Resim, dünyadaki en geleneksel ve değerli sanat türlerinden biridir. Onun aracılığıyla büyük sanatçılar fikir ve duygularını ifade ettiler, böylece paha biçilmez bir miras bıraktılar.
İspanyol ressam Pablo Picasso'ya göre:
Resim asla düzyazı değildir. Plastik kafiyeli mısralarla yazılmış şiirdir.
Batı sanat tarihine girmiş 15 yağlı boya tablo seçtik. Bu tür eserler, ya sanatsal yenilikler, politik sorular getirdikleri için ya da insanlığın ortak özlemlerini ve duygularını temsil ettikleri için kültürel semboller olarak sürdürülür.
1. Leonardo Da Vinci'nin Mona Lisa'sı
Pano Mona Lisa - başlıklı bu Gioconda aslen - bir yaratımdır Leonardo da Vinci, İtalyan Rönesansının en ünlü kişiliklerinden biri.
İçinde, bir kadın, bizi düşüncelerinin ve duygularının ne olabileceğini hayal etmeye davet eden çok ilgi çekici hafif bir gülümseme sergileyen esrarengiz bir yüz ifadesi ile tasvir edilmiştir. Mona Lisa tatmin, masumiyet veya belli bir kibir mi gösteriyordu?
Birçok teorisyen ve sanat eleştirmeni bu gizemi çözmeye çalıştı ve birçok sanatsal üretim yapıldı. sanat tarihinin en büyük başyapıtlarından biri sayılabilecek bu tablodan esinlenerek yapılmıştır. batı.
2. Guernica, Pablo Picasso
gerilla kübizmin büyük bir temsilcisi olan İspanyol ressam Pablo Picasso'nun en sembolik tablolarından biridir.
Bu eserde, İspanya İç Savaşı'nın dehşetini, özellikle de Bask şehri Guernica'nın 26 Nisan 1937'de bombalanmasını tasvir ediyor.
Bu büyük tuval, her türlü savaşa karşı mücadelede bir sembol haline geldi ve acıları zamansız bir şekilde ele aldığı için tarihi resimde devrim yarattı.
3. Gustav Klimt'in Öpücüğü
Avusturyalılar tarafından boyanmış tuval Gustav Klimt 1907 yılında sanat tarihinde ünlü bir eserdir. Bu resim, Batı kültürünün bir ikonunu temsil eden, sürekli olarak çoğaltılmış ve nesnelere damgalanmıştır.
Eser, Klimt'in kompozisyonlarında değerli taşlara ve hatta altın yapraklara atıfta bulunan ışıltılı unsurları kötüye kullandığı sanatsal üretiminde sözde "altın evre"nin bir parçasıdır.
İçinde Öpücük, bir çift (sanatçının kendisi ve karısı olacak), iç içe geçmiş bir konumda, sevgi ve sıcaklığı çağrıştırıyor.
Ancak daha yakından bakıldığında, erkeğin bu kucaklaşmada aktif figür olarak sevgili üzerine eğildiğini ve diz çöken kadının kadın teslimiyetinin bir işareti olacağını da gözlemlemek mümkündür.
4. Edvard Munch'un Çığlığı
Çığlık Norveçli ressam Edvard Munch'un en ünlü tablosudur. Bu eser, Andy Warhol gibi diğer sanatçılar da dahil olmak üzere zaman içinde yeniden üretildi.
Başarısı muhtemelen Munch'un insanların maruz kaldığı ıstırap ve yalnızlık hissini çok başarılı bir şekilde tasvir edebilmesinden kaynaklanıyordu.
Ressam, dışavurumcu avangart akımın da bir simgesi olan bu kompozisyonda renkler, şekiller ve çizgilerle insanın umutsuzluğunun bir sembolü oluşturmuştur.
5. Jackson Pollock No.5
1948'de, savaş sonrası dönemde, Amerikalı Jackson Pollock başlıklı tuvali üretti. Numara 5.
