Pictura este unul dintre cele mai tradiționale și apreciate tipuri de artă din lume. Prin intermediul lui mari artiști și-au exprimat ideile și sentimentele, lăsând astfel o moștenire de neprețuit.
Potrivit pictorului spaniol Pablo Picasso:
Pictura nu este niciodată proză. Poezia este scrisă cu versuri de rimă plastică.
Am selectat 15 picturi realizate în vopsea în ulei care au intrat în istoria artei occidentale. Astfel de lucrări sunt perpetuate ca simboluri culturale, fie pentru că aduc inovații artistice, întrebări politice, fie pentru că reprezintă aspirații și sentimente comune umanității.
1. Mona Lisa de Leonardo Da Vinci
Consiliul Mona Lisa - intitulat THE Gioconda inițial - este o creație a Leonardo da Vinci, una dintre cele mai celebre personalități ale Renașterii italiene.
În ea, o femeie este portretizată cu o enigmatică expresie facială, prezentând un zâmbet ușor foarte interesant care ne invită să ne imaginăm care ar putea fi gândurile și sentimentele ei. Mona Lisa arăta satisfacție, inocență sau o anumită aroganță?
Mulți teoreticieni și critici de artă au încercat să dezvăluie acest mister și au existat mai multe producții artistice realizat inspirat din această pictură care poate fi considerată una dintre cele mai mari capodopere din istoria artei occidental.
2. Guernica de Pablo Picasso
Guernica este una dintre cele mai emblematice picturi ale pictorului spaniol Pablo Picasso, un mare exponent al cubismului.
În această lucrare, el înfățișează ororile războiului civil spaniol, în special bombardarea orașului basc Guernica din 26 aprilie 1937.
Această mare pânză a devenit un simbol în lupta împotriva tuturor tipurilor de război și a revoluționat pictura istorică, deoarece tratează suferința într-un mod atemporal.
3. Sărutul lui Gustav Klimt
Pânza, pictată de austriac Gustav Klimt în 1907, este o operă celebră în istoria artei. Această pictură a fost reprodusă și ștampilată pe obiecte neîncetat, reprezentând o icoană a culturii occidentale.
Lucrarea face parte din așa-numita „fază de aur” din producția artistică a lui Klimt, când abuzează de elementele spumante care fac referire la pietre prețioase și chiar frunze de aur în compozițiile sale.
În Sarutul, este prezentat un cuplu (care ar fi artistul însuși și soția sa), într-o poziție împletită, sugerând afecțiune și căldură.
Cu toate acestea, cu o privire mai atentă, este de asemenea posibil să observăm că bărbatul se apleacă asupra iubitei, fiind figura activă în această îmbrățișare, iar femeia, îngenuncheată, ar fi un semn al supunerii feminine.
4. Țipătul lui Edvard Munch
Țipătul este cel mai faimos tablou de Edvard Munch, un pictor norvegian. Această lucrare a fost reprodusă de-a lungul timpului, inclusiv de alți artiști precum Andy Warhol.
Succesul său s-a datorat probabil faptului că Munch a reușit să descrie cu succes sentimentul de angoasă și singurătate la care sunt supuși oamenii.
Cu culori, forme și linii, pictorul a construit un simbol al disperării umane în această compoziție, care este, de asemenea, o icoană a mișcării expresioniste de avangardă.
5. Jackson Pollock nr. 5
În 1948, în perioada postbelică, americanul Jackson Pollock a produs pânza intitulată Nr. 5.
Artistul a fost unul dintre precursorii expresionismului abstract, o mișcare artistică care a apărut în anii 40 în SUA.
Această lucrare a fost realizată folosind tehnica picurând (picurare), mult explorat de pictor. Metoda constă în turnarea vopselei lichide pe pânze mari întinse pe podea. În acest fel, pictorul execută ample mișcări corporale, aproape de parcă ar fi „intrat” în operă în momentul creației.
În mai 2006, tabloul a fost vândut cu 140 de milioane de dolari, cel mai mare preț plătit pentru o pictură până în 2011.
6. Fetele lui Diego Velázquez
Intitulat inițial Familia lui Filip al IV-lea, tabla Fetele, a fost pictat în 1656 de artistul Diego Velázquez. Această lucrare reprezintă epoca de aur a pictorului, născut în orașul Sevilia, Spania.
Pictura descrie o scenă de curte posibil din secolul al XVII-lea. Aparent simplu, pânza poartă o serie de elemente care urmează să fie „descoperite” de privitor, ceea ce o face una dintre cele mai profunde opere din istoria artei.
