그만큼 댄스 최초의 인간과 함께 태어났습니다.
몸의 움직임을 통해 심장 박동, 걷기, 인간은 표현의 한 형태로 춤을 창조했습니다.
동굴에서 발견 된 그림을 통해 우리는 선사 시대부터 남자와 여자가 춤을 춘 것을 압니다.
춤은 신체를 도구로 사용하는 예술적 표현입니다. 화가가 붓과 캔버스를 사용하여 그림을 만드는 것처럼 댄서는 몸을 사용합니다.
모든 민족과 문화에 존재하는 춤은 그룹, 쌍 또는 솔로로 공연 될 수 있습니다. 춤을 통해 기쁨, 슬픔, 사랑과 인간의 모든 감정이 표현됩니다.
춤의 기원과 진화
원시 춤
우리는 자발적으로 발생하고 공동체에 의해 실행되는 원시 춤이라고 부릅니다. 일반적으로 추수 또는 계절의 도래와 같은 특정 의식을 축하하는 데 사용되는 춤입니다.
원주민 문화에서 춤은 파티에서 사용되거나 전쟁을 준비하는 데 사용됩니다. 또한 초기 성인기와 같은 통과 의례에도 사용됩니다.
천년의 춤
이집트 나 메소포타미아와 같은 고대 문명에서 춤은 신을 기리는 또 하나의 방법 인 신성한 성격을 가졌습니다. 이러한 유형의 춤은 인도와 일본과 같은 국가에서 오늘날까지 남아 있습니다.
고대 그리스에서 춤은 또한 신의 숭배에 사용되는 의식적인 성격을 가졌습니다. 고대에 가장 많이 묘사 된 춤 중 하나는 Minotaur 또는 와인의 신인 Bacchus의 축제에 사용 된 춤이었습니다.
서유럽의 댄스
유럽에서 기독교가 확장됨에 따라 춤은 신성한 성격을 잃게됩니다. 기독교의 도덕성은 몸을 죄의 근원으로 삼았으므로 통제가 필요했습니다.
따라서 다른 예술과 달리 춤은 교회에 들어 가지 않으며 성에서 인기있는 축제와 축하 행사로 제한됩니다. 기본적으로 우리는 중세 시대에 두 가지 유형의 춤을 구별 할 수 있습니다: 쌍으로, 원형으로 또는 사슬로.
오늘날 우리가 이해하는 바와 같이, 궁중 무용을 일으키고 나중에 발레를 일으키는 것은 이러한 유형의 공이 될 것입니다.
르네상스 (세기. XVI 및 XVII)
르네상스의 무용은 매뉴얼, 전문 교사 및 무엇보다도 그것을 공부하는 데 전념하는 사람들과 함께 예술로서의 지위를 얻기 시작합니다.
이탈리아에서“balleto”라는 단어가 등장했습니다. 피렌체의 공주 마리아 드 메디치가 프랑스 왕 헨리 4 세 (1553-1610)와 결혼함으로써 이러한 유형의 춤은 프랑스에 도달했습니다. Maria de 'Medici (1575-1642)는 프랑스 법정에서“balleto”를 소개했습니다. 그곳에서 그 단어는 발레로 변형되어 법정에서 연습 할 가치있는 예술로 눈에 띄게 될 것입니다.
나중에 루이 14 세 (1638-1715)의 궁정에서 안무, 의상, 시작, 중간, 끝이있는 이야기를 해설하는 첫 극화 발레가 시작되었습니다. 이 왕이 발레를 사용하여 절대주의 군주로서의 자신의 모습을 확인했다는 점을 강조하는 것이 중요합니다.
Sun King의 궁정에서 작곡가 Jean-Baptiste Lully (1632-1687)가 눈에 띕니다. 그는 안무를 위해 음악을 썼고 Royal Academy of Music의 감독입니다.
무용 법을 아는 것은 귀족 교육의 기본이됩니다. 가장 잘 알려진 춤은 미뉴에트, 가보 테, 자 라반다, 알라 만 데, 기가였다.