Sanatçı, ABD'de 40'lı yıllarda ortaya çıkan bir sanat akımı olan soyut dışavurumculuğun öncülerinden biriydi.
Bu çalışma teknik kullanılarak yapılmıştır. damlayan (damla), ressam tarafından çok araştırıldı. Yöntem, zemine gerilmiş büyük tuvaller üzerine sıvı boya dökülmesinden oluşur. Bu şekilde ressam, adeta yaratılış anında esere "girmiş" gibi, kapsamlı bedensel hareketler gerçekleştirir.
Mayıs 2006'da tablo 140 milyon dolara satıldı, bu 2011 yılına kadar bir tablo için ödenen en yüksek fiyattı.
6. Diego Velázquez'in Kızları
Başlangıçta başlıklı Philip IV'ün ailesi, pano Kızlar, ressam Diego Velázquez tarafından 1656 yılında boyanmıştır. Bu eser İspanya'nın Sevilla kentinde doğan ressamın altın çağını temsil ediyor.
Resim muhtemelen her gün bir 17. yüzyıl mahkeme sahnesini tasvir ediyor. Görünüşe göre basit olan tuval, izleyici tarafından "keşfedilecek" bir dizi unsur taşıyor ve bu da onu sanat tarihinin en derin eserlerinden biri yapıyor.
Resimde ressam, odanın arka tarafındaki bir aynaya yansıyan krallar Filipe IV ve Mariana tarafından yaptırılan bir tuval üzerinde çalışırken kendini resmetmiştir. Bu özellik bize aynı zamanda eserin kendisine seyirci olacakları hissini de veriyor.
7. Vincent Van Gogh'un Patates Yiyenler
Bu eser 1885 yılında Vincent van Gogh, Hollandalı post-empresyonizm ve ekspresyonizm ressamı. Bugün çok beğenilen Van Gogh, yalnız bir sanatçıydı ve yaşamı boyunca çok az tanınırlığı vardı.
Söz konusu resim, loş bir lambayla aydınlatılan mütevazi evlerinde yemek yiyen bir köylü ailesini tasvir ediyor. Ressam tarafından iyi bilinen bir eserdir ve resminin teknik evrimlerini gösterir ve onun markası haline gelecek dışavurumcu özellikleri damgalar.
Ayrıca, sosyal ve insani konulara büyük ilgi gösterir. Sanatçının kendisine göre:
Bu ışıkta patateslerini elleriyle yiyen bu insanların toprağı da işledikleri fikrini bilinçli olarak ifade etmeye kendimi adamak istedim. Bu nedenle resmim, kendilerinin dürüstçe kazandıkları el emeğini ve yiyecekleri övüyor.
8. Salvador Dalí'nin Hafızasının Kalıcılığı
Salvador Dali Avrupa'da sürrealizmin bir parçası olan bir Katalan ressamdı. En ünlü tablolarından biri, buHafızanın sürekliliği.
Bu çalışmada Dalí, kurak bir manzaradaki erimiş saatlerin rahatsız edici figürü, şekilsiz bir beden, karıncalar ve bir sineğin içinden zamanın geçişini temsil ediyor.
Arka planda bir uçurumun ve denizin varlığını fark etmek de mümkün, bu manzara, çıkış yeri olan Katalonya'ya gönderme yapıyor.
Bu eser 1934'ten beri Amerika Birleşik Devletleri'nde New York'taki Modern Sanat Müzesi'nde bulunmuştur.
9. İzlenim, Yükselen Güneş, Claude Monet
Claude MonetEmpresyonizmin önemli bir ressamı olan Avrupa avangard bir sanat akımı bu eseri 1872'de tasarladı.
Kompozisyon, Normandiya'daki Le Havre Körfezi'nde güneşin sisi geçtiği anı kaydederek yeni bir fırçalama yöntemi sergilediği için resimde bir dönüm noktasıdır.
Bu eserde bulunan yeniliğin resimde devrim yarattığı düşünülebilir.
