названо "імпресіоністичною виставкою" та обрано Друк, Схід сонця як найбільша мішень критики. Через цей епізод імпресіоністичну течію назвали саме так.
10. Страти Франциско де Гойя 3 травня
Страти трьох травня, Три травня 1808 року в Мадриді або Страти гори Принсіпі Піо, - картина іспанського живописця Франциско де Гойя.
На цій картині Франциско де Гойя представляє вражаючий портрет геноциду, який стався в Мадриді в 1808 році. Ця подія була наслідком так званої півостровної війни (1807-1814), коли Наполеон Бонапарт вторгся в Іспанію.
За день до цієї страшної різанини деякі з Мадриду зіткнулися з наполеонівськими військами. Володіючи лише холодною зброєю, вони зіткнулися з ворожою кіннотою і були жорстоко репресовані.
Цей епізод також зобразив Гоя у творі 2 травня в Мадриді і утворюють дует с Розстріли 3 травня.
Як докір "зухвалістю" мирних жителів було здійснено різанину, яка завершилася загибеллю незліченних невинних людей. Гойя, який жив дуже близько до цього місця, був свідком таких епізодів і через роки задумав це полотно, яке стане віхою в історії мистецтва та викриттям жахів війни - впливаючи на інших художників, таких як Пікассо у виробництві вашої Герніка.
На запитання, чому він намалював ці жорстокості, Гойя відповів:
Щоб мати задоволення назавжди сказати чоловікам, щоб вони не були варварами.
11. Молода дівчина з перловою сережкою Йоганнеса Вермеера
Дошка Дівчина з перловою сережкою її вважають "голландською Мона Лізою", оскільки вона також демонструє жіночу фігуру, оповиту таємничою атмосферою.
Вважається, що Йоханнес Вермеер, голландський художник, створив цей портрет у 1665 році - полотно не було датовано. У ньому ми спостерігаємо дівчину, яка спокійно і цнотливо дивиться на нас, привносячи блиск до розведених губ.
Ще одна здогадка - про прикрасу на голові молодої жінки. На той час тюрбан більше не використовувався, тому припускають, що Вермеєра надихнула інша робота, хлопчик у тюрбані, написаний Майклом Суертсом у 1655 році.
Це найвідоміша робота живописця, яка надихнула на створення книги та фільму, обидва з тією ж назвою, що і картина.
12. Обід човників П'єр-Огюста Ренуара
У 1881 р. П'єр-Огюст Ренуар закінчує фарбування рами Обід човників, важливий показник імпресіоністичного руху.
У творі живописець розробляє щасливу і невимушену сцену, показуючи зустріч між друзями, замиту великою кількістю їжі та прекрасний вид на річку Сену. Всі зображені люди були близькими друзями Ренуара, і одна з жінок, яка з'являється на екрані, стала його дружиною через роки.
Ця художня течія стосувалася захоплення природного освітлення та спонтанних сцен через фіксацію моменту. Можна сказати, що імпресіонізм був авангардистським рухом, який дав поштовх так званому сучасному мистецтву.
13. Лікарня Генрі Форда (Літаюче ліжко) від Фріди Кало
Фріда Кало був важливим мексиканським художником, який жив у першій половині 20 століття.
Її картина, майже завжди автобіографічна, зображує її біль, її велике кохання (також художника Дієго Ріверу), її гордість за те, що вона є жінкою, і за своє латиноамериканське походження.
Постановка Фріди завантажена символікою та елементами, які заграють з сюрреалізмом, хоча живописець заперечує участь у такому русі та наближення до виду конфесійного мистецтва. Вона заявляє:
Я ніколи не малюю мрії чи кошмари. Я малюю власну реальність.
У творі, який став відомий як Літаюче ліжко, художниця зображує болісний епізод у своєму житті, коли вона втрачає дитину, яка чекала Дієго.
Фріда пережила кілька викиднів поспіль, оскільки не змогла зберегти вагітність через проблеми з придбаний у дитинстві - він переніс поліомієліт - і в підлітковому віці, коли зазнав серйозної аварії. поїзд.
Кілька років тому Фріду "відкрили" більшість людей і вважали її іконою мистецтва і навіть поп-культури та феміністичного руху.
14. Емігранти Кандідо Портінарі
відступників це робота живописця Кандідо Портінарі, який народився в інтер’єрі Сан-Паулу, в місті Бродовський.
Полотно було створено в 1944 році і зображує родину мігрантів, людей, які переїжджають з північно-східного регіону в інші місця з надією врятуватися від посухи, бідності та дитячої смертності.
Спосіб, у якому художник демонструє тонкі, виснажені та наболілі виразні тіла в посушливому та сірому пейзажі, вражає.
Над людьми летять стерв'ятники, ніби очікуючи їх смерті. Дітей зображують недоїданими та хворими - зверніть увагу на хлопчика з правого боку, у якого живіт непропорційний тілу, ознака водянистого живота.
Ми можемо зробити паралель між цим твором і літературним твором «Відас Секас», створеним роками раніше, у 1938 році, письменником Грасіліано Рамосом і який стосується тієї ж теми.
Портінарі був великим художником, який, серед іншого, турбувався про бразильський народ і засуджував соціальні проблеми країни.
15. Абапору з Тарсіли-ду-Амарал
абапору є постановкою художниці Тарсіли ду Амарал, видатної фігури бразильського модерністського руху.
Назва твору має корінне походження і, за словами художника, означає "антропофаг" - це те саме, що людоїд. В результаті цієї роботи Освальд де Андраде, чоловік Тарсіли, а також художник, визначає основи антропофагічної теорії для сучасного мистецтва в Бразилії.
Така теорія пропонувала бразильським художникам пити з джерел європейських авангардистських рухів, але розвивати виробництво з національними особливостями. Відома фраза, яка визначає період:
Об’єднує нас лише антропофагія.
Абапору приносить значення ручній роботі, підкресливши руки та ноги. Сильні кольори, кактус і сонце також натякають на тропічний клімат і ландшафт.
Читайте також: Модерністські твори Тарсіли-ду-Амарал