18 세기 말, 오스트리아와 독일 제국에서 왈츠가 나타났습니다. 처음에는 커플들이 서로를 안고 마주보고 춤을 추는 것이 처음이기 때문에이 춤은 스캔들을 일으킨다. 이 리듬은 유럽 전역에 퍼져 포르투갈 법원의 도착과 함께 브라질에 도착할 것입니다.
오늘날까지 왈츠는 데뷔 무도회와 결혼식에 참석합니다.
낭만주의 춤 (세기. XIX)
19 세기에 낭만주의 예술 운동이 등장하면서 발레는 예술적 표현의 한 형태로 통합되었다.
부르주아지의 부상과 대극장의 건설과 함께 발레는 궁전을 떠나 장관이되었습니다. 또한 그 당시 또 다른 중요한 예술적 표현 인 오페라에서는 댄스 번호를 포함하는 것이 실질적으로 필수였습니다.
그러나 발레가 예술적 창조의 정점에 도달하는 것은 러시아 법원에서 할 것입니다. “백조의 호수”와“호두 까기 인형”과 같은 작품을 저술 한 작곡가 피오트르 일리치 차이콥스키 (1840-1893)는 낭만적 인 발레의 탄생을 알 렸습니다.
19 세기 말, 이전 미국 식민지는 유럽 음악과 춤을 자체적으로 재 해석하기 시작했습니다. 이런 식으로 미국에서 복음 노래가 일어납니다. 울음과 삼바, 브라질에서; 그건 탱고, 아르헨티나와 우루과이.
현대무용(세기. 더블 엑스)
현대 무용은 19 세기에서 20 세기로 넘어가는 고전 발레에서 벗어나게 될 것입니다.
도시의 성장과 산업의 확장으로 인해 사회의 일부는 더 이상 그런 유형의 고전 발레 광경으로 식별되지 않았습니다. Isadora Duncan (1878-1927)과 같은 이름이 등장했으며, 경직된 움직임, 투투 스 의상 및 장대 한 시나리오로 처음으로 깨졌습니다.
이사도라 던컨은 풍경이없고 맨발로 춤을 추는 단순한 옷을 선호했습니다. 그의 작품은 현대 무용에서 새로운 언어에 대한 몇 가지 가능성을 열었습니다.
현대 무용 (세기. XX 및 XXI)
현대 무용은 60 년대, 20 세기에 만들어진 모든 것입니다.
현대 무용의 실험을 계속하면서 현대 창작자들은 연극과 무용을 혼합하고 솔리스트의 모습을 없애고 무대에서 남녀 간의 더 큰 평등을 제공합니다.
안무에 음악조차없는 그룹이 있습니다. 새로운 언어 검색은 현대 무용의 기본입니다.
참조 :춤이란?
브라질 무용의 역사
브라질의 춤은 원주민, 아프리카 및 포르투갈 관습이 융합 된 결과입니다.
인도인과 아프리카 인이 이동하는 방식은 유럽인이 알고있는 것과는 상당히 달랐습니다. 노예가 된 아프리카 인들은 그들의 오 릭사를 기리기 위해 춤을 추었고 몸을 움직이는 방식은 포르투갈 인들을 추문했습니다.
19 세기 흑인 노예들이 만든 춤 중 하나는 "움 비가 다"입니다. 이것은 엉덩이에 가볍게 닿을 때까지 신체 움직임으로 접근하는 부부로 구성되었습니다.
브라질에서 만든 또 다른 춤은 maxixe입니다. 이 무도회에서 커플들은 포옹을하고 약간의 점프를했습니다. 이것은 Ernesto Nazareth와 같은 작곡가를 정복 한 인기 장르였습니다. 치킨 하 곤자가.
브라질 북동부에서 가장 뛰어난 춤 중 하나는 Frevo. 이것은 행진, 맥시 및 카포에라의 계단 사이의 융합이 특징입니다.
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