Tarsila do Amaral figura tra i nomi più noti e acclamati della pittura nazionale, essendo un'icona della modernismo brasiliano. Integrando diversi elementi tipici del Cultura brasiliana, l'artista è stata in grado di produrre una propria identità culturale, che ha assimilato le tendenze dell'arte moderna europea, dando loro colori nazionali.
Oltre al periodo modernista, la sua opera più famosa, l'abaporu, simbolo del Manifesto antropofago del 1928, è anche il dipinto più prezioso nella storia dell'arte brasiliana. Inoltre, Tarsila do Amaral è una delle grandi rappresentanti dell'arte latinoamericana, con mostre a lei dedicate che circolano nei maggiori musei del mondo.
Biografia
Tarsila do Amaral nasce il 1 settembre 1886, nella fattoria di São Bernardo, nel comune di Capivari (SP). Nel famiglia benestante, erede di grandi proprietà rurali nell'interno di San Paolo, è cresciuto, insieme a sette fratelli, ascoltando sua madre suonare il pianoforte e suo padre recitare poesie in francese, una lingua che ha imparato fin dall'infanzia. Fu mandata nella capitale per studiare al Colegio Sion e poi a Barcellona per completare i suoi studi. In Spagna dipinse il suo primo quadro,
Sacro Cuore di Gesù.Al ritorno, sposò il medico André Teixeira Pinto, con il quale era fidanzata. Il marito, infastidito dal suo mestiere artistico, impose a Tarsila un comportamento pudico e domestico. Dopo la nascita dell'unica figlia della coppia, Dulce, Tarsila ha poi deciso di separazione. Grazie all'enorme influenza della sua famiglia – che ha sempre sostenuto la sua carriera artistica – riuscì, nel 1925, a annullamento del tuo matrimonio (poiché il divorzio non era allora consentito dalla legge in Brasile).
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Nel 1918 iniziò ad avere lezioni di pittura nello studio di Pedro Alexandrino, dove conobbe la pittrice Anita Malfatti. Nel 1920 partì per Parigi, dove rimase fino al giugno 1922, studiando all'Académie Julien e prendendo lezioni dal pittore Emile Renard. Era dalle lettere inviate da Malfatti che Tarsila venne a conoscenza del Settimana dell'arte moderna, avvenuta nel febbraio 1922.
Tornando a San Paolo, Malfatti presentò Tarsila agli artisti modernisti, e il "gruppo di cinque”: Anita Malfatti, Oswald de Andrade, mario de andrade, Menotti del Picchia e Tarsila do Amaral. Durante questo periodo, Tarsila e Oswald iniziarono una relazione romantica, facendo un matrimonio ufficiale pochi anni dopo. Fu a questo punto che Tarsila iniziò a produrre arte moderna.
Alla fine del 1922, Tarsila tornò a Parigi, questa volta studiare con maestri cubisti Albert Gleizes e Fernand Léger. Il poeta franco-svizzero Blaise Cendrars fece conoscere Tarsila e Oswald a tutta l'intellighenzia parigina, compresi grandi nomi come Picasso, la coppia Delaunay e i musicisti Stravinsky ed Erik Satie. Durante questo nuovo soggiorno in Francia, Tarsila stringe amicizia con altri artisti brasiliani che erano lì, come Villa-Lobos e Di Cavalcanti, e anche con i patron Paulo Prado e Olivia Guedes Penteado.
Nel 1925 Oswald pubblicò il suo libro di poesie intitolato Brazilwood, con illustrazioni di Tarsila. Oscillando tra le grandi stagioni europee e i viaggi in Brasile alla ricerca di catturare i colori nazionali per le loro tele, ha debuttato nel 1926 con una mostra personale a Parigi, ricevendo recensioni molto favorevoli.
Il grande crisi del 1929, tuttavia, ebbe conseguenze nefaste per Tarsila. La sua famiglia di contadini, che forniva le risorse necessarie per tanti viaggi in Francia, era colpiti dalla crisi del caffè e costretto a vendere le proprietà. Tarsila ha perso quasi tutta la sua fortuna e oltre a ciò, separato da Oswald, poi innamorato della studentessa Patrícia Galvão, Pagu. Tarsila ottenne un lavoro alla Pinacoteca di Stato di San Paolo, una situazione che durò anche poco, poiché fu licenziata con l'arrivo di Getulio Vargas al potere nel 1930.
Disoccupata e squattrinata, vendette alcuni quadri e viaggiò, nel 1931, al Unione Sovietica, insieme al suo nuovo marito, lo psichiatra Osório César. Durante questo viaggio, Tarsila sviluppato una nuova concezione politica political, più mirato a domande sociali. Successivamente, parte per Parigi, dove vive, infatti, l'esperienza lavorativa, lavorando come pittrice murale in edifici.
