회화는 세계에서 가장 전통적이고 가치있는 예술 유형 중 하나입니다. 이를 통해 위대한 예술가들은 아이디어와 감정을 표현하여 귀중한 유산을 남겼습니다.
스페인 화가 파블로 피카소에 따르면 :
그림은 산문이 아닙니다. 플라스틱 운율 구절로 쓰여진시입니다.
서양 미술의 역사에 들어간 유성 물감으로 만든 그림 15 점을 선정했습니다. 이러한 작품은 예술적 혁신, 정치적 질문을 가져 오거나 인류 공통의 열망과 감정을 표현하기 때문에 문화적 상징으로 영속됩니다.
1. 레오나르도 다빈치의 모나리자
보드 모나리자 - 자격 그만큼 Gioconda 원래-창조물입니다 레오나르도 다빈치, 이탈리아 르네상스의 가장 유명한 인물 중 하나입니다.
그 안에서 여성은 수수께끼 같은 표정으로 묘사되어 그녀의 생각과 감정이 무엇인지 상상하도록 우리를 초대하는 매우 흥미로운 약간의 미소를 보여줍니다. 모나리자는 만족, 순진함 또는 오만함을 보여 주었습니까?
많은 이론가들과 미술 평론가들이이 수수께끼를 풀기 위해 노력했고 여러 예술 작품이 예술사에서 가장 위대한 걸작 중 하나로 간주 될 수있는이 그림에서 영감을 받아 제작되었습니다. 서부 사람.
2. 파블로 피카소의 게르니카
게르니카 입체파의 위대한 지수 인 스페인 화가 파블로 피카소의 가장 상징적 인 그림 중 하나입니다.
이 작품에서 그는 스페인 내전의 공포, 특히 1937 년 4 월 26 일 바스크 도시 게르니카의 폭격을 묘사합니다.
이 큰 캔버스는 모든 종류의 전쟁과의 싸움과 시대를 초월한 방식으로 고통을 다루는 혁명적 인 역사적 그림의 상징이되었습니다.
3. 구스타프 클림트의 키스
오스트리아 인이 그린 캔버스 구스타프 클림트 1907 년 예술사에서 유명한 작품입니다. 이 그림은 서구 문화의 아이콘을 대표하는 물건에 끊임없이 재현되고 각인되었습니다.
이 작품은 클림트의 예술 작품에서 소위 "황금 단계"의 일부로, 그가 작곡에서 보석과 금박을 가리키는 반짝이는 요소를 남용합니다.
에 키스, 한 쌍은 (아티스트 자신과 그의 아내가 될) 서로 얽힌 자세로 애정과 따뜻함을 암시한다.
그러나 자세히 살펴보면 남자가 사랑하는 사람에게 몸을 구부리고이 포옹에 적극적인 모습을 보이고 무릎을 꿇고있는 여자가 여성 복종의 표시가되는 것도 관찰 할 수 있습니다.
4. 에드워드 뭉크의 비명
비명 노르웨이 화가 에드바르 뭉크의 가장 유명한 그림입니다. 이 작품은 Andy Warhol과 같은 다른 예술가를 포함하여 시간이 지남에 따라 복제되었습니다.
그의 성공은 아마도 Munch가 사람들이 겪는 고통과 외로움을 매우 성공적으로 묘사 할 수 있었기 때문일 것입니다.
화가는 색, 모양, 선으로이 작품에서 인간 절망의 상징을 세웠으며 이는 표현주의 아방가르드 운동의 아이콘이기도합니다.
5. 잭슨 폴록 5 번
1948 년 전후 기간에 미국 Jackson Pollock은 5 번.
작가는 40 년대 미국에서 등장한 예술적 운동 인 추상 표현주의의 선구자 중 한 명이다.
이 작업은 기술을 사용하여 만들어졌습니다. 똑똑 (물방울), 화가가 많이 탐구했습니다. 이 방법은 바닥에 뻗은 큰 캔버스에 액체 페인트를 붓는 것으로 구성됩니다. 이런 식으로 화가는 마치 창조의 순간에 작품에 "들어간"것처럼 광범위한 신체 움직임을 수행합니다.
2006 년 5 월이 그림은 1 억 4 천만 달러에 팔렸는데, 이는 2011 년까지 그림에 지불 된 최고 가격입니다.
6. 디에고 벨라스케스의 소녀들
처음에 제목 Philip IV의 가족, 보드 소녀, 1656 년 예술가 Diego Velázquez에 의해 그렸습니다. 이 작품은 스페인 세비야에서 태어난 화가의 황금기를 상징한다.
이 그림은 아마도 일상적인 17 세기 궁정 장면을 묘사합니다. 단순하게 보이는 캔버스는 시청자가 "발견"할 일련의 요소를 포함하고있어 예술사에서 가장 심오한 작품 중 하나입니다.
이 그림에서 화가는 필리페 4 세와 마리아나 왕이 의뢰 한 캔버스에 자신이 작업하는 모습을 묘사했는데, 이 캔버스는 방 뒤쪽의 거울에 비친 것처럼 보입니다. 이 기능은 또한 그들이 작품 자체의 관중이 될 것 같은 느낌을줍니다.
