La pittura è una delle forme d'arte più tradizionali e apprezzate al mondo. Attraverso di essa grandi artisti hanno espresso idee e sentimenti, lasciando così un'eredità inestimabile.
Secondo il pittore spagnolo Pablo Picasso:
La pittura non è mai prosa. È poesia che si scrive con versi in rima plastica.
Abbiamo selezionato 15 dipinti realizzati con pittura ad olio che sono entrati nella storia dell'arte occidentale. Tali opere si perpetuano come simboli culturali, o perché portano innovazioni artistiche, questioni politiche o perché rappresentano aspirazioni e sentimenti comuni all'umanità.
1. Gioconda di Leonardo Da Vinci
Il bordo Monna Lisa - intitolato IL Gioconda originariamente - è una creazione di Leonardo Da Vinci, una delle personalità più celebri del Rinascimento italiano.
In esso, una donna è ritratta con un'espressione facciale enigmatica, esibendo un leggero sorriso molto intrigante che ci invita a immaginare quali potrebbero essere i suoi pensieri e sentimenti. Monna Lisa mostrava soddisfazione, innocenza o una certa arroganza?
Molti teorici e critici d'arte hanno cercato di svelare questo mistero e diverse produzioni artistiche sono state realizzato ispirandosi a questo dipinto che può essere considerato uno dei più grandi capolavori della storia dell'arte occidentale.
2. Guernica di Pablo Picasso
Guernica è uno dei dipinti più emblematici del pittore spagnolo Pablo Picasso, grande esponente del cubismo.
In quest'opera ritrae gli orrori della guerra civile spagnola, in particolare il bombardamento della città basca di Guernica il 26 aprile 1937.
Questa grande tela è diventata un simbolo nella lotta contro ogni tipo di guerra e ha rivoluzionato la pittura storica, poiché tratta la sofferenza in un modo senza tempo.
3. Il bacio di Gustav Klimt
La tela, dipinta dall'austriaco Gustav Klimt nel 1907, è un'opera famosa nella storia dell'arte. Questo dipinto è stato riprodotto e impresso incessantemente su oggetti, rappresentando un'icona della cultura occidentale.
L'opera fa parte della cosiddetta "fase d'oro" nella produzione artistica di Klimt, quando nelle sue composizioni abusa di elementi scintillanti che rimandano a pietre preziose e persino a foglie d'oro.
Nel Il bacio, viene ritratta una coppia (che sarebbe l'artista stesso e sua moglie), in posizione intrecciata, suggerendo affetto e calore.
Tuttavia, ad uno sguardo più attento, è anche possibile osservare che l'uomo si china sulla sua amata, essendo la figura attiva in questo abbraccio, e la donna, inginocchiata, sarebbe segno di sottomissione femminile.
4. L'urlo di Edvard Munch
L'urlo è il dipinto più famoso di Edvard Munch, pittore norvegese. Quest'opera è stata riprodotta nel tempo, anche da altri artisti come Andy Warhol.
Il suo successo è probabilmente dovuto al fatto che Munch è stato in grado di ritrarre con grande successo il sentimento di angoscia e solitudine a cui le persone sono soggette.
Con colori, forme e linee, il pittore ha costruito in questa composizione un simbolo della disperazione umana, che è anche un'icona del movimento espressionista d'avanguardia.
5. Jackson Pollock n. 5
Nel 1948, nel dopoguerra, l'americano Jackson Pollock realizza la tela intitolata n. 5.
L'artista è stato uno dei precursori dell'espressionismo astratto, un movimento artistico emerso negli anni '40 negli Stati Uniti.
Questo lavoro è stato realizzato utilizzando la tecnica gocciolante (a goccia), molto esplorato dal pittore. Il metodo consiste nel versare vernice liquida su grandi tele tese sul pavimento. In questo modo il pittore compie ampi movimenti corporei, quasi come se fosse "entrato" nell'opera al momento della creazione.
Nel maggio 2006, il dipinto è stato venduto per l'incredibile cifra di 140 milioni di dollari, il prezzo più alto pagato per un dipinto fino al 2011.
6. Le ragazze di Diego Velázquez
Inizialmente intitolato La famiglia di Filippo IV, il bordo Le ragazze, fu dipinto nel 1656 dall'artista Diego Velázquez. Quest'opera rappresenta l'età d'oro del pittore, nato nella città di Siviglia, in Spagna.
Il dipinto raffigura una scena di corte forse quotidiana del XVII secolo. Apparentemente semplice, la tela porta con sé una serie di elementi da "scoprire" dallo spettatore, che la rendono una delle opere più profonde della storia dell'arte.
