Tapyba yra viena tradiciškiausių ir vertinamiausių meno rūšių pasaulyje. Per ją puikūs menininkai išreiškė idėjas ir jausmus, taip palikdami neįkainojamą palikimą.
Pasak ispanų dailininko Pablo Picasso:
Tapyba niekada nėra proza. Būtent poezija rašoma plastinėmis rimo eilėmis.
Atrinkome 15 aliejiniais dažais padarytų paveikslų, kurie pateko į Vakarų meno istoriją. Tokie kūriniai yra įamžinti kaip kultūros simboliai, nes jie atneša meninių naujovių, politinių klausimų, arba todėl, kad jie atstovauja žmonijai bendrus siekius ir jausmus.
1. Leonardo Da Vinci „Mona Liza“
Lenta Mona Liza - turintis teisę Džokonda iš pradžių - yra kūrinys Leonardas da Vinčis, viena žymiausių Italijos renesanso laikų asmenybių.
Joje moteris vaizduojama mįslinga veido išraiška, demonstruojant labai intriguojančią lengvą šypseną, kuri kviečia įsivaizduoti, kokios gali būti jos mintys ir jausmai. Ar Mona Liza parodė pasitenkinimą, nekaltumą ar tam tikrą aroganciją?
Daugelis teoretikų ir menotyrininkų bandė išaiškinti šią paslaptį ir buvo keli meniniai pastatymai pagamintas įkvėptas šio paveikslo, kurį galima laikyti vienu didžiausių šedevrų meno istorijoje vakarietiškas.
2. Pablo Picasso „Guernica“
Gernika yra vienas žymiausių ispanų tapytojo Pablo Picasso, puikaus kubizmo reiškėjo, paveikslų.
Šiame darbe jis vaizduoja Ispanijos pilietinio karo siaubą, ypač Baskijos miesto Gernikos bombardavimą 1937 m. Balandžio 26 d.
Ši didelė drobė tapo kovos su visų rūšių karu simboliu ir sukėlė revoliuciją istorinėje tapyboje, nes ji kenčiančią elgiasi nesenstamai.
3. Gustavo Klimto bučinys
Drobė, nutapyta austrės Gustavas Klimtas 1907 m., tai garsus meno istorijos kūrinys. Šis paveikslas be paliovos buvo atkurtas ir antspauduotas ant objektų, atstovaujantis Vakarų kultūros ikonai.
Kūrinys yra vadinamojo „auksinio etapo“ dalis Klimto meninėje kūryboje, kai jis savo kompozicijose piktnaudžiauja putojančiais elementais, kurie nurodo brangakmenius ir net aukso lapus.
Į Bučinys, pora (kuri būtų pats menininkas ir jo žmona) vaizduojama susipynusi, siūlanti meilę ir šilumą.
Tačiau atidžiau pažvelgus taip pat galima pastebėti, kad vyras pasilenkia mylimajai, būdamas aktyvus šio glėbio veikėjas, o moteris, klūpėdama, būtų moters paklusnumo ženklas.
4. Edvardo Muncho riksmas
Klyksmas yra garsiausias norvegų tapytojo Edvardo Muncho paveikslas. Laikui bėgant šis kūrinys buvo atkartotas, įskaitant ir kitus menininkus, tokius kaip Andy Warholas.
Jo sėkmė tikriausiai buvo dėl to, kad Munchas galėjo labai sėkmingai pavaizduoti kančios ir vienišumo jausmą, kurį patiria žmonės.
Spalvomis, formomis ir linijomis tapytojas šioje kompozicijoje pastatė žmogaus nevilties simbolį, kuris taip pat yra ekspresionistinio avangardo judėjimo ikona.
5. Jackson Pollockas Nr. 5
1948 m., Pokariu, amerikietis Jacksonas Pollockas sukūrė drobę pavadinimu Nr. 5.
Menininkas buvo vienas iš abstrakčiojo ekspresionizmo, meno judėjimo, atsiradusio 40-aisiais JAV, pirmtakų.
Šis darbas buvo pagamintas naudojant techniką varvanti (lašelinė), daug tyrinėta tapytojo. Metodas susideda iš skystų dažų užpylimo ant didelių drobių, ištemptų ant grindų. Tokiu būdu tapytojas atlieka plačius kūno judesius, tarsi sukūrimo metu „įėjęs“ į kūrinį.
2006 m. Gegužę paveikslas buvo parduotas už stulbinančius 140 milijonų dolerių - tai didžiausia kaina, sumokėta už paveikslą iki 2011 m.
6. Diego Velázquezo merginos
Iš pradžių pavadinta Pilypo IV šeima, lenta Merginos, 1656 m. nutapė dailininkas Diego Velázquezas. Šis kūrinys atspindi tapytojo, gimusio Sevilijos mieste, Ispanijoje, aukso amžių.
Paveiksle pavaizduota galbūt kasdienė XVII amžiaus teismo scena. Akivaizdu, kad drobė turi daugybę žiūrovo „atrandamų“ elementų, todėl tai yra vienas giliausių kūrinių meno istorijoje.