7. 빈센트 반 고흐의 감자 먹는 사람
이 작품은 1885 년에 제작되었습니다. 빈센트 반 고흐, 포스트 인상주의와 표현주의의 네덜란드 화가. 오늘날 많은 찬사를받은 반 고흐는 고독한 예술가였으며 평생 동안 거의 인정을받지 못했습니다.
문제의 그림은 희미한 램프가 켜진 소박한 집에서 먹는 농부 가족을 묘사합니다. 화가가 잘 알려진 작품으로 그의 회화의 기술적 진화를 보여 주며 그의 트레이드 마크가 될 표현 주의적 특성을 각인한다.
또한 그는 사회 및 인도주의 문제에 큰 관심을 보입니다. 예술가 자신에 따르면 :
저는 이런 관점에서 손으로 감자를 먹는이 사람들도 땅을 일한다는 생각을 표현하는 데 의식적으로 헌신하고 싶었습니다. 따라서 내 그림은 그들이 정직하게 얻은 육체 노동과 음식을 칭찬합니다.
8. 살바도르 달리의 기억의 지속성
살바도르 달리 유럽에서 초현실주의의 일부였던 카탈루냐 화가였습니다. 그의 가장 유명한 그림 중 하나는 그만큼기억의 지속성.
이 작품에서 달리는 건조한 풍경, 형태없는 몸, 개미, 파리에 녹아 버린 시계의 혼란스러운 모습을 통해 시간의 흐름을 표현한다.
배경에서 절벽과 바다가있는 것을 알아 차릴 수도 있습니다. 이곳의 원산지 인 카탈로니아를 참조하는 풍경입니다.
이 작품은 1934 년부터 미국 뉴욕 현대 미술관에서 발견되었습니다.
9. 인상, 떠오르는 태양 클로드 모네
클로드 모네인상주의의 중요한 화가, 유럽의 전위 예술 운동 인은 1872 년에이 작품을 구상했습니다.
이 구도는 노르망디의 르 아브 르 만에서 태양이 안개를 가로 지르는 순간을 기록하여 새로운 칫솔질 방식을 보여주기 때문에 회화의 랜드 마크입니다.
이 작업에 존재하는 혁신이 회화에 혁명을 일으켰다 고 볼 수 있습니다.
당시 언론의 반응은 새로운 스타일에 반대했고이 캔버스를 "미완성 된"작품으로 간주했습니다. 그녀가 상영 된 전시는 경멸 적으로 "인상 파전"이라 불리며 당선되었다. 인쇄, 떠오르는 태양 비판의 가장 큰 대상으로. 이 에피소드 때문에 인상파 흐름은 그렇게 명명되었습니다.
10. Francisco de Goya의 5 월 3 일 처형
마드리드에서 5 월 3 일, 1808 년 5 월 3 일의 처형 또는 Príncipe Pío 산의 처형는 스페인 화가 Francisco de Goya의 그림입니다.
이 그림에서 Francisco de Goya는 1808 년 마드리드에서 일어난 대량 학살의 인상적인 초상화를 보여줍니다. 이 사건은 나폴레옹 보나파르트가 스페인을 침공 한 이른바 반도 전쟁 (1807-1814)의 결과였습니다.
이 끔찍한 학살 전날, 마드리드 출신의 일부가 나폴레옹 군대와 충돌했습니다. 근접 무기 만 휘두르는 그들은 적 기병과 맞서고 가혹하게 억압당했습니다.
이 에피소드는 작업에서 Goya에 의해 묘사되었습니다. 5 월 2 일 마드리드 그리고 듀엣을 형성 5 월 3 일 촬영.
민간인의 "대담"에 대한 책망으로 무수한 무고한 사람들의 죽음으로 절정에 달한 학살이 행해졌습니다. 그 장소와 매우 가까운 곳에 살았던 고야는 그러한 에피소드를 목격했고 몇 년 후이 캔버스를 구상했습니다. 예술사의 이정표와 전쟁의 공포에 대한 비난-피카소와 같은 다른 예술가들에게 영향을 미침 당신의 게르니카.
왜 이런 잔학 행위를 그렸는지 물었을 때 Goya는 다음과 같이 대답했습니다.
남자들에게 야만인이되지 말라고 영원히 말하는 즐거움을 누리는 것.
11. 요하네스 베르메르의 진주 귀걸이를 한 어린 소녀
보드 진주 귀걸이를 한 소녀 신비한 분위기에 싸인 여성상도 전시하고있어 '네덜란드 모나리자'로 꼽힌다.
네덜란드 예술가 인 Johannes Vermeer는 1665 년에이 초상화를 제작 한 것으로 추정됩니다. 캔버스에는 날짜가 표시되지 않았습니다. 그 안에서 우리는 고요하고 순결한 공기로 우리를 돌아보며 헤어진 입술에 빛을 발하는 소녀를 관찰합니다.
