O brasiliansk modernism det var en period då konstnärer var mycket intresserade av att förnya landets konst.
De sökte inspiration från de europeiska avantgarderna och producerade verk som dialogade med den nationella kulturen och bröt de estetiska standarder som gällde fram till dess.
Ett av periodens stora namn var Tarsila do Amaral, en avgörande figur i konsolideringen av denna konstnärliga trend i Brasilien.
Nedan kolla in tio viktiga modernistiska verk av Tarsila som vi presenterar i kronologisk ordning.
1. The Black, 1923
På jobbet den svarta, Tarsila visar figuren av en kvinna med väldefinierade drag, stora händer och fötter och ett litet huvud. Dessutom utforskar konstnären kubistiska element i bakgrunden.
I det här arbetet kan vi se framställningen av den svarta kvinnan som ett väsen som bär en tung social belastning, vilket kan ses av hennes melankoliska blick och hennes hängande bröst.
Bröstet som hänger från kroppen hänvisar till praktiken hos våta sjuksköterskor under slaveriet, där de förslavade kvinnorna ammade och tog hand om barnen till vita vita elitkvinnor.
Målningen är en olja på duk tillverkad 1923 - ett år efter veckan för modern konst - och mäter 100 x 80 cm. Det tillhör Museum of Contemporary Art Collection vid universitetet i São Paulo, i São Paulo.
2. Cuca, 1924
kompositionen cuca ger en figur närvarande i brasiliansk folklore och i befolkningens fantasi. Enligt legenden sägs det att cuca var en ond häxa med kroppen av en alligator som kidnappade olydiga barn.
Målad i livliga, tropiska färger påminner duken om barndomen; utställer några djur och en levande natur. Tillhör Pau-Brasil modernistiska fas, som föregår den antropofagiska rörelsen.
Detta är en skapelse från 1924, är 73 x 100 cm, gjord med oljefärg och finns i Grénoble-museet, Frankrike.
3. São Paulo (Gazo), 1924
Arbetet São Paulo (Gazo) den är också en del av Pau-Brasil-fasen i Tarsila, som är en av milstolparna under perioden.
I denna fas utforskar konstnären urbana element och modernisering av städer i kontrast till tropiska landskap och valorisering av fauna och flora.
Enligt historikern och konstnären Carlos Zilio:
I verk som den här lokaliserar Tarsila uppfattningen om Brasilien ur det perspektiv som öppnats av industrialiseringen.
Detta är en olja på duk från 1924, 50 x 60 cm stor och tillhör en privat samling.
4. Morro da Favela, 1924
Favela Hill tillhör Pau-Brasil-perioden. Den visar en favela med färgglada hus, träd och människor.
Det är ett arbete med social fördömelse, eftersom den fattiga befolkningen vid den tiden tvingades ge upp utrymme i stora centra och flytta till perifera områden. Det var vid den här tiden att det var en enorm ökning av slummen i landet.
Trots kritiken lyckas Tarsila skildra denna verklighet på ett lätt sätt, vilket föreslår harmoni och en idealisering av kullen som en idyllisk plats. Kompositionen är från 1924, mäter 64 x 76 cm och tillhör en privat samling.
5. Abaporu, 1928
Ett av Tarsilas mest kända verk är utan tvekan Abaporu. Namnet är en kombination av Tupi-ord flik (män), dörr (människor) och ú (äta), vilket betyder man som äter människoreller kannibal.
Det var tänkt med brasiliansk kultur i åtanke och visar en person som sitter i en reflekterande position. Figuren presenterar stora snedvridningar och införs i ett typiskt brasilianskt landskap, mer specifikt i nordöstra delen. Visar intensivt färgerna på den brasilianska flaggan.
Denna ram var drivkraften för en ny fas i den brasilianska modernismen: den antropofagiska rörelsen.
Abaporu producerades 1928 med olja på duk-tekniken och mäter 85 x 72 cm. Det finns för närvarande på Museum of Latin American Art i Buenos Aires (MALBA).
6. Urutu (ägget), 1928
Arbetet Urutu - också känd som Ägget - är full av symbolik. Den har en orm, som är ett mycket fruktat djur och har förmågan att svälja. Det finns också ett stort ägg som betyder att en idé föds, ett nytt projekt.
Dessa symboler är direkt relaterade till den modernistiska rörelsen som föddes i landet, särskilt med den antropofagiska fasen. Denna fas föreslog att "inta" idéerna från de konstnärliga avantgarderna som ägde rum i Europa och förvandla dem till en ny konst som handlar om nationell kultur.
