Tempat seni selalu menjadi tema yang diperdebatkan secara ekstensif di antara para kritikus, penikmat, peneliti, dan seniman itu sendiri. Untuk waktu yang lama, dunia seni dianggap sebagai ruang otonom, diatur oleh kodenya sendiri dan hasil kreativitas yang berpusat pada individualitas seniman. Namun, terutama sejak abad ke-20 dan seterusnya, kita telah memperhatikan bahwa pemisahan antara seni dan dunia ini telah kehilangan kekuatannya karena gerakan-gerakan yang berbeda berusaha untuk mendobrak batasan tersebut.
Pada 1950-an, kami mengamati perumusan gerakan yang disebut "pop art". Ungkapan ini, yang berasal dari bahasa Inggris, berarti "seni populer". Bertentangan dengan apa yang tampak, seni populer yang mendefinisikan gerakan semacam itu tidak ada hubungannya dengan seni yang diproduksi oleh lapisan populer atau dengan gagasan seni folklorist. “Pop art” sebagai sebuah gerakan yang merangkul beragam manifestasi budaya massa, budaya yang dibuat untuk orang banyak dan diproduksi oleh media besar.
Dengan melibatkan elemen-elemen yang dihasilkan oleh masyarakat industri, “pop art” melakukan gerakan ganda yang mampu mengungkapkan kepada kita kekayaan keberadaannya sendiri. Di satu sisi, ia mengekspos jejak masyarakat yang ditandai dengan industrialisasi, pengulangan, dan penciptaan ikon instan. Di sisi lain, ia mempertanyakan batas-batas pembuatan artistik dengan menghindari pemikiran otonom dan menutupi fenomena pada zamannya, sehingga dapat melahirkan kreasinya sendiri.
Gerakan “pop art” muncul pada momen bersejarah yang ditandai dengan kebangkitan masyarakat industri besar yang pernah terkena dampak Perang Dunia II. Dengan cara ini, ia mengadopsi pusat kota besar Amerika Utara dan Inggris sebagai lingkungan bagi perwakilan pertamanya untuk mengambil inspirasi untuk menciptakan karya mereka. Potongan iklan, gambar selebriti, logo, dan komik adalah beberapa dari inspirasi ini.
Anggota "pop art" berhasil menarik perhatian masyarakat umum dengan terinspirasi oleh elemen yang secara teori tidak diakui sebagai seni, dengan mempertimbangkan bahwa konsumsi adalah tanda saat ini waktu. Bintang film besar, buku komik, mobil modern, gadget elektronik, atau barang kalengan telah didekonstruksi sehingga kesan dan ide para seniman ini menandakan kekuatan reproduksi dan kefanaan dari apa yang ditawarkan oleh era tersebut. industri.
Di antara perwakilan lain dari gerakan ini, kita dapat menyoroti sosok Andy Warhol, yang dikenal dengan berbagai versi "Marilyn Monroe" berwarna-warni, yang diproduksi pada tahun 1967. Contoh lain dari "seni pop" dapat dikenali dalam karya "No Carro", di mana Roy Lichenstein menggunakan bahasa komik untuk mengeksplorasi situasi perkotaan. Bahkan saat ini, banyak seniman menggunakan referensi “seni pop” untuk mendesain lukisan, patung, dan instalasi lainnya.
Oleh Rainer Sousa
Magister Sejarah