Nel dipinto il pittore ritrae se stesso lavorando su una tela commissionata dai re Filipe IV e Mariana, che appaiono riflesse in uno specchio in fondo alla stanza. Questa caratteristica ci dà anche la sensazione che sarebbero spettatori dell'opera stessa.
7. I mangiatori di patate di Vincent Van Gogh Van
Questo lavoro è stato prodotto nel 1885 da Vincent Van Gogh, pittore olandese del post-impressionismo e dell'espressionismo. Molto acclamato oggi, Van Gogh era un artista solitario e ha avuto pochissimi riconoscimenti durante la sua vita.
Il dipinto in questione raffigura una famiglia di contadini che mangia nella loro umile casa, illuminata da una fioca lampada. È un'opera ben nota del pittore e mostra le evoluzioni tecniche della sua pittura, imprimendo caratteristiche espressioniste che sarebbero diventate il suo marchio di fabbrica.
Inoltre, mostra un grande interesse per le questioni sociali e umanitarie. Secondo lo stesso artista:
Ho voluto dedicarmi consapevolmente ad esprimere l'idea che queste persone che, in questa luce, mangiano le loro patate con le mani, lavoravano anche la terra. La mia immagine quindi esalta il lavoro manuale e il cibo che loro stessi si sono così onestamente guadagnati.
8. La persistenza della memoria di Salvador Dalí
Salvador Dalì era un pittore catalano che faceva parte del surrealismo in Europa. Uno dei suoi quadri più famosi è ILPersistenza della memoria.
In quest'opera Dalí rappresenta lo scorrere del tempo attraverso la figura inquietante di orologi fusi in un paesaggio arido, un corpo informe, formiche e una mosca.
Sullo sfondo si nota anche la presenza di una scogliera e del mare, un paesaggio che fa riferimento al suo luogo di origine, la Catalogna.
Quest'opera si trova dal 1934 al Museum of Modern Art di New York, negli Stati Uniti.
9. Impressione, Sol Levante di Claude Monet
Claude Monet, importante pittore dell'impressionismo, movimento artistico d'avanguardia europeo, concepì quest'opera nel 1872.
La composizione è un punto di riferimento nella pittura, poiché esibisce un nuovo modo di spazzolare registrando il momento in cui il sole attraversa la nebbia nella baia di Le Havre, in Normandia.
Si può ritenere che l'innovazione presente in quest'opera abbia rivoluzionato la pittura.
La reazione della stampa dell'epoca era contraria al nuovo stile e considerava questa tela un'opera "incompiuta". La mostra in cui è stata mostrata è stata chiamata in modo peggiorativo la "mostra impressionista" ed eletta Stampa, Sol Levante come il principale bersaglio delle critiche. A causa di questo episodio, la corrente impressionista è stata chiamata così.
10. Le esecuzioni del 3 maggio di Francisco de Goya
Le Esecuzioni del Tre di Maggio, il Tre di Maggio del 1808 a Madrid o Le Esecuzioni della Montagna di Príncipe Pío, è un dipinto del pittore spagnolo Francisco de Goya.
In questo dipinto, Francisco de Goya presenta un impressionante ritratto del genocidio avvenuto a Madrid, nell'anno 1808. Questo evento fu una conseguenza della cosiddetta guerra peninsulare (1807-1814), quando Napoleone Bonaparte invase la Spagna.
Il giorno prima di questo terribile massacro, alcuni madrileni si scontrarono con le truppe napoleoniche. Brandendo solo armi da mischia, affrontarono la cavalleria nemica e furono duramente repressi.
Questo episodio è stato interpretato anche da Goya nell'opera 2 maggio a Madrid e formare un duetto con La sparatoria del 3 maggio.
In segno di rimprovero all'"audacia" dei civili, è stata eseguita la strage culminata nella morte di innumerevoli innocenti. Goya, che abitava molto vicino al luogo, fu testimone di tali episodi e anni dopo concepì questa tela, che sarebbe diventata un pietra miliare nella storia dell'arte e una denuncia degli orrori della guerra - influenzando altri artisti come Picasso in produzione del tuo Guernica.
Quando gli è stato chiesto perché ha dipinto queste atrocità, Goya ha risposto:
Avere il piacere di dire per sempre agli uomini di non essere barbari.
11. Ragazza con l'orecchino di perla di Johannes Vermeer
Il bordo Ragazza con l'orecchino di perla è considerata "la Gioconda olandese" in quanto esibisce anche una figura femminile avvolta in un'atmosfera misteriosa.
