Schilderen is een van de meest traditionele en gewaardeerde kunstvormen ter wereld. Hierdoor uitten grote kunstenaars ideeën en gevoelens en lieten zo een onschatbare erfenis na.
Volgens de Spaanse schilder Pablo Picasso:
Schilderen is nooit proza. Het is poëzie die is geschreven met plastische rijmverzen.
We selecteerden 15 schilderijen gemaakt in olieverf die de geschiedenis van de westerse kunst zijn binnengekomen. Dergelijke werken worden in stand gehouden als culturele symbolen, hetzij omdat ze artistieke innovaties of politieke vragen met zich meebrengen, hetzij omdat ze aspiraties en gevoelens vertegenwoordigen die de mensheid gemeen hebben.
1. Mona Lisa van Leonardo Da Vinci
Het bord Mona Lisa - recht hebben DE Gioconda oorspronkelijk - is een creatie van Leonardo da Vinci, een van de meest gevierde persoonlijkheden van de Italiaanse Renaissance.
Daarin wordt een vrouw afgebeeld met een raadselachtige gezichtsuitdrukking, met een zeer intrigerende lichte glimlach die ons uitnodigt om ons voor te stellen wat haar gedachten en gevoelens zouden kunnen zijn. Toonde Mona Lisa voldoening, onschuld of een zekere arrogantie?
Veel theoretici en kunstcritici probeerden dit mysterie te ontrafelen en verschillende artistieke producties waren gemaakt geïnspireerd door dit schilderij dat kan worden beschouwd als een van de grootste meesterwerken in de kunstgeschiedenis westers.
2. Guernica door Pablo Picasso
Guernica is een van de meest emblematische schilderijen van de Spaanse schilder Pablo Picasso, een grote exponent van het kubisme.
In dit werk portretteert hij de verschrikkingen van de Spaanse Burgeroorlog, met name het bombardement op de Baskische stad Guernica op 26 april 1937.
Dit grote doek werd een symbool in de strijd tegen alle soorten oorlog en zorgde voor een revolutie in de historische schilderkunst, omdat het lijden op een tijdloze manier behandelt.
3. Kus van Gustav Klimt
Het doek, geschilderd door de Oostenrijker Gustav Klimt in 1907 is het een beroemd werk in de kunstgeschiedenis. Dit schilderij is onophoudelijk gereproduceerd en gestempeld op objecten en vertegenwoordigt een icoon van de westerse cultuur.
Het werk maakt deel uit van de zogenaamde "gouden fase" in Klimts artistieke productie, wanneer hij in zijn composities misbruik maakt van sprankelende elementen die verwijzen naar edelstenen en zelfs bladgoud.
In De kus, wordt een paar afgebeeld (dat zou de kunstenaar zelf en zijn vrouw zijn), in een verweven positie, wat genegenheid en warmte suggereert.
Bij nadere beschouwing is het echter ook mogelijk om te zien dat de man zich over de geliefde buigt, de actieve figuur in deze omhelzing, en de knielende vrouw een teken van vrouwelijke onderwerping zou zijn.
4. De schreeuw van Edvard Munch
De Schreeuw is het beroemdste schilderij van Edvard Munch, een Noorse schilder. Dit werk is in de loop van de tijd gereproduceerd, onder meer door andere kunstenaars zoals Andy Warhol.
Zijn succes was waarschijnlijk te danken aan het feit dat Munch zeer succesvol het gevoel van angst en eenzaamheid waaraan mensen worden blootgesteld, wist te portretteren.
Met kleuren, vormen en lijnen bouwde de schilder in deze compositie een symbool van menselijke wanhoop, dat tevens een icoon is van de avant-garde expressionistische beweging.
5. Jackson Pollock nr. 5
In 1948, in de naoorlogse periode, produceerde de Amerikaan Jackson Pollock het doek getiteld nummer 5.
De kunstenaar was een van de voorlopers van het abstract expressionisme, een artistieke stroming die in de jaren '40 in de VS opkwam.
Dit werk is gemaakt met behulp van de techniek druipend (druppelen), veel onderzocht door de schilder. De methode bestaat uit het gieten van vloeibare verf op grote doeken die op de vloer zijn gespannen. Op deze manier voert de schilder uitgebreide lichaamsbewegingen uit, bijna alsof hij het werk 'betreedt' op het moment van creatie.
In mei 2006 werd het schilderij verkocht voor maar liefst 140 miljoen dollar, de hoogste prijs die tot 2011 voor een schilderij werd betaald.
6. De meisjes van Diego Velázquez
aanvankelijk getiteld Familie van Filips IV IV, het bord De meiden, werd in 1656 geschilderd door kunstenaar Diego Velázquez. Dit werk vertegenwoordigt de gouden eeuw van de schilder, geboren in de stad Sevilla, Spanje.
Het schilderij toont een mogelijk alledaags 17e-eeuws hoftafereel. Het lijkt eenvoudig, het canvas draagt een reeks elementen die door de kijker moeten worden "ontdekt", waardoor het een van de meest diepgaande werken in de kunstgeschiedenis is.