O dönemde basının tepkisi yeni üsluba karşıydı ve bu tuvali "bitmemiş" bir çalışma olarak gördü. Gösterildiği sergi, aşağılayıcı bir şekilde "izlenimci sergi" olarak adlandırıldı ve seçildi. Baskı, Yükselen Güneş eleştirinin en büyük hedefidir. Bu olaydan dolayı empresyonist akım bu şekilde adlandırılmıştır.
10. Francisco de Goya'nın 3 Mayıs infazları
Madrid'de Üç Mayıs, Üç Mayıs 1808'in İnfazları veya Príncipe Pío Dağı'nın İnfazları, İspanyol ressam Francisco de Goya'nın bir tablosu.
Bu resimde Francisco de Goya, 1808 yılında Madrid'de gerçekleşen soykırımın etkileyici bir portresini sunuyor. Bu olay, Napolyon Bonapart'ın İspanya'yı işgal ettiği Yarımada Savaşı'nın (1807-1814) bir sonucuydu.
Bu korkunç katliamdan bir gün önce, Madrid'den bazıları Napolyon birlikleriyle çatıştı. Sadece yakın dövüş silahları kullanarak düşman süvarileriyle yüzleştiler ve sert bir şekilde bastırıldılar.
Bu bölüm de Goya tarafından eserde canlandırılmıştır. 2 Mayıs Madrid'de ve düet yapmak 3 Mayıs çekimleri.
Sayısız masumun ölümüyle sonuçlanan katliam, sivillerin "cüretkarlığına" bir tepki olarak gerçekleştirildi. Yere çok yakın oturan Goya, bu tür olaylara tanık olmuş ve yıllar sonra bu tabloyu tasarlamış. sanat tarihinde bir dönüm noktası ve savaşın dehşetinin kınanması - üretimde Picasso gibi diğer sanatçıları etkilemek senin Guernica.
Bu vahşeti neden çizdiği sorulduğunda Goya şu yanıtı verdi:
İnsanlara sonsuza kadar barbar olmamalarını söyleme zevkini yaşamak.
11. İnci Küpeli Genç Kız Johannes Vermeer
Pano İnci Küpeli Kız Gizemli bir atmosfere bürünmüş bir kadın figürü de sergilediği için "Hollandalı Mona Lisa" olarak kabul edilir.
Hollandalı bir sanatçı olan Johannes Vermeer'in bu portreyi 1665'te yaptığına inanılıyor - tuvalin tarihi yok. İçinde, dingin ve iffetli bir havayla bize bakan ve aralık dudaklarına ışıltı getiren bir kız görüyoruz.
Bir diğer tahmin ise genç kadının başındaki süslemeyle ilgili. O zamanlar artık bir türban kullanılmıyordu, bu yüzden Vermeer'in başka bir eserden ilham aldığı tahmin ediliyor. türbanlı çocuk, 1655 yılında Michael Sweerts tarafından boyanmıştır.
Bu, ressamın en bilinen eseridir ve her ikisi de resimle aynı adı taşıyan bir kitap ve bir filmin yapımına ilham vermiştir.
12. Kayıkçıların Öğle Yemeği, Pierre-Auguste Renoir
1881'de Pierre-Auguste Renoir çerçeveyi boyamayı bitirir Kayıkçıların Öğle Yemeğiempresyonist hareketin önemli temsilcisi.
Eserde ressam, Seine Nehri'nin güzel bir manzarasını ve bol miktarda yemekle yıkanan arkadaşların buluşmasını göstererek mutlu ve rahat bir sahneyi detaylandırıyor. Canlandırılan kişilerin tamamı Renoir'ın yakın arkadaşlarıydı ve ekranda görünen kadınlardan biri yıllar sonra onun karısı oldu.
Bu sanatsal eğilim, anın sabitlenmesi yoluyla doğal ışıklandırmayı ve spontane sahneleri yakalamakla ilgiliydi. İzlenimciliğin sözde modern sanata ivme kazandıran avangard hareket olduğunu söyleyebiliriz.