Tarsila ha divorziato ancora una volta, sposando lo scrittore Luiz Martins, vent'anni più giovane di lei. Il matrimonio durò fino agli anni '60 circa. Nel 1965, a causa di forti dolori alla schiena, il pittore ha subito un intervento chirurgico, ma a causa di un errore medico non era in grado di camminare. L'anno successivo, sua figlia morì di diabete, che scosse profondamente Tarsila. Immersa nella tristezza e nella depressione, Tarsila trovò il spiritismo un sollievo: è diventata amica di Chico Xavier e ha iniziato a donare, a un istituto di beneficenza da lui gestito, tutto ciò che aveva raccolto dalla vendita delle sue opere.
Tarsila do Amaral morì a San Paolo il 17 gennaio 1973.
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Tarsila e il modernismo
Pur non partecipando attivamente alla Settimana dell'Arte Moderna del 1922, Tarsila divenne il grande nome nelle arti plastiche del modernismo nazionale. Fu solo dal suo incontro con artisti modernisti che Tarsila sviluppò effettivamente lo stile per il quale era conosciuta.
I suoi viaggi attraverso il Brasile, in particolare attraverso l'interno di São Paulo e Minas Gerais, nel 1923, gli diedero l'ispirazione per il suo primo influenzare le composizioni cubista, in forme geometriche stilizzate, avvalendosi dei colori considerati “hillbilly” dai loro precedenti maestri, legati alla pittura accademica.
Nel brano che segue, Tarsila rivela le sue intenzioni e il suo impegno nella ricerca di un vera arte brasiliana, impresa modernista per eccellenza:
“Mi sento sempre più brasiliano: voglio essere il pittore della mia terra. Quanto sono grato di aver trascorso tutta la mia infanzia nella fattoria. I ricordi di quel tempo stanno diventando preziosi per me. Nell'arte voglio essere la caipirinha [della fattoria] di São Bernardo, che gioca con le bambole selvagge, come nell'ultimo quadro che sto dipingendo".
(Lettera di Tarsila do Amaral alla famiglia, durante il suo soggiorno a Parigi, nel 1924)
L'opera di Tarsila do Amaral si articola in tre fasi principali: la prima, denominata brazilwood; il secondo, antropofagico, e il terzo, di impronta Sociale.
fase di sequoia
È legato alle opere prodotte tra il 1924 e il 1928, dai viaggi a Rio de Janeiro, durante il Carnevale, e alle città storiche di Minas Gerais. È l'applicazione di tale "Colori del nastro", respinta dai maestri accademici di pittura, e la grande intenzione di Tarsila in rappresentano il Brasile rurale e urbano nelle tue foto. Le opere di questa fase espongono l'influenza del cubismo e temi che sono soprattutto paesaggi brasiliani, ad esempio Favela Hill (1924) e San Paolo (1924).
Fase antropofaga
Inizia nel 1928, dall'opera iconica abaporu – il cui nome è la combinazione delle parole “aba” e “poru”, che in tupi-guarani significano “uomo che mangia”. Dipinto come regalo di compleanno per il suo allora marito, Oswald de Andrade, è diventato molto di più: è stato il principale ispirazione per la stesura del Manifesto antropofago e per l'inizio di un movimento artistico che ebbe esponenti in diversi segmenti dell'arte nazionale.
L'idea centrale del progetto antropofago era divorare le influenze della cultura europea, poiché non si applicavano alle condizioni brasiliane e dalla deglutizione, modificare ciò che è stato divorato, producendo arte genuinamente nazionale.
La pittura antropofaga di Tarsila mescola l'apprendimento moderno del cubismo con un universo di densità mistica e onirica, abbastanza radicato nella cultura brasiliana, facendo uso di Colori vividi, come rosso, viola, verde e giallo. Fanno parte di questa fase, oltre al abaporu (1928), le opere il nero (1923), che ha anticipato questa fase, L'uovo [Urutu] (1928), La luna (1928), foresta (1929), Tramonto (1929), tra gli altri.
fase sociale
Dopo il suo periodo in Unione Sovietica e dopo aver lavorato come pittrice muraria edile in Francia, Tarsila ha iniziato a riflettere sui suoi lavori tematici legati al proletariato, à disuguaglianza sociale, a oppressioni subito dai lavoratori, al to problemi del capitalismo industriale.
Il bordo i lavoratori (1933) inaugura questa nuova fase pittorica, caratterizzata dal uso di colori più sobri e più grigi, riflesso della disperazione di chi, pur lavorando instancabilmente, non aveva accesso a beni fondamentali come la salute e l'istruzione. I dipinti sono considerati anche una grande icona di questa fase. Seconda classe (1933) e sarte (1936).
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Opere principali
- il nero (1923)
- il cuca (1924)
- Favela Hill (1924)
- San Paolo (1924)
- l'albero di papaia (1925)
- Autoritratto (Manteau Rouge) (1925)
- Manaca (1927)
- abaporu (1928)
- L'uovo (Urutu) (1928)
- Distanza (1928)
- La luna (1928)
- Dormire (1928)
- Antropofagia (1929)
- Tramonto (1929)
- foresta (1929)
- Cartolina (1929)
- Lavoratori (1933)
- Seconda classe (1933)
di Luiza Brandino
Insegnante di lettere