Op het schilderij portretteerde de schilder zichzelf terwijl hij werkte op een doek in opdracht van de koningen Filipe IV en Mariana, dat weerspiegeld lijkt in een spiegel achter in de kamer. Deze eigenschap geeft ons ook het gevoel dat ze toeschouwers van het werk zelf zouden zijn.
7. Vincent van Gogh's Aardappeleters
Dit werk werd in 1885 vervaardigd door Vincent van Gogh, Nederlandse schilder van het post-impressionisme en expressionisme. Veel geprezen vandaag, Van Gogh was een eenzame kunstenaar en had tijdens zijn leven heel weinig erkenning.
Op het schilderij in kwestie is een boerenfamilie te zien die aan het eten is in hun eenvoudige huis, verlicht door een schemerige lamp. Het is een bekend werk van de schilder en toont de technische evoluties van zijn schilderkunst, waarbij expressionistische kenmerken worden ingeprent die zijn handelsmerk zouden worden.
Daarnaast toont hij grote interesse in sociale en humanitaire vraagstukken. Volgens de kunstenaar zelf:
Ik wilde me bewust inzetten om de gedachte uit te drukken dat deze mensen die, in dit licht, hun aardappelen met hun handen eten, ook het land bewerkten. Mijn foto prijst dan ook de handenarbeid en het voedsel dat ze zelf zo eerlijk verdienden.
8. De volharding van de herinnering aan Salvador Dalí
Salvador Dali was een Catalaanse schilder die deel uitmaakte van het surrealisme in Europa. Een van zijn beroemdste schilderijen is DEPersistentie van het geheugen.
In dit werk vertegenwoordigt Dalí het verstrijken van de tijd door de verontrustende figuur van gesmolten klokken in een dor landschap, een vormeloos lichaam, mieren en een vlieg.
Op de achtergrond is het ook mogelijk om de aanwezigheid van een klif en de zee op te merken, een landschap dat verwijst naar de plaats van herkomst, Catalonië.
Dit werk is sinds 1934 gevonden in het Museum of Modern Art in New York, in de Verenigde Staten.
9. Impressie, Rijzende zon door Claude Monet
Claude Monet, een belangrijke schilder van het impressionisme, een Europese avant-garde artistieke beweging, bedacht dit werk in 1872.
De compositie is een mijlpaal in de schilderkunst, omdat het een nieuwe manier van poetsen laat zien door het moment vast te leggen waarop de zon de mist oversteekt in de baai van Le Havre, in Normandië.
Men kan ervan uitgaan dat de innovatie in dit werk een revolutie teweegbracht in de schilderkunst.
De reactie van de pers was destijds tegen de nieuwe stijl en beschouwde dit doek als een "onvoltooid" werk. De tentoonstelling waarin ze te zien was, werd pejoratief de 'impressionistische tentoonstelling' genoemd en gekozen Afdrukken, Rijzende Zon als het grootste doelwit van kritiek. Vanwege deze episode werd de impressionistische stroming zo genoemd.
10. De executies van Francisco de Goya op 3 mei
De executies van de drie mei, de drie mei van 1808 in Madrid of de executies van de berg van Príncipe Pío, is een schilderij van de Spaanse schilder Francisco de Goya.
In dit schilderij geeft Francisco de Goya een indrukwekkend portret van de genocide die plaatsvond in Madrid, in het jaar 1808. Deze gebeurtenis was een gevolg van de zogenaamde schiereilandoorlog (1807-1814), toen Napoleon Bonaparte Spanje binnenviel.
De dag voor dit verschrikkelijke bloedbad kwamen sommigen uit Madrid in botsing met Napoleontische troepen. Met alleen slagwapens stonden ze tegenover de vijandelijke cavalerie en werden ze hard onderdrukt.
Deze aflevering werd ook gespeeld door Goya in het werk 2 mei in Madrid en vorm een duet met De opnames van 3 mei.
Als berisping van de "durf" van burgers werd het bloedbad uitgevoerd dat culmineerde in de dood van talloze onschuldigen. Goya, die heel dicht bij de plaats woonde, was getuige van dergelijke afleveringen en ontwierp jaren later dit canvas, dat een mijlpaal in de kunstgeschiedenis en een veroordeling van de verschrikkingen van de oorlog - invloed op andere kunstenaars zoals Picasso in productie van uw Guernica.
Op de vraag waarom hij deze gruweldaden schilderde, antwoordde Goya:
Om het genoegen te hebben de mensen voor altijd te vertellen geen barbaren te zijn.
11. Jong meisje met parel door Johannes Vermeer
Het bord Meisje met parel het wordt beschouwd als "de Nederlandse Mona Lisa" omdat het ook een vrouwelijke figuur vertoont gehuld in een mysterieuze sfeer.
