Tarsila do Amaral figurerar bland de mest kända och hyllade namnen i nationell målning, som är en ikon för Brasiliansk modernism. Integrera flera typiska delar av Brasiliansk kultur, konstnären kunde producera sin egen kulturella identitet, som assimilerade trenderna i modern europeisk konst, samtidigt som de gav dem nationella färger.
Förutom den modernistiska perioden, hans mest kända verk, abaporu, symbol för det antropofagiska manifestet från 1928, är också den mest värdefulla målningen i historien om brasiliansk konst. Dessutom är Tarsila do Amaral en av de stora representanterna för latinamerikansk konst, med utställningar tillägnad henne som cirkulerar i stora museer runt om i världen.
Biografi
Tarsila do Amaral föddes den 1 september 1886 på gården São Bernardo, i kommunen Capivari (SP). I rik familj, arvtagare till stora landsbygdsfastigheter i det inre av São Paulo växte han upp tillsammans med sju syskon och lyssnade på sin mamma spela piano och sin far för att recitera dikter på franska, ett språk han lärde sig sedan barndomen. Hon skickades till huvudstaden för att studera vid Colegio Sion och sedan till Barcelona för att slutföra sina studier. I Spanien målade han sin första målning,
Jesu heliga hjärta.När hon kom tillbaka gifte hon sig med läkaren André Teixeira Pinto, som hon var förlovad med. Mannen blev störd av hans konstnärliga hantverk, han införde ett djärvt och inhemskt beteende på Tarsila. Efter födelsen av parets enda dotter, Dulce, bestämde sig Tarsila för att göra det separation. Tack vare det enorma inflytandet från hans familj - som alltid har stöttat hans karriär inom konsten - lyckades han 1925 att ogiltigförklaring av ditt äktenskap (eftersom skilsmässa inte tillåts enligt lag i Brasilien).
Sluta inte nu... Det finns mer efter reklam;)
År 1918 började det ha målarlektioner i Pedro Alexandrinos studio, där han träffade målaren Anita Malfatti. 1920 lämnade han till Paris, där han stannade fram till juni 1922, studerade vid Académie Julien och tog lektioner med målaren Emile Renard. Var från brev från Malfatti som Tarsila blev medveten om Modern Art Week, som ägde rum i februari 1922.
Tillbaka till São Paulo, Malfatti introducerade Tarsila för modernistiska artister, och den "grupp på fem”: Anita Malfatti, Oswald de Andrade, mario de andrade, Menotti del Picchia och Tarsila do Amaral. Under denna period inledde Tarsila och Oswald ett romantiskt förhållande och gjorde ett officiellt äktenskap några år senare. Det var vid denna tidpunkt som Tarsila började producera modern konst.
I slutet av 1922 återvände Tarsila till Paris, den här gången att studera med kubistiska mästare Albert Gleizes och Fernand Léger. Den fransk-schweiziska poeten Blaise Cendrars introducerade Tarsila och Oswald för hela den parisiska intelligensen, inklusive stora namn som Picasso, paret Delaunay och musikerna Stravinsky och Erik Satie. Under denna nya vistelse i Frankrike blev Tarsila vän med andra brasilianska artister som var där, som Villa-Lobos och Di Cavalcanti, och även med beskyddare Paulo Prado och Olivia Guedes Penteado.
År 1925 släppte Oswald sin poesi med titeln Brazilwood, med illustrationer av Tarsila. Oscillerande mellan de stora årstiderna i Europa och resor runt Brasilien på jakt efter att fånga de nationella färgerna för sina dukar, hade premiär 1926 med en separatutställning i Parisfår mycket positiva recensioner.
Den stora 1929-krisenhade dock olycksbådande konsekvenser för Tarsila. Hans familj av bönder, som tillhandahöll nödvändiga resurser för så många resor till Frankrike, var påverkas av kaffekrisen och tvingas sälja fastigheterna. Tarsila förlorade nästan hela sin förmögenhet och bortom det, separerad från Oswald, sedan kär i studenten Patrícia Galvão, Pagu. Tarsila fick jobb i Sacao Paulo Pinacoteca, en situation som inte heller varade länge, eftersom hon fick sparken med ankomsten av Getulio Vargas till makten 1930.
Arbetslös och utan pengar, sålde hon några målningar och reste 1931 till Sovjetunionentillsammans med sin nya make, psykiateren Osório César. Under denna resa, Tarsila utvecklat en ny politisk uppfattning, mer riktad mot sociala frågor. Därefter åkte hon till Paris, där hon faktiskt upplevde arbetserfarenheten och arbetade som väggmålare i byggnader.