În pictură, pictorul s-a înfățișat lucrând la o pânză comandată de regii Filipe IV și Mariana, care se reflectă într-o oglindă din fundul camerei. Această caracteristică ne oferă, de asemenea, sentimentul că ar fi spectatori ai operei în sine.
7. Mancatorii de cartofi ai lui Vincent Van Gogh
Această lucrare a fost produsă în 1885 de Vincent Van Gogh, Pictor olandez de postimpresionism și expresionism. Mult apreciat astăzi, Van Gogh a fost un artist solitar și a avut foarte puțină recunoaștere în viața sa.
Pictura în cauză descrie o familie de țărani care mănâncă în casa lor umilă, luminată de o lampă slabă. Este o lucrare binecunoscută a pictorului și prezintă evoluțiile tehnice ale picturii sale, imprimând caracteristici expresioniste care ar deveni marca sa comercială.
În plus, el arată un mare interes pentru problemele sociale și umanitare. Potrivit artistului însuși:
Am vrut să mă dedic în mod conștient exprimării ideii că acești oameni care, în această lumină, își mănâncă cartofii cu mâinile, au lucrat și pământul. Imaginea mea, prin urmare, ridică munca manuală și mâncarea pe care ei înșiși le-au câștigat cu cinste.
8. Persistența memoriei lui Salvador Dalí
Salvador Dali a fost un pictor catalan care a făcut parte din suprarealismul din Europa. Una dintre cele mai faimoase picturi ale sale este THEPersistența memoriei.
În această lucrare, Dalí reprezintă trecerea timpului prin figura tulburătoare a ceasurilor topite într-un peisaj arid, un corp fără formă, furnici și o muscă.
În fundal, este de asemenea posibil să observăm prezența unei stânci și a mării, un peisaj care face referire la locul său de origine, Catalonia.
Această lucrare a fost găsită din 1934 la Muzeul de Artă Modernă din New York, în Statele Unite.
9. Impression, Rising Sun de Claude Monet
Claude Monet, un important pictor al impresionismului, o mișcare artistică de avangardă europeană, a conceput această lucrare în 1872.
Compoziția este un reper în pictură, deoarece prezintă un nou mod de periere prin înregistrarea momentului în care soarele traversează ceața din Golful Le Havre, în Normandia.
Se poate considera că inovația prezentă în această lucrare a revoluționat pictura.
Reacția presei de atunci a fost împotriva noului stil și a considerat această pânză o operă „neterminată”. Expoziția în care a fost prezentată a fost numită peiorativ „expoziția impresionistă” și aleasă Tipărire, Soare Răsare ca cea mai mare țintă a criticilor. Din cauza acestui episod, curentul impresionist a fost numit astfel.
10. Execuțiile lui Francisco de Goya din 3 mai
Execuțiile din Trei Mai, Trei Mai 1808 la Madrid sau Execuțiile Muntelui Príncipe Pío, este un tablou al pictorului spaniol Francisco de Goya.
În acest tablou, Francisco de Goya prezintă un portret impresionant al genocidului care a avut loc la Madrid, în anul 1808. Acest eveniment a fost o consecință a așa-numitului război peninsular (1807-1814), când Napoleon Bonaparte a invadat Spania.
Cu o zi înainte de acest teribil masacru, unii din Madrid s-au ciocnit cu trupele napoleoniene. Folosind doar arme de corp la corp, au înfruntat cavaleria inamică și au fost aspru aspru.
Acest episod a fost portretizat și de Goya în lucrare 2 mai la Madrid și formează un duet cu Împușcăturile din 3 mai.
Ca o mustrare pentru „îndrăzneala” civililor, masacrul care a culminat cu moartea a nenumărați inocenți a fost efectuat. Goya, care locuia foarte aproape de locul respectiv, a asistat la astfel de episoade și ani mai târziu a conceput această pânză, care va deveni o reper în istoria artei și un denunț al ororilor războiului - influențând alți artiști precum Picasso în producție de dumneavoastră Guernica.
Când a fost întrebat de ce a pictat aceste atrocități, Goya a răspuns:
Să ai plăcerea să le spui oamenilor pentru totdeauna să nu fie barbari.
11. Fată tânără cu cercei perle de Johannes Vermeer
Consiliul Fată cu cercei cu perle este considerată „Mona Lisa olandeză”, deoarece prezintă și o figură feminină învăluită într-o atmosferă misterioasă.
Se crede că Johannes Vermeer, un artist olandez, a produs acest portret în 1665 - pânza nu a fost datată. În el, observăm o fată care se uită înapoi la noi cu un aer senin și cast, aducând o strălucire buzelor ei desprinse.
