Tarsila do Amaral dia tokoh di antara nama-nama paling terkenal dan diakui dalam lukisan nasional, menjadi ikon dari modernisme brasil. Mengintegrasikan beberapa elemen khas dari budaya Brasil, sang seniman mampu menghasilkan identitas budayanya sendiri, yang mengasimilasi tren seni Eropa modern, sambil memberi mereka warna nasional.
Selain periode modernis, karyanya yang paling terkenal, abaporu, simbol Manifesto Anthropophagous 1928, juga lukisan paling berharga dalam sejarah seni Brasil. Selain itu, Tarsila do Amaral adalah salah satu perwakilan besar seni Amerika Latin, dengan pameran yang didedikasikan untuknya beredar di museum-museum besar di seluruh dunia.
Biografi
Tarsila do Amaral lahir pada 1 September 1886, di pertanian São Bernardo, di kotamadya Capivari (SP). Di keluarga kaya, pewaris properti pedesaan yang besar di pedalaman São Paulo, ia tumbuh bersama tujuh saudara kandung, mendengarkan ibunya bermain piano dan ayahnya membacakan puisi dalam bahasa Prancis, bahasa yang ia pelajari sejak kecil. Dia dikirim ke ibu kota untuk belajar di Colegio Sion dan kemudian ke Barcelona untuk menyelesaikan studinya. Di Spanyol, ia melukis lukisan pertamanya,
Hati Kudus Yesus.Sekembalinya, ia menikah dengan dokter André Teixeira Pinto, yang bertunangan dengannya. Sang suami merasa terganggu dengan kerajinan seninya, ia memaksakan perilaku sopan dan rumah tangga pada Tarsila. Setelah kelahiran putri tunggal pasangan itu, Dulce, Tarsila kemudian memutuskan untuk pemisahan. Berkat pengaruh besar keluarganya – yang selalu mendukung karirnya di bidang seni –, ia berhasil, pada tahun 1925, untuk pembatalan pernikahanmu (karena perceraian tidak diizinkan oleh hukum di Brasil).
Pada tahun 1918, ia mulai memiliki pelajaran melukis di studio Pedro Alexandrino, di mana ia bertemu dengan pelukis Anita Malfatti. Pada tahun 1920, ia berangkat ke Paris, di mana ia tinggal sampai Juni 1922, belajar di Académie Julien dan mengambil pelajaran dengan pelukis Emile Renard. Dulu dari surat-surat yang dikirim oleh Malfatti bahwa Tarsila mengetahuinya Pekan Seni Modern, yang terjadi pada bulan Februari 1922.
Kembali ke Sao Paulo, Malfatti memperkenalkan Tarsila kepada seniman modernis, dan “kelompok lima”: Anita Malfatti, Oswald de Andrade, mario de andrade, Menotti del Picchia dan Tarsila do Amaral. Selama periode ini, Tarsila dan Oswald memulai hubungan romantis, membuat pernikahan resmi beberapa tahun kemudian. Pada titik inilah Tarsila mulai menghasilkan seni rupa modern.
Pada akhir tahun 1922, Tarsila kembali ke Paris, kali ini untuk belajar dengan master kubisme Albert Gleizes dan Fernand Léger. Penyair Prancis-Swiss Blaise Cendrars memperkenalkan Tarsila dan Oswald kepada seluruh intelektual Paris, termasuk nama-nama besar seperti Picasso, pasangan Delaunay dan musisi Stravinsky dan Erik Satie. Selama tinggal baru di Prancis ini, Tarsila berteman dengan seniman Brasil lainnya yang ada di sana, seperti Villa-Lobos dan Di Cavalcanti, dan juga dengan pelanggan Paulo Prado dan Olivia Guedes Penteado.
Pada tahun 1925, Oswald merilis buku puisinya yang berjudul Brazilwood, dengan ilustrasi oleh Tarsila. Berputar-putar di antara musim-musim hebat di Eropa dan perjalanan keliling Brasil untuk menangkap warna nasional untuk kanvas mereka, perdana pada tahun 1926 dengan pameran tunggal di Paris, menerima ulasan yang sangat menguntungkan.
Besar krisis 1929, bagaimanapun, memiliki konsekuensi yang tidak menguntungkan bagi Tarsila. Keluarga petaninya, yang menyediakan sumber daya yang diperlukan untuk begitu banyak perjalanan ke Prancis, adalah terkena dampak krisis kopi dan dipaksa untuk menjual properti. Tarsila kehilangan hampir semua kekayaannya dan lebih dari itu, terpisah dari Oswald, kemudian jatuh cinta dengan siswa Patrícia Galvão, Pagu. Tarsila mendapat pekerjaan di Pinacoteca Negara Bagian São Paulo, situasi yang juga tidak berlangsung lama, karena dia dipecat dengan kedatangan Getulio Vargas berkuasa pada tahun 1930.