Tarsila skilde sig ännu en gång och gifte sig med författaren Luiz Martins, tjugo år yngre än henne. Äktenskapet varade fram till 1960-talet eller så. 1965, på grund av svår ryggsmärta, målaren genomgick ett kirurgiskt ingrepp, men på grund av ett medicinskt fel kunde han inte gå. Året därpå dog hennes dotter av diabetes, vilket djupt skakade Tarsila. Hoppade in i sorg och depression, fann Tarsila spiritism en lättnad - hon blev vän med Chico Xavier och började donera, till en välgörenhetsinstitution som hanterades av honom, allt hon tog upp från försäljningen av hennes arbete.
Tarsila do Amaral dog i São Paulo den 17 januari 1973.
Läs också: Modernism i Brasilien - egenskaper, faser, verk
Tarsila och modernism
Även om han inte deltog aktivt i Modern Art Week 1922 blev Tarsila stort namn i den nationella modernismens plastkonst. Det var bara från hennes möte med modernistiska konstnärer som Tarsila faktiskt utvecklade den stil hon var känd för.
Hans resor genom Brasilien, särskilt genom det inre av São Paulo och Minas Gerais, 1923, gav honom inspiration för sin första påverka kompositioner kubistisk, i stiliserade geometriska former, med hjälp av de färger som betraktades som "hillbilly" av sina tidigare mästare, kopplade till akademisk målning.
I följande utdrag avslöjar Tarsila sina avsikter och sitt engagemang för sökandet efter en verkligt brasiliansk konst, modernistiskt företag par excellence:
”Jag känner mig mer och mer brasiliansk: jag vill vara mitt lands målare. Hur jag är tacksam för att ha tillbringat hela min barndom på gården. Den tidens påminnelser blir dyrbara för mig. Inom konst vill jag vara São Bernardos caipirinha [från gården] och leka med vilda dockor, som i den senaste målningen jag målar. ”
(Brev från Tarsila do Amaral till familjen under hennes vistelse i Paris 1924)
Tarsila do Amarals arbete är uppdelat i tre huvudfaser: den första, kallad brazilwood; den andra, antropofagiskoch det tredje avtryck Social.
redwood-fas
Det är relaterat till verk som producerats mellan 1924 och 1928, från resor till Rio de Janeiro, under karnevalen och till de historiska städerna Minas Gerais. Det är tillämpningen av sådana "Färger på bandet", avvisas av akademiska mästare och Tarsilas stora avsikt i representerar Brasilien på landsbygden och i städerna i dina bilder. Verken från denna fas avslöjar kubismens inflytande och teman som är framför allt brasilianska landskap, Till exempel Favela Hill (1924) och Sao Paulo (1924).
Antropofagisk fas
Det började 1928, från det ikoniska arbetet abaporu - vars namn är kombinationen av orden "aba" och "poru", vilket betyder "man som äter" på Tupi-Guarani. Målad som en födelsedagspresent till sin dåvarande man, Oswald de Andrade, blev det mycket mer än det: det var det huvudsakliga inspiration för skrivandet av det antropofagiska manifestet och för början av en konstnärlig rörelse som hade exponenter i olika segment av nationell konst.
Den centrala idén med det antropofagiska projektet var sluka influenser från den europeiska kulturen, eftersom de inte gällde brasilianska förhållanden och från att svälja, ändra vad som slukadessom producerar verkligt nationell konst.
Tarsilas antropofagiska målning blandar den moderna inlärningen av kubismen med ett universum av mystisk och drömlik täthet, ganska rotad i brasiliansk kultur, använder Livfulla färger, som rött, lila, grönt och gult. De är en del av denna fas, förutom abaporu (1928), verken den svarta (1923), som förutsåg denna fas, Ägget [Urutu] (1928), Månen (1928), Skog (1929), Solnedgång (1929), bland andra.
social fas
Efter sin tid i Sovjetunionen och efter att ha arbetat som byggnadsväggmålare i Frankrike började Tarsila reflektera över sina tematiska verk relaterade till proletariat, à social ojämlikhet, vid förtryck drabbats av arbetarna, till problem med industriell kapitalism.
Styrelsen arbetarna (1933) inviger denna nya bildfas som kännetecknas av användning av mer nykter och gråare färger, en återspegling av hopplösheten hos dem som, trots att de arbetade outtröttligt, inte hade tillgång till basvaror som hälsa och utbildning. Målningarna anses också vara en stor ikon i denna fas. Andra klass (1933) och sömmerskor (1936).
Läs också:Kubism - den konstnärliga avantgarde som påverkade Tarsila
Huvudarbeten
- den svarta (1923)
- cuca (1924)
- Favela Hill (1924)
- Sao Paulo (1924)
- papayaträdet (1925)
- Självporträtt (Manteau Rouge) (1925)
- Manaca (1927)
- abaporu (1928)
- Ägget (Urutu) (1928)
- Distans (1928)
- Månen (1928)
- Sova (1928)
- Antropofagi (1929)
- Solnedgång (1929)
- Skog (1929)
- Vykort (1929)
- Arbetare (1933)
- Andra klass (1933)
av Luiza Brandino
Litteraturlärare