13. Henry Ford Hastanesi (Uçan Yatak) Frida Kahlo tarafından
Frida Kahlo 20. yüzyılın ilk yarısında yaşamış önemli bir Meksikalı sanatçıydı.
Neredeyse her zaman otobiyografik olan resmi, acısını, büyük aşkını (ayrıca ressam Diego Rivera), kadın olmaktan duyduğu gururu ve Latin Amerika kökenlerini betimler.
Frida'nın üretimi, ressam böyle bir hareketin parçası olduğunu ve bir tür günah çıkarma sanatına daha yakın olduğunu reddetmesine rağmen, gerçeküstücülükle flört eden sembolizmler ve unsurlarla yüklüdür. O şöyle diyor:
Asla rüyalar veya kabuslar çizmem. Kendi gerçekliğimi çiziyorum.
adıyla anılan eserde Uçan Yatak, sanatçı, Diego'yu bekleyen bir çocuğunu kaybettiğinde hayatındaki acı verici bir olayı canlandırıyor.
Frida, yaşadığı sorunlar nedeniyle hamileliğini sürdüremediği için arka arkaya birkaç kez düşük yaşadı. çocukken edinildi - çocuk felci geçirdi - ve ergenlik döneminde ciddi bir kaza geçirdiğinde. tren.
Birkaç yıl önce Frida çoğu insan tarafından "keşfedildi" ve sanatın, hatta pop kültürünün ve feminist hareketin bir simgesi olarak kabul edildi.
14. Cândido Portinari'nin Göçmenleri
geri çekilenler bu ressamın işi candido portinari, São Paulo'nun iç kesimlerinde, Brodowski şehrinde doğdu.
Tuval 1944'te yaratıldı ve bir göçmen ailesini, kuraklık, yoksulluk ve bebek ölümlerinden kaçma umuduyla Kuzeydoğu bölgesinden başka yerlere göç eden insanları tasvir ediyor.
Kurak ve gri bir manzarada sanatçının zayıf, bitkin ve acılı ifade bedenlerini sergileme biçimi dikkat çekicidir.
İnsanların üzerinde ölümlerini bekler gibi uçan akbabalar var. Çocuklar yetersiz beslenmiş ve hasta olarak tasvir edilmiştir - sağ taraftaki, vücuduna orantısız bir göbeği olan, sulu bir göbeğe işaret eden çocuğa dikkat edin.
Bu eserle yıllar önce, yazar Graciliano Ramos'un 1938'de ürettiği ve aynı temayı işleyen Vidas Secas edebi eseri arasında bir paralellik kurabiliriz.
Portinari, diğer kaygılarının yanı sıra Brezilya halkına değer veren ve ülkenin sosyal sorunlarını kınayan büyük bir sanatçıydı.
15. Tarsila do Amaral konumundan Abaporu
abaporu Brezilya modernist hareketinin önde gelen isimlerinden sanatçı Tarsila do Amaral'ın bir prodüksiyonudur.
Eserin adı yerli kökenlidir ve sanatçıya göre yamyamla aynı anlama gelen "antropofag" anlamına gelir. Tarsila'nın kocası ve aynı zamanda bir sanatçı olan Oswald de Andrade, Brezilya'da modern sanat için antropofaj teorisinin temellerini bu çalışmanın bir sonucu olarak tanımladı.
Böyle bir teori, Brezilyalı sanatçıların Avrupa avangard hareketlerinin kaynağından içmelerini, ancak ulusal özelliklere sahip bir üretim geliştirmelerini önerdi. Dönemi tanımlayan ünlü bir ifade:
Bizi sadece antropofaj birleştirir.
Abaporu, eller ve ayaklar vurgulanarak manuel çalışmanın değerini getiriyor. Güçlü renkler, kaktüs ve güneş de tropik iklime ve manzaraya atıfta bulunur.
Siz de okuyun: Tarsila do Amaral'ın modernist eserleri