Si ritiene che Johannes Vermeer, un artista olandese, abbia prodotto questo ritratto nel 1665 - la tela non è stata datata. In esso, osserviamo una ragazza che ci guarda con aria serena e casta, portando uno splendore alle sue labbra socchiuse.
Un'altra ipotesi riguarda l'ornamento sulla testa della giovane donna. A quel tempo non si usava più il turbante, quindi si ipotizza che Vermeer si sia ispirato ad un'altra opera, ragazzo con il turbante, dipinto da Michael Sweerts nel 1655.
Questa è l'opera più nota del pittore e ha ispirato la produzione di un libro e di un film, entrambi con lo stesso nome del dipinto.
12. Il pranzo dei barcaioli di Pierre-Auguste Renoir
Nel 1881, Pierre-Auguste Renoir finisce di dipingere il telaio Il pranzo dei barcaioli, importante esponente del movimento impressionista.
Nell'opera, il pittore elabora una scena allegra e rilassata mostrando un incontro tra amici innaffiato da molto cibo e una bellissima vista sulla Senna. Tutte le persone ritratte erano amici intimi di Renoir e una delle donne che appare sullo schermo divenne sua moglie anni dopo.
Questa tendenza artistica si occupava di catturare l'illuminazione naturale e scene spontanee attraverso la fissazione del momento. Possiamo dire che l'Impressionismo è stato il movimento d'avanguardia che ha dato impulso alla cosiddetta arte moderna.
13. Ospedale Henry Ford (Il letto volante) di Frida Kahlo
Frida Kahlo è stato un importante artista messicano vissuto nella prima metà del XX secolo.
La sua pittura, quasi sempre autobiografica, ritrae il suo dolore, il suo grande amore (anche il pittore Diego Rivera), il suo orgoglio di essere donna e per le sue origini latinoamericane.
La produzione di Frida è carica di simbolismi ed elementi che flirtano con il surrealismo, anche se il pittore nega di far parte di un tale movimento e di essere più vicino a un tipo di arte confessionale. Lei afferma:
Non dipingo mai sogni o incubi. Dipingo la mia realtà.
Nel lavoro che divenne noto come Il letto volante, l'artista ritrae un episodio doloroso della sua vita, quando perde un figlio che stava aspettando Diego.
Frida ha subito diversi aborti consecutivi, poiché non era in grado di mantenere la gravidanza a causa di problemi con acquisita da bambino - contrasse la poliomielite - e nell'adolescenza, quando subì un grave incidente. treno.
Qualche anno fa Frida è stata "scoperta" dai più ed è stata considerata un'icona dell'arte e anche della cultura pop e del movimento femminista.
14. Gli Emigranti di Cândido Portinari
i ritiranti è opera del pittore Candido Portinari, nato nell'interno di São Paulo, nella città di Brodowski.
La tela è stata realizzata nel 1944 e ritrae una famiglia di migranti, persone che si spostano dal Nordest verso altri luoghi nella speranza di sfuggire alla siccità, alla povertà e alla mortalità infantile.
Impressionante è il modo in cui l'artista mostra i corpi espressivi magri, sfiniti e addolorati in un paesaggio arido e grigio.
Ci sono avvoltoi che sorvolano le persone, come in attesa della loro morte. I bambini sono ritratti denutriti e malati - si noti il ragazzo sul lato destro che ha una pancia sproporzionata rispetto al corpo, segno di una pancia acquosa.
Possiamo fare un parallelo tra quest'opera e l'opera letteraria Vidas Secas, prodotta anni prima, nel 1938, dallo scrittore Graciliano Ramos e che tratta lo stesso tema.
Portinari era un grande artista che aveva, tra le altre preoccupazioni, valorizzare il popolo brasiliano e denunciare i problemi sociali del paese.
15. Abaporu di Tarsila do Amaral
abaporu è una produzione dell'artista Tarsila do Amaral, figura di spicco del movimento modernista brasiliano.
Il nome dell'opera è di origine indigena e, secondo l'artista, significa "antropofago" - che è lo stesso di cannibale. Fu grazie a questo lavoro che Oswald de Andrade, marito di Tarsila e anche artista, definisce le basi della teoria antropofaga per l'arte moderna in Brasile.
Tale teoria proponeva che gli artisti brasiliani bevessero dalla fonte dei movimenti d'avanguardia europei ma sviluppassero una produzione con caratteristiche nazionali. Una famosa frase che definisce il periodo è:
Solo l'antropofagia ci unisce.
Abaporu porta il valore del lavoro manuale, con mani e piedi in evidenza. I colori forti, il cactus e il sole alludono anche al clima e al paesaggio tropicali.
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