O altă presupunere este despre podoaba de pe capul tinerei. În acel moment nu mai era folosit un turban, deci se speculează că Vermeer a fost inspirat de o altă lucrare, băiat într-un turban, pictată de Michael Sweerts în 1655.
Aceasta este cea mai cunoscută lucrare a pictorului și a inspirat producția unei cărți și a unui film, ambele cu același nume ca pictura.
12. Prânzul barcilor de Pierre-Auguste Renoir
În 1881, Pierre-Auguste Renoir termină pictarea cadrului Prânzul Barcătorilor, exponent important al mișcării impresioniste.
În lucrare, pictorul elaborează o scenă fericită și relaxată, arătând o întâlnire între prieteni spălați cu multă mâncare și o priveliște frumoasă a râului Sena. Toți cei prezenți erau prieteni apropiați ai lui Renoir și una dintre femeile care apare pe ecran a devenit soția lui ani mai târziu.
Această tendință artistică a fost preocupată de captarea iluminării naturale și a scenelor spontane prin fixarea momentului. Putem spune că impresionismul a fost mișcarea de avangardă care a dat un impuls așa-numitei arte moderne.
13. Spitalul Henry Ford (Patul zburător) de Frida Kahlo
Frida Kahlo a fost un important artist mexican care a trăit în prima jumătate a secolului XX.
Pictura ei, aproape întotdeauna autobiografică, descrie durerea, marea ei dragoste (și pictorul Diego Rivera), mândria ei de a fi femeie și de originile sale latino-americane.
Producția lui Frida este încărcată de simboluri și elemente care cochetează cu suprarealismul, deși pictorul neagă că ar fi parte a unei astfel de mișcări și că ar fi mai aproape de un tip de artă confesională. Ea afirmă:
Nu pictez niciodată vise sau coșmaruri. Îmi pictez propria realitate.
În lucrarea care a devenit cunoscută sub numele de Patul zburător, artista înfățișează un episod dureros din viața ei, când pierde un copil care îl aștepta pe Diego.
Frida a suferit mai multe avorturi consecutive, deoarece nu a reușit să mențină sarcina din cauza problemelor cu dobândit în copilărie - a contractat poliomielită - și în adolescență, când a suferit un accident grav. tren.
În urmă cu câțiva ani, Frida a fost „descoperită” de majoritatea oamenilor și a fost considerată o icoană a artei și chiar a culturii pop și a mișcării feministe.
14. Emigranții lui Cândido Portinari
pensionarii este o lucrare a pictorului Cândido Portinari, născut în interiorul orașului São Paulo, în orașul Brodowski.
Pânza a fost creată în 1944 și descrie o familie de migranți, oameni care se mută din regiunea de nord-est în alte locuri în speranța de a scăpa de secetă, sărăcie și mortalitate infantilă.
Modul în care artistul afișează corpurile de expresie subțiri, epuizate și dureroase într-un peisaj arid și gri este izbitor.
Există vulturi care zboară peste oameni, ca și când ar fi așteptat moartea lor. Copiii sunt descriși subnutriți și bolnavi - observați băiatul din partea dreaptă, care are o burtă disproporționată față de corp, semn al burticii apoase.
Putem face o paralelă între această operă și opera literară Vidas Secas, produsă cu ani înainte, în 1938, de scriitorul Graciliano Ramos și care tratează aceeași temă.
Portinari a fost un mare artist care a apreciat, printre alte preocupări, poporul brazilian și a denunțat problemele sociale ale țării.
15. Abaporu din Tarsila do Amaral
abaporu este o producție a artistului Tarsila do Amaral, o figură proeminentă în mișcarea modernistă braziliană.
Numele operei este de origine indigenă și, potrivit artistului, înseamnă „antropofag” - care este același cu canibalul. Ca urmare a acestei lucrări, Oswald de Andrade, soțul Tarsilei și, de asemenea, artist, definește bazele teoriei antropofagice pentru arta modernă din Brazilia.
O astfel de teorie propunea ca artiștii brazilieni să bea din sursa mișcărilor avangardiste europene, dar să dezvolte o producție cu caracteristici naționale. O expresie faimoasă care definește perioada este:
Doar antropofagia ne unește.
Abaporu aduce valoarea muncii manuale, cu mâinile și picioarele evidențiate. Culorile puternice, cactusul și soarele fac, de asemenea, aluzie la climatul și peisajul tropical.
Citește și: Lucrări moderniste de Tarsila do Amaral
