Il cubismo è un movimento artistico emerso in Francia all'inizio del XX secolo. Le opere cubiste hanno cercato di rappresentare elementi della natura attraverso forme geometriche, principalmente quelli cubici.
Così, lo stile cubista si contrapponeva, ad esempio, al realismo delle immagini che venivano ritratte durante il Rinascimento. I principi che definiscono l'arte cubista sono presenti sia nelle arti visive che nella letteratura.
Per comprendere meglio l'essenza di questo movimento, controlla alcune delle sue caratteristiche principali nell'arte:
Valorizzazione di forme geometriche e frammentate
ragazza con mandolino (1910), Pablo Picasso
Come suggerisce il nome del movimento, la caratteristica principale del cubismo è l'uso di forme geometriche come componente di spicco nelle opere.
L'artista cubista cerca il semplificazione del mondo nei suoi dipinti e, per questo, si appropria di cubi, coni, cilindri e altre forme geometriche dalle linee rette e semplici.
Questo figurativismo geometrizzato non va confuso con l'arte astratta, perché a differenza dell'arte astratta, nelle opere cubiste, le forme hanno un certo livello di identificazione.
Nel cubismo sintetico, ad esempio, le figure sono facilmente associate a oggetti o persone, anche se sono costruite a partire da forme geometriche.
Uso di "rime di plastica"
La fenetre aux collines (1923), Juan Gris
La cosiddetta "rima plastica" consiste in una tecnica applicata da alcuni artisti cubisti, dove ogni forma geometrica continuava l'altra, creando un effetto armonico nell'opera.
Questa tecnica sarebbe stata ideata dal pittore spagnolo Juan Gris (1887 - 1927), uno dei grandi discepoli di Pablo Picasso, e precursore del cosiddetto cubismo sintetico (nome dato alla seconda fase del movimento artistico).
Uso del collage come tecnica di ricostruzione dell'immagine
La chitarra (1913), Pablo Picasso
A differenza della proposta del Cubismo Analitico, che cercava di frammentare quanto più possibile le figure reali, il Cubismo Sintetico cercava di ricostruire le immagini frammentate, rendendole più riconoscibili.
Per questo, la tecnica del collage iniziò ad essere applicata come uno dei metodi più comuni nella composizione di queste opere. L'artista ha presentato ritagli di giornali, riviste e pezzi di altro materiale (legno, vetro, metallo, ecc.) nella pittura, mescolando trame e forme per produrre il loro lavoro.
L'intento del collage sarebbe quello di trasportare l'interazione tra lo spettatore e l'opera oltre il campo visivo, risvegliando anche sensazioni tattili nelle persone.
Rinuncia alla prospettiva
Guernica (1937), Pablo Picasso
Prevalentemente durante la prima fase del cubismo (analitico), gli artisti hanno cercato di presentare le diverse angolazioni e prospettive dell'opera allo stesso tempo e sotto lo stesso piano.
L'oggetto tridimensionale è stato frammentato, rappresentato in forme geometriche e sovrapposto per creare l'illusione della tridimensionalità.
La costruzione delle immagini dalla giunzione sovrapposta di questi frammenti trasmette, per l'artista, la sensazione di "scolpire" il dipinto. Da qui il concetto di pittura scultorea, che definisce anche diverse opere del movimento cubista.
Predominanza di colori monocromatici e opachi
Violino e Lampadario (1910), Georges Braque
Alcuni dei nomi principali del cubismo analitico, come Pablo Picasso, ad esempio, caratterizzarono il le sue opere con l'uso di colori scuri e monocromatici, come marrone, grigio, nero, verde, ocra e, beige.
IL la tavolozza dei colori era molto limitata, e in alcune opere la differenza era solo tra diverse tonalità dello stesso colore.
È interessante notare che l'ispirazione per l'uso di questa ristretta selezione di colori è nell'arte africana, che ha influenzato le opere di Cézanne e Picasso (i principali precursori del cubismo).
Man mano che il movimento progredisce, nelle opere cubiste vengono utilizzati colori più caldi e vividi. Il principale responsabile di questo cambiamento fu Juan Gris, il "creatore" del cubismo sintetico.
Il lavoro come "esercizio mentale"
nudo femminile seduto (1910), Pablo Picasso
Il cubismo, soprattutto quello analitico, non si limita a ritrarre la natura della forma che si presenta nella realtà, ma piuttosto un'idea concettuale astratta degli oggetti che vi si inseriscono.
Per questo motivo le opere cubiste possono essere considerate un "esercizio mentale" per l'osservatore, che ha bisogno di interpretare l'immagine che si presenta frammentata e sovrapposta da diverse figure del geometria.
Ritratto del Primitivo
Le demoiselles d'Avignon (1907), Pablo Picasso
I precursori del cubismo si ispirarono fortemente all'arte africana, principalmente all'idea di sintesi degli elementi e all'uso monocromatico di alcuni ristretti colori.
È possibile vedere riferimenti diretti alle maschere africane e al concetto di primitivismo in varie opere di Paul Cézanne, durante il cosiddetto "cubismo preanalitico" o "cubismo cezanneano".
Un altro lavoro che mostra l'essenza di questa caratteristica per il movimento cubista è Les Demoiselles d'Avignon, di Pablo Picasso. Nella scena ritratta dall'artista ci sono donne di un bordello di Barcellona, alcune delle quali appaiono con indosso maschere di tribù africane.
Influenzato dalla Teoria della Relatività
Il movimento cubista è emerso nel bel mezzo di un periodo di grandi rivoluzioni in campo scientifico. All'inizio del XX secolo, per esempio, il mondo era in soggezione davanti alla Teoria della Relatività di Albert Einstein (1879 - 1955).
Il fisico ha difeso l'idea di esistenza di una quarta dimensione, lo spazio-tempo, alterando la tradizionale concezione dell'universo tridimensionale che era stata utilizzata fino ad allora.
Per gli artisti cubisti, in particolare Pablo Picasso, le loro opere non erano legate alla nozione convenzionale di spazio e, quindi, vide nelle teorie di Einstein una grande ispirazione per il concetto che applicò nel suo lavori.
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