Slikarstvo je ena najbolj tradicionalnih in cenjenih vrst umetnosti na svetu. Z njim so veliki umetniki izražali ideje in občutke ter tako pustili neprecenljivo zapuščino.
Po besedah španskega slikarja Pabla Picassa:
Slikanje ni nikoli proza. Poezija je napisana s plastičnimi verznimi verzi.
Izbrali smo 15 slik iz oljne barve, ki so vstopile v zgodovino zahodne umetnosti. Takšna dela se ohranjajo kot kulturni simboli bodisi zato, ker prinašajo umetniške novosti, politična vprašanja ali ker predstavljajo težnje in čustva, skupna človeštvu.
1. Mona Lisa Leonarda Da Vincija
Tabla Mona Lisa - z naslovom THE Gioconda prvotno - je stvaritev Leonardo da Vinci, ena najslavnejših osebnosti italijanske renesanse.
V njem je ženska upodobljena s skrivnostnim izrazom obraza, ki kaže zelo zanimiv rahel nasmeh, ki nas vabi, da si predstavljamo, kakšne bi lahko bile njene misli in občutki. Je Mona Lisa pokazala zadovoljstvo, nedolžnost ali določeno aroganco?
Številni teoretiki in umetniški kritiki so poskušali razkriti to skrivnost in več umetniških produkcij je bilo narejen po navdihu te slike, ki jo lahko štejemo za eno največjih mojstrovin v zgodovini umetnosti zahodni.
2. Guernica Pabla Picassa
Guernica je ena najbolj emblematičnih slik španskega slikarja Pabla Picassa, velikega predstavnika kubizma.
V tem delu prikazuje grozote španske državljanske vojne, zlasti bombardiranje baskovskega mesta Guernica 26. aprila 1937.
To veliko platno je postalo simbol v boju proti vsem vrstam vojne in revolucioniralo zgodovinsko slikarstvo, saj trpljenje obravnava brezčasno.
3. Poljub Gustava Klimta
Platno, ki ga je naslikal Avstrijec Gustav Klimt leta 1907 je znano delo v zgodovini umetnosti. Ta slika je bila neprestano reproducirana in žigosana na predmetih, kar predstavlja ikono zahodne kulture.
Delo je del tako imenovane "zlate faze" v Klimtovi umetniški produkciji, ko v svojih kompozicijah zlorablja peneče elemente, ki se nanašajo na drage kamne in celo zlate liste.
V Poljub, par je upodobljen (kar bi bil umetnik sam in njegova žena) v prepletenem položaju, kar kaže na naklonjenost in toplino.
Vendar pa je s podrobnejšim pogledom mogoče tudi opaziti, da se moški skloni nad ljubljeno, ki je aktivna figura v tem objemu, in da bi bila ženska, ki bi klečala, znak podrejenosti ženske.
4. Krik Edvarda Muncha
Krik je najbolj znana slika Edvarda Muncha, norveškega slikarja. To delo so sčasoma reproducirali, tudi drugi umetniki, kot je Andy Warhol.
Njegov uspeh je bil verjetno zato, ker je Munch lahko zelo uspešno prikazal občutek tesnobe in osamljenosti, ki so mu ljudje izpostavljeni.
Slikar je z barvami, oblikami in črtami v to kompozicijo vgradil simbol človeškega obupa, ki je hkrati ikona ekspresionističnega avantgardnega gibanja.
5. Jackson Pollock št. 5
Leta 1948 je v povojnem obdobju Američan Jackson Pollock izdelal platno z naslovom Št. 5.
Umetnik je bil eden od predhodnikov abstraktnega ekspresionizma, umetniškega gibanja, ki se je pojavilo v 40. letih v ZDA.
To delo je bilo narejeno s tehniko kapljanje (kaplja), slikar ga je veliko raziskal. Metoda je sestavljena iz vlivanja tekoče barve na velika platna, raztegnjena na tleh. Na ta način slikar izvaja obsežne telesne gibe, skoraj tako, kot da bi v trenutku »vstopil« v delo.
Maja 2006 je bila slika prodana za neverjetnih 140 milijonov dolarjev, kar je bila najvišja cena za sliko do leta 2011.
6. Dekleta Diega Velázqueza
Sprva naslovljen Družina Filipa IV, plošča Dekleta, je leta 1656 naslikal umetnik Diego Velázquez. To delo predstavlja zlato dobo slikarja, rojenega v mestu Sevilla v Španiji.
Slika prikazuje možno vsakdanje dvorno prizorišče iz 17. stoletja. Na videz preprosto platno vsebuje vrsto elementov, ki jih mora gledalec "odkriti", zaradi česar je eno najglobljih del v zgodovini umetnosti.