Duken gjordes 1928. Målad i oljefärg, den mäter 60 x 72 cm och ingår i samlingen av Gilberto Chateaubriand-samlingen på Museum of Modern Art (MAM) i Rio de Janeiro.
7. Månen, 1928
I styrelsen Månen, presenterar konstnären ett nattlandskap med mättade färger och slingrande former. Månen och kaktusen visas på ett mycket stiliserat sätt.
Kompositionen, producerad 1928, tillhör den antropofagiska fasen i Tarsila och mäter 110 x 110 cm.
År 2019 förvärvades det av Museum of Modern Art i New York (MoMA) för ett orimligt belopp på 20 miljoner dollar (cirka 74 miljoner reais).
Det berömda galleriet utfärdade en anteckning som visade tillfredsställelse med förvärvet och uttryckte uppskattning för målarens arbete och sa:
Tarsila är en grundande figur för modern konst i Brasilien och en central huvudperson i denna rörelsas transatlantiska och kulturella utbyte.
8. Antropofagi 1929
I Antropofagi, Tarsila gick med i två tidigare producerade verk: den svarta (1923) och abaporu (1928). På den här duken slår konstnären samman de två figurerna, som om de var ömsesidigt beroende.
Här presenteras bilden av den svarta kvinnan med hennes huvud minskat, matchande huvudet på abaporu. Varelser är intrasslade som om de vore en och integreras med naturen.
Rafael Cardoso, konsthistoriker, definierar verket enligt följande:
I Antropofagia förändras inte saker. De är bara; de lever, med en fruktansvärd och solid beständighet som förankrar dem till marken.
Målningen målades 1929, är en olja på duk som mäter 126 x 142 cm och tillhör José e Paulina Nemirovsky-stiftelsen i São Paulo.
9. Arbetare, 1933
På 30-talet, med invandring och den kapitalistiska impulsen, landade många i storstadscentra - särskilt São Paulo - kommer från olika delar av Brasilien för att möta behovet av billig arbetskraft som fabriker krävde.
Vid denna tidpunkt börjar Tarsila sin sista modernistiska fas, kallad Social fas, där den utforskar teman av kollektiv och social natur. Här ifrågasätter hon motgångarna som följer av industrialiseringen, koncentrationen av rikedom i ett fåtal händer och exploateringen som många är föremål för.
Målaren gör sedan duken Arbetare, där han visar ansikten på olika människor, olika etniciteter, men som delar ett uttryck för utmattning. I denna komposition framträder folkmassan som ett porträtt av tidens fabriksarbetare.
Detta är ett verk från 1933, som mäter 150 x 205 cm och ligger i Palácio Boa Vista, i Campos do Jordão.
10. Andra klass, 1933
Tills dess Andra klass det tillhör också den sociala fasen.
Här porträtterar Tarsila människor på en järnvägsstation. I bakgrunden finns figuren av en kvinna med ett barn i famnen och en äldre man. Utanför bilen ser fyra kvinnor, tre män och fem barn trötta och hopplösa ut.
Scenen visar en mycket vanlig verklighet under perioden landsbygdsvandring, vilket är migrationen från landsbygden till städerna för individer som lämnar för att söka bättre levnadsförhållanden och möjligheter.
Färgerna som valts i kompositionen är grå och har inte längre intensiteten och livet i målarens andra modernistiska faser.
Detta är ett verk som produceras med olja på duk-tekniken, som mäter 110 x 151 cm och är en del av en privat samling.
För att upptäcka verk av andra stora artister, läs:
- Portinari fungerar du behöver veta
- Frida Kahlos mest spännande verk
- Verk av Salvador Dalí som kommer att imponera på dig
- Viktiga kubismens verk
- Mottagare: analys av arbetet
Vem var Tarsila do Amaral?
Tarsila do Amaral han föddes den 1 september 1886 i det inre av São Paulo, i staden Capivari. Han studerade konst i Europa och hade kontakt med stora mästare som var en del av den konstnärliga avantgarden i början av 1900-talet.
I mitten av 1920-talet återvände han till Brasilien och började producera verk med brasilianska teman. Vid den tiden gifte han sig med konstnären och kulturagitatorn Oswald de Andrade, med vilken han startar en omvandling av nationell konst, tillsammans med andra personligheter.
Tarsila dog 1973, 86 år gammal, och lämnade efter sig en konstnärlig produktion av enorm relevans för konsthistorien.