Paveiksle tapytojas pavaizdavo save dirbantį ant drobės, kurią užsakė karaliai Filipe IV ir Mariana, kuri atsispindi veidrodyje kambario gale. Ši savybė taip pat suteikia mums jausmą, kad jie būtų paties kūrinio žiūrovai.
7. Vincento Van Gogo „Bulvių valgytojai“
Šį darbą 1885 m Vincentas Van Gogas, Olandų postimpresionizmo ir ekspresionizmo tapytojas. Šiandien daug pripažintas Van Gogas buvo vienišas menininkas ir per visą gyvenimą mažai pripažino.
Aptariamas paveikslas vaizduoja valstiečių šeimą, valgančią savo kukliuose namuose, apšviestus silpnos lempos. Tai gerai žinomas tapytojo darbas, parodantis jo tapybos techninius pokyčius, atspindint ekspresionistines savybes, kurios taptų jo prekės ženklu.
Be to, jis rodo didelį susidomėjimą socialiniais ir humanitariniais klausimais. Pasak paties menininko:
Norėjau sąmoningai atsiduoti idėjai, kad šie žmonės, šioje šviesoje valgantys savo bulves rankomis, taip pat dirbo žemę. Todėl mano paveikslas išaukština fizinį darbą ir maistą, kurį jie taip sąžiningai uždirbo.
8. Salvadoro Dalí atminimo išlikimas
Salvadoras Dali buvo katalonų tapytojas, kuris buvo siurrealizmo dalis Europoje. Vienas garsiausių jo paveikslų yra Atminties atkaklumas.
Šiame darbe Dalí vaizduoja laiko praėjimą per nerimą keliančią sauso kraštovaizdžio lydytų laikrodžių figūrą, beformį kūną, skruzdėles ir musę.
Fone taip pat galima pastebėti uolą ir jūrą, kraštovaizdį, kuris nurodo jo kilmės vietą Kataloniją.
Šis kūrinys nuo 1934 m. Buvo rastas Niujorko šiuolaikinio meno muziejuje, JAV.
9. Įspūdis, tekanti saulė Claude Monet
Claude'as Monet'as, svarbus impresionizmo tapytojas, Europos avangardo meninis judėjimas, sumanė šį darbą 1872 m.
Kompozicija yra orientyras tapyboje, nes ji demonstruoja naują šepetėlio būdą, užfiksuodama akimirką, kai saulė kerta rūką Havro įlankoje, Normandijoje.
Galima manyti, kad šiame darbe esanti naujovė sukėlė revoliuciją tapyboje.
Tuometinė spaudos reakcija buvo prieš naują stilių ir laikė šią drobę „nebaigtu“ darbu. Paroda, kurioje ji buvo rodoma, buvo pejoratyviai vadinama „impresionistų paroda“ ir išrinkta Spauda, tekanti saulė kaip didžiausias kritikos taikinys. Dėl šio epizodo impresionizmo srovė buvo pavadinta taip.
10. Francisco de Goya gegužės 3 d. Egzekucijos
1808 m. Gegužės trijų, gegužės trijų trečiųjų egzekucijos Madride arba „Príncipe Pio“ kalno egzekucijos, yra ispanų tapytojo Francisco de Goya paveikslas.
Šiame paveiksle Francisco de Goya pateikia įspūdingą genocido, įvykusio Madride, 1808 metais, portretą. Šis įvykis buvo vadinamojo pusiasalio karo (1807–1814), kai Napoleonas Bonapartas įsiveržė į Ispaniją, padarinys.
Dieną prieš šias baisias žudynes kai kurie Madrido gyventojai susirėmė su Napoleono kariuomene. Turėdami tik artimųjų ginklus, jie susidūrė su priešo kavalerija ir buvo griežtai represuoti.
Šį epizodą kūrinyje pavaizdavo ir Goya Gegužės 2 d. Madride ir suformuokite duetą Gegužės 3 d.
Kaip papeikimas civilių „drąsumui“, buvo įvykdytos žudynės, kurios baigėsi begalės nekaltų žmonių mirtimi. Goya, gyvenusi visai netoli tos vietos, matė tokius epizodus, o po metų sugalvojo šią drobę, kuri taps meno istorijos etapas ir karo siaubo smerkimas - tai daro įtaką kitiems menininkams, pavyzdžiui, Picasso gamyboje Jūsų Gernika.
Paklaustas, kodėl nutapė šias žiaurumus, Goja atsakė:
Kad būtų malonu visiems laikams sakyti vyrams nebūti barbarais.
11. Jauna mergaitė su Johanneso Vermeerio perlų auskaru
Lenta Mergina su perlų auskaru ji laikoma „olande Mona Liza“, nes ji taip pat demonstruoja paslaptingos atmosferos gaubiamą moters figūrą.
Manoma, kad olandų menininkas Johannesas Vermeeris šį portretą sukūrė 1665 m. - drobė nebuvo datuojama. Joje mes stebime mergaitę, kuri atsigręžia į mus ramiu ir skaistu oru, suteikdama blizgesį jos išsiskyrusioms lūpoms.