Na sliki se je slikar upodobil, ko je delal na platnu, ki so ga naročili kralji Filipe IV in Mariana in se odraža v ogledalu v zadnji sobi. Ta funkcija nam daje tudi občutek, da bi bili gledalci samega dela.
7. Krompirjevci Vincenta Van Gogha
To delo je leta 1885 ustvaril Vincent Van Gogh, Nizozemski slikar postimpresionizma in ekspresionizma. Danes Van Gogh, ki je bil zelo priznan, je bil samotni umetnik in v življenju ni imel veliko priznanja.
Zadevna slika prikazuje kmečko družino, ki se prehranjuje v svojem skromnem domu, osvetljenem s slabo svetilko. Gre za dobro znano slikarjevo delo, ki prikazuje tehnični razvoj njegovega slikarstva in vtisne ekspresionistične značilnosti, ki bi postale njegov zaščitni znak.
Poleg tega kaže veliko zanimanje za socialna in humanitarna vprašanja. Po besedah umetnika samega:
Želel sem se zavestno posvetiti izražanju ideje, da so tudi ti ljudje, ki v tej luči krompir jedo z rokami, obdelovali zemljo. Moja slika zato pohvali ročno delo in hrano, ki so si jo tako pošteno zaslužili.
8. Vztrajnost spomina Salvadorja Dalíja
Salvador Dali je bil katalonski slikar, ki je bil del nadrealizma v Evropi. Ena njegovih najbolj znanih slik je THEVztrajnost spomina.
V tem delu Dalí predstavlja pretok časa skozi moteč lik stopljenih ur v sušni pokrajini, brezoblično telo, mravlje in muho.
V ozadju je mogoče opaziti tudi pečino in morje, pokrajino, ki se sklicuje na kraj izvora, Katalonijo.
To delo najdemo od leta 1934 v Muzeju moderne umetnosti v New Yorku v ZDA.
9. Vtis, vzhajajoče sonce Claude Monet
Claude Monet, pomemben slikar impresionizma, evropskega avantgardnega umetniškega gibanja, je to delo zasnoval leta 1872.
Sestava je mejnik v slikarstvu, saj prikazuje nov način ščetkanja, tako da zabeleži trenutek, ko sonce prečka meglo v zalivu Le Havre v Normandiji.
Lahko rečemo, da je novost, ki je bila prisotna v tem delu, revolucionirala slikarstvo.
Tedanji tisk se je odzval proti novemu slogu in je to platno ocenil kot "nedokončano" delo. Razstavo, na kateri je bila prikazana, so pogumno imenovali "impresionistična razstava" in izvolili Tisk, vzhajajoče sonce kot največja tarča kritike. Zaradi te epizode je bil impresionistični tok imenovan tako.
10. Usmrtitve Francisca de Goye 3. maja
Usmrtitve treh maja, tri maja 1808 v Madridu ali usmrtitve gore Principe Pío, je slika španskega slikarja Francisca de Goye.
Na tej sliki Francisco de Goya predstavlja impresiven portret genocida, ki se je zgodil v Madridu leta 1808. Ta dogodek je bil posledica tako imenovane polotočne vojne (1807-1814), ko je Napoleon Bonaparte napadel Španijo.
Dan pred tem strašnim pobojem so se nekateri iz Madrida spopadli z napoleonskimi četami. Z orožjem bližnjega tipa so se soočili s sovražno konjenico in bili ostro potlačeni.
To epizodo je v delu upodobil tudi Goya 2. maja v Madridu in tvorijo duet z Streljanje 3. maja.
Kot grajo "drznosti" civilistov je bil izveden pokol, ki je dosegel vrhunec v smrti neštetih nedolžnih. Goya, ki je živel zelo blizu kraja, je bil priča takim epizodam in leta kasneje zasnoval to platno, ki bo postalo mejnik v umetnostni zgodovini in obsodba vojnih grozot - vplivanje na druge umetnike, kot je Picasso v produkciji svojega Guernica.
Na vprašanje, zakaj je naslikal ta grozodejstva, je Goya odgovoril:
Da bi z veseljem moškim večno govorili, naj ne bodo barbari.
11. Mlado dekle z bisernim uhanom Johannesa Vermeerja
Tabla Deklica z bisernim uhanom velja za "nizozemsko Mona Lizo", saj prikazuje tudi žensko figuro, zavito v skrivnostno vzdušje.
Nizozemski umetnik Johannes Vermeer naj bi ta portret ustvaril leta 1665 - platno ni bilo datirano. V njem opazujemo deklico, ki se nas z vedrim in čednim zrakom ozre nazaj in na razprte ustnice prinese sijaj.
Druga domneva je o okrasu na glavi mlade ženske. Takrat turban ni bil več uporabljen, zato se domneva, da je Vermeerja navdihnilo drugo delo, fant v turbanu, ki ga je leta 1655 naslikal Michael Sweerts.
To je slikarjevo najbolj znano delo, ki je navdihnilo produkcijo knjige in filma, oba z istim imenom kot slika.
12. Kosilo čolnarjev Pierre-Auguste Renoir
Leta 1881 je Pierre-Auguste Renoir zaključi s slikanjem okvirja Kosilo navtikov, pomemben eksponent impresionističnega gibanja.
Slikar v delu izpostavi srečen in sproščen prizor, tako da prikaže srečanje prijateljev, umitih z veliko hrane, in čudovit razgled na reko Seno. Vsi upodobljeni ljudje so bili Renoirjevi tesni prijatelji, ena od žensk, ki se pojavi na zaslonu, pa je leta kasneje postala njegova žena.
Ta umetniški trend se je ukvarjal z zajemanjem naravne svetlobe in spontanih prizorov skozi fiksiranje trenutka. Lahko rečemo, da je bil impresionizem avantgardno gibanje, ki je spodbudilo tako imenovano moderno umetnost.
13. Bolnišnica Henry Ford (Leteča postelja) avtor Frida Kahlo
Frida Kahlo je bil pomemben mehiški umetnik, ki je živel v prvi polovici 20. stoletja.
Njena slika, ki je skoraj vedno avtobiografska, prikazuje njeno bolečino, njeno veliko ljubezen (tudi slikarja Diega Rivero), njen ponos, ker je ženska in zaradi svojega latinskoameriškega izvora.
Fridina produkcija je nabita s simbolikami in elementi, ki se spogledujejo z nadrealizmom, čeprav slikar zanika, da bi bil del takšnega gibanja in da bi bil bližje vrsti izpovedne umetnosti. Navaja:
Nikoli ne slikam sanj ali nočnih mor. Slikam si svojo resničnost.
V delu, ki je postalo znano kot Leteča postelja, umetnica prikazuje bolečo epizodo v svojem življenju, ko izgubi otroka, ki je čakal na Diega.
Frida je doživela več zaporednih splavov, saj zaradi težav z nosečnostjo ni mogla vzdrževati nosečnosti pridobil kot otrok - zbolel je za otroško paralizo - in v mladosti, ko je doživel hudo nesrečo. vlak.
Pred nekaj leti je Frido "odkrila" večina ljudi in je veljala za ikono umetnosti in celo pop kulture ter feminističnega gibanja.
14. Izseljenci iz Cândida Portinarija
umikajočih se to je slikarsko delo Cândido Portinari, rojen v notranjosti Sao Paula v mestu Brodowski.
Platno je bilo ustvarjeno leta 1944 in prikazuje družino priseljencev, ljudi, ki se iz severovzhodne regije preselijo v druge kraje v upanju, da se bodo izognili suši, revščini in umrljivosti dojenčkov.
Način, kako umetnik prikazuje tanka, izčrpana in boleča izrazna telesa v suhi in sivi pokrajini, je impresiven.
Jastrebi letijo nad ljudmi, kot da bi čakali na smrt. Otroci so upodobljeni podhranjeni in bolni - upoštevajte fanta na desni strani, ki ima trebuh, ki je nesorazmeren telesu, znak vodnega trebuha.
Lahko naredimo vzporednico med tem delom in literarnim delom Vidas Secas, ki ga je leta 1938 napisal pisatelj Graciliano Ramos in se ukvarja z isto temo.
Portinari je bil odličen umetnik, ki je med drugim skrbel za Brazilce in obsojal socialne probleme države.
15. Abaporu iz Tarsila do Amaral
abaporu je uprizoritev umetnice Tarsile do Amaral, pomembne osebe v brazilskem modernističnem gibanju.
Ime dela je avtohtonega izvora in po umetnikovih besedah pomeni "antropofag" - kar je enako kot kanibal. Kot rezultat tega dela je Oswald de Andrade, Tarsilin mož in tudi umetnik, opredelil osnove antropofagične teorije moderne umetnosti v Braziliji.
Takšna teorija je predlagala, da brazilski umetniki pijejo iz virov evropskih avantgardnih gibanj, vendar razvijajo produkcijo z nacionalnimi značilnostmi. Znana fraza, ki opredeljuje obdobje, je:
Združuje nas le antropofagija.
Abaporu prinaša vrednost ročnega dela s poudarjenimi rokami in nogami. Močne barve, kaktus in sonce omenjajo tudi tropsko podnebje in pokrajino.
Preberite tudi: Modernistična dela Tarsile do Amaral