Johannes Vermeer, een Nederlandse kunstenaar, zou dit portret in 1665 hebben gemaakt - het doek is niet gedateerd. Daarin zien we een meisje dat met een serene en kuise lucht naar ons terugkijkt en een glans op haar gescheiden lippen brengt.
Een andere gok gaat over de versiering op het hoofd van de jonge vrouw. In die tijd werd een tulband niet meer gebruikt, dus er wordt gespeculeerd dat Vermeer zich liet inspireren door een ander werk, jongen in een tulband, geschilderd door Michael Sweerts in 1655.
Dit is het bekendste werk van de schilder en inspireerde tot de productie van een boek en een film, beide met dezelfde naam als het schilderij.
12. The Boatmen's Lunch door Pierre-Auguste Renoir
in 1881, Pierre Auguste Renoir klaar met het schilderen van het frame De lunch van de schippers, belangrijke exponent van de impressionistische beweging.
In het werk werkt de schilder een vrolijk en ontspannen tafereel uit door een ontmoeting tussen vrienden te laten zien, weggespoeld met veel eten en een prachtig uitzicht op de rivier de Seine. Alle geportretteerden waren goede vrienden van Renoir en een van de vrouwen die op het scherm verschijnt, werd jaren later zijn vrouw.
Deze artistieke trend hield zich bezig met het vastleggen van natuurlijke verlichting en spontane scènes door de fixatie van het moment. We kunnen stellen dat het impressionisme de avant-gardebeweging was die de zogenaamde moderne kunst een impuls gaf.
13. Henry Ford-ziekenhuis (Het Vliegende Bed) door Frida Kahlo
Frida Kahlo was een belangrijke Mexicaanse kunstenaar die leefde in de eerste helft van de 20e eeuw.
Haar schilderij, bijna altijd autobiografisch, verbeeldt haar pijn, haar grote liefde (ook schilder Diego Rivera), haar trots om vrouw te zijn en haar Latijns-Amerikaanse afkomst.
Frida's productie zit boordevol symboliek en elementen die flirten met het surrealisme, hoewel de schilder ontkent deel uit te maken van een dergelijke stroming en dichter bij een soort confessionele kunst te staan. Zij beweert:
Ik schilder nooit dromen of nachtmerries. Ik schilder mijn eigen werkelijkheid.
In het werk dat bekend werd als Het vliegende bed, portretteert de kunstenaar een pijnlijke episode in haar leven, wanneer ze een kind verliest dat op Diego wachtte.
Frida kreeg verschillende opeenvolgende miskramen, omdat ze de zwangerschap niet kon volhouden vanwege problemen met verworven als kind - hij kreeg polio - en in de adolescentie, toen hij een ernstig ongeval kreeg. trein.
Een paar jaar geleden werd Frida door de meeste mensen "ontdekt" en wordt ze beschouwd als een icoon van de kunst en zelfs van de popcultuur en de feministische beweging.
14. De emigranten van Cândido Portinari
de retraitanten het is een werk van de schilder Candido Portinari, geboren in het binnenland van São Paulo, in de stad Brodowski.
Het doek is gemaakt in 1944 en beeldt een familie van migranten af, mensen die van de noordoostelijke regio naar andere plaatsen verhuizen in de hoop te ontsnappen aan droogte, armoede en kindersterfte.
Opvallend is de manier waarop de kunstenaar de ijle, uitgeputte en gepijnigde expressielichamen toont in een dor en grijs landschap.
Er vliegen gieren over mensen, alsof ze op hun dood wachten. Kinderen worden ondervoed en ziek afgebeeld - let op de jongen aan de rechterkant die een buik heeft die niet in verhouding staat tot het lichaam, een teken van een waterige buik.
We kunnen een parallel trekken tussen dit werk en het literaire werk Vidas Secas, jaren eerder, in 1938, geproduceerd door de schrijver Graciliano Ramos en dat over hetzelfde thema gaat.
Portinari was een groot kunstenaar die onder meer het Braziliaanse volk naar waarde schatte en de sociale problemen van het land aan de kaak stelde.
15. Abaporu uit Tarsila do Amaral
abaporu is een productie van kunstenaar Tarsila do Amaral, een prominent figuur in de Braziliaanse modernistische beweging.
De naam van het werk is van inheemse oorsprong en betekent volgens de kunstenaar "antropofaag" - wat hetzelfde is als kannibaal. Het was als resultaat van dit werk dat Oswald de Andrade, Tarsila's echtgenoot en ook een kunstenaar, de grondslagen van de antropofagische theorie voor moderne kunst in Brazilië definieerde.
Een dergelijke theorie stelde voor dat Braziliaanse kunstenaars drinken uit de bron van Europese avant-gardebewegingen, maar een productie ontwikkelen met nationale kenmerken. Een bekende uitdrukking die de periode definieert is:
Alleen antropofagie verenigt ons.
Abaporu brengt de waarde van handwerk, waarbij handen en voeten worden benadrukt. Ook de felle kleuren, de cactus en de zon verwijzen naar het tropische klimaat en landschap.
Lees ook: Modernistische werken van Tarsila do Amaral