Menganggur dan tidak punya uang, dia menjual beberapa lukisan dan melakukan perjalanan, pada tahun 1931, ke Uni Soviet, bersama suami barunya, psikiater Osório César. Selama perjalanan ini, Tarsila mengembangkan konsepsi politik baru, lebih ditujukan untuk pertanyaan sosial. Setelah itu, dia berangkat ke Paris, di mana dia mengalami, sebenarnya, pengalaman kerja, bekerja sebagai pelukis dinding di gedung-gedung.
Tarsila bercerai lagi, menikahi penulis Luiz Martins, dua puluh tahun lebih muda darinya. Pernikahan itu berlangsung hingga sekitar tahun 1960-an. Pada tahun 1965, karena sakit punggung yang parah, pelukis menjalani prosedur pembedahan, tetapi karena kesalahan medis, ia tidak dapat berjalan. Tahun berikutnya, putrinya meninggal karena diabetes, yang sangat mengguncang Tarsila. Terperosok dalam kesedihan dan depresi, Tarsila menemukan found spiritisme melegakan - dia berteman dengan Chico Xavier dan mulai menyumbang, ke lembaga amal yang dikelola olehnya, semua yang dia kumpulkan dari penjualan karyanya.
Tarsila do Amaral meninggal di São Paulo pada 17 Januari 1973.
Baca juga: Modernisme di Brasil – karakteristik, fase, karya
Tarsila dan modernisme
Meski tidak aktif mengikuti Pekan Seni Modern 1922, Tarsila menjadi became nama besar dalam seni plastik modernisme nasional. Hanya dari pertemuannya dengan seniman modernis, Tarsila benar-benar mengembangkan gaya yang dikenalnya.
Perjalanannya melalui Brasil, terutama melalui pedalaman São Paulo dan Minas Gerais, pada tahun 1923, memberinya inspirasi untuk karya pertamanya. mempengaruhi komposisi kubisme, dalam bentuk geometris bergaya, memanfaatkan warna-warna yang dianggap "bukit" oleh master mereka sebelumnya, terkait dengan lukisan akademis.
Dalam kutipan berikut, Tarsila mengungkapkan niat dan komitmennya untuk mencari benar-benar seni Brasil, keunggulan perusahaan modernis:
“Saya merasa semakin Brasil: Saya ingin menjadi pelukis tanah saya. Betapa saya bersyukur telah menghabiskan seluruh masa kecil saya di pertanian. Kenangan saat itu menjadi berharga bagiku. Dalam seni, saya ingin menjadi caipirinha [dari pertanian] São Bernardo, bermain dengan boneka liar, seperti pada lukisan terakhir yang saya lukis.”
(Surat dari Tarsila do Amaral kepada keluarga, selama tinggal di Paris, tahun 1924)
Karya Tarsila do Amaral dibagi menjadi tiga fase utama: pertama, disebut kayu brazil; kedua, antropofagik, dan yang ketiga, dari jejak Sosial.
fase kayu merah
Hal ini terkait dengan karya yang dihasilkan antara tahun 1924 dan 1928, dari perjalanan ke Rio de Janeiro, selama Karnaval, dan ke kota-kota bersejarah Minas Gerais. Ini adalah penerapannya "warna pita", ditolak oleh para akademisi master seni lukis, dan niat besar Tarsila dalam mewakili pedesaan dan perkotaan Brasil dalam gambar Anda. Karya-karya dari fase ini mengekspos pengaruh Kubisme dan tema-tema yang di atas segalanya lanskap Brasil, seperti Bukit Favela (1924) dan Sao Paulo (1924).
Fase antropofagik
Itu dimulai pada tahun 1928, dari karya ikonik abaporu – yang namanya merupakan gabungan dari kata “aba” dan “poru”, yang berarti “pria yang makan” dalam bahasa Tupi-Guarani. Dilukis sebagai hadiah ulang tahun untuk suaminya saat itu, Oswald de Andrade, itu menjadi lebih dari itu: itu adalah inspirasi utama untuk penulisan Anthropophagous Manifesto dan untuk awal gerakan seni yang memiliki eksponen di berbagai segmen seni nasional.
Ide sentral dari proyek antropofag adalah melahap pengaruh budaya Eropa, karena tidak berlaku untuk kondisi Brasil, dan dari menelan, memodifikasi apa yang dimakan, menghasilkan seni yang benar-benar nasional.
Lukisan antropofagik Tarsila memadukan pembelajaran modern kubisme dengan alam semesta kepadatan mistik dan seperti mimpi, cukup berakar pada budaya Brasil, memanfaatkan Warna-warna cerah, seperti merah, ungu, hijau dan kuning. Mereka adalah bagian dari fase ini, selain abaporu (1928), karya yang hitam (1923), yang mengantisipasi fase ini, Telur [Urutu] (1928), Bulan (1928), Hutan (1929), Matahari terbenam (1929), antara lain.
fase sosial
Setelah berada di Uni Soviet dan pernah bekerja sebagai pelukis tembok konstruksi di Prancis, Tarsila mulai bercermin pada karya-