Kitas spėjimas yra apie puošmeną ant jaunos moters galvos. Tuo metu turbanas jau nebuvo naudojamas, todėl spėjama, kad Vermeerį įkvėpė kitas darbas, berniukas turbane, kurį 1655 m. nutapė Michaelas Sweertsas.
Tai žinomiausias tapytojo darbas ir įkvėpė sukurti knygą ir filmą, abu pavadinti tuo pačiu pavadinimu kaip ir paveikslas.
12. Pierre-Auguste Renoir „Valtininkų pietūs“
1881 m. Pierre-Auguste Renoir baigia dažyti rėmą Valtininkų pietūs, svarbus impresionistų judėjimo eksponentas.
Kūrinyje tapytojas sukuria laimingą ir atsipalaidavusią sceną, parodydamas daugybės maisto praplautų draugų susitikimą ir gražų vaizdą į Senos upę. Visi vaizduojami žmonės buvo artimi Renoir draugai, o viena iš ekrane pasirodžiusių moterų po daugelio metų tapo jo žmona.
Ši meninė tendencija buvo susijusi su natūralaus apšvietimo ir spontaniškų scenų fiksavimu fiksuojant akimirką. Galime sakyti, kad impresionizmas buvo avangardinis judėjimas, kuris paskatino vadinamąjį modernųjį meną.
13. Henry Fordo ligoninė (Skrendanti lova) pateikė Frida Kahlo
Frida Kahlo buvo svarbus Meksikos menininkas, gyvenęs XX a. pirmojoje pusėje.
Jos tapyba, beveik visada autobiografinė, vaizduoja jos skausmą, didelę meilę (taip pat dailininkas Diego Rivera), pasididžiavimą moterimi ir kilmę Lotynų Amerikoje.
Fridos pastatyme gausu simbolikų ir elementų, kurie flirtuoja su siurrealizmu, nors tapytojas neigia, kad yra tokio judėjimo dalis ir yra arčiau prisipažinimo meno rūšies. Ji teigia:
Aš niekada netapau sapnų ar košmarų. Tapau savo tikrovę.
Kūrinyje, kuris tapo žinomas kaip Skrendanti lova, menininkė vaizduoja skaudų savo gyvenimo epizodą, kai ji neteko vaiko, kuris laukė Diego.
Frida patyrė kelis iš eilės persileidimus, nes dėl problemų ji negalėjo išlaikyti nėštumo įgytas vaikystėje - jis susirgo poliomielitu - ir paauglystėje, kai patyrė sunkią avariją. traukinys.
Prieš kelerius metus Fridą „atrado“ dauguma žmonių ir ji buvo laikoma meno ir net popkultūros bei feministinio judėjimo ikona.
14. Cândido Portinari emigrantai
besitraukiančių tai tapytojo darbas Cândido Portinari, gimęs San Paulo interjere, Brodovskio mieste.
Drobė buvo sukurta 1944 m. Ir vaizduoja migrantų šeimą, žmones, kurie iš Šiaurės rytų regiono persikelia į kitas vietas tikėdamiesi išvengti sausros, skurdo ir kūdikių mirtingumo.
Stebina tai, kaip menininkas rodo plonus, išsekusius ir skausmingus išraiškos kūnus sausringame ir pilkame peizaže.
Yra grifai, skrendantys virš žmonių, tarsi laukiantys jų mirties. Vaikai vaizduojami nepakankamai maitinami ir sergantys - atkreipkite dėmesį į dešinėje pusėje esantį berniuką, kurio pilvas yra neproporcingas kūnui, tai vandeningo pilvo požymis.
Galime užmegzti paralelę tarp šio kūrinio ir literatūros kūrinio „Vidas Secas“, sukurto prieš metus, 1938 m., Rašytojo Graciliano Ramoso ir nagrinėjančio tą pačią temą.
Portinari buvo puikus menininkas, kuris, be kitų rūpesčių, vertino Brazilijos žmones ir smerkė šalies socialines problemas.
15. Abaporu iš Tarsila do Amaral
abaporu yra menininko Tarsilos do Amaral, žymios Brazilijos modernizmo judėjimo figūros, pastatymas.
Kūrinio pavadinimas yra vietinės kilmės ir, pasak menininko, reiškia „antropofagas“ - tai yra tas pats, kas kanibalas. Kaip tik šį darbą Oswaldas de Andrade'as, Tarsilos vyras ir menininkas, apibrėžia antropofaginės šiuolaikinio meno Brazilijoje teorijos pagrindus.
Tokia teorija pasiūlė Brazilijos menininkams gerti iš Europos avangardinių judėjimų šaltinio, tačiau plėtoti nacionalinių savybių turinčią produkciją. Garsi frazė, apibrėžianti laikotarpį, yra:
Mus vienija tik antropofagija.
„Abaporu“ išryškina rankinio darbo vertę. Stiprios spalvos, kaktusas ir saulė taip pat nurodo tropinį klimatą ir kraštovaizdį.
Taip pat skaitykite: Modernistiniai Tarsilos do Amaral darbai