또 다른 추측은 젊은 여성의 머리 장식에 관한 것입니다. 그 당시 터번은 더 이상 사용되지 않았기 때문에 Vermeer는 다른 작품에서 영감을 얻은 것으로 추측됩니다. 터번에서 소년, 1655 년 Michael Sweerts가 그린.
이것은 화가의 가장 유명한 작품이며 그림과 같은 이름을 가진 책과 영화 제작에 영감을 불어 넣었습니다.
12. Pierre-Auguste Renoir의 보트 맨의 점심
1881 년 피에르 오귀스트 르누아르 프레임 페인팅 완료 배터의 점심, 인상파 운동의 중요한 지수.
작업에서 화가는 많은 음식으로 씻겨 진 친구들과의 만남과 세느 강의 아름다운 경치를 보여줌으로써 행복하고 여유로운 장면을 정교화한다. 묘사 된 사람들은 모두 르누아르의 친한 친구 였고 스크린에 등장한 여성 중 한 명이 몇 년 후 아내가되었습니다.
이 예술적 트렌드는 순간의 고정을 통해 자연광과 자연스러운 장면을 포착하는 것과 관련이 있습니다. 인상주의는 이른바 현대 미술에 활력을 불어 넣은 아방가르드 운동이라고 말할 수있다.
13. 헨리 포드 병원 (플라잉 베드) 작성자: Frida Kahlo
프리다 칼로 20 세기 전반에 살았던 중요한 멕시코 예술가였습니다.
거의 항상 자전적 인 그녀의 그림은 그녀의 고통, 그녀의 위대한 사랑 (또한 화가 디에고 리베라), 여성으로서 그리고 라틴 아메리카 출신에 대한 그녀의 자부심을 묘사합니다.
Frida의 작품은 초현실주의에 휘말리는 상징과 요소로 가득 차 있지만 화가는 그러한 운동의 일부이며 일종의 고백 예술에 더 가깝다는 것을 부인합니다. 그녀는 다음과 같이 말합니다.
나는 꿈이나 악몽을 결코 그리지 않습니다. 나는 내 현실을 그린다.
알려지게 된 작품에 플라잉 베드, 작가는 디에고를 기다리던 아이를 잃은 삶의 고통스러운 일화를 그린다.
Frida는 문제로 인해 임신을 유지할 수 없었기 때문에 여러 차례 연속 유산을 겪었습니다. 그는 소아마비에 걸렸고, 청소년기에 심각한 사고를 당했을 때 획득했습니다. 기차.
몇 년 전 Frida는 대부분의 사람들에 의해 "발견"되었으며 예술, 심지어 대중 문화 및 페미니스트 운동의 아이콘으로 간주되었습니다.
14. 칸디도 포르 티 나리의 이민자
퇴각 자 화가의 작품 칸디도 포르 티 나리, 브로 도프 스키시 상파울루의 내부에서 태어났습니다.
이 캔버스는 1944 년에 만들어졌으며 가뭄, 빈곤 및 유아 사망률을 피하기 위해 북동부 지역에서 다른 지역으로 이주하는 이민자 가족을 묘사합니다.
건조하고 칙칙한 풍경 속에 얇고 지치고 고통스러운 표 정체를 보여주는 작가의 모습이 인상적이다.
마치 죽음을 기다리는 것처럼 독수리가 사람들을 날아 다니고 있습니다. 아이들은 영양 실조와 병에 걸린 것으로 묘사됩니다. 오른쪽에있는 소년은 몸에 불균형 한 배를 가지고 있으며 배가 묽다는 표시입니다.
우리는이 작품과 작가 Graciliano Ramos가 몇 년 전인 1938 년에 제작 한 문학 작품 Vidas Secas와 같은 주제를 다룬 문학 작품과 유사점을 만들 수 있습니다.
Portinari는 브라질 사람들을 소중히 여기고 국가의 사회 문제를 비난했던 위대한 예술가였습니다.
15. Tarsila do Amaral에 사는 Abaporu 님
아바 포루 브라질 모더니스트 운동의 저명한 인물 인 아티스트 Tarsila do Amaral의 작품입니다.
이 작품의 이름은 토착민이며, 작가에 따르면 식인종과 같은 "인간 인류"를 의미합니다. Tarsila의 남편이자 예술가이기도 한 Oswald de Andrade가 브라질의 현대 미술에 대한 인위적 이론의 기반을 정의한 것은이 작업의 결과였습니다.
이러한 이론은 브라질 예술가들이 유럽 아방가르드 운동의 원천에서 술을 마시지 만 국가적 특성을 지닌 작품을 개발할 것을 제안했습니다. 기간을 정의하는 유명한 문구는 다음과 같습니다.
인류학 만이 우리를 하나로 묶습니다.
Abaporu는 손과 발이 강조된 수작업의 가치를 제공합니다. 강렬한 색상, 선인장 및 태양은 열대 기후와 풍경을 암시합니다.
읽기: Tarsila do Amaral의 모더니스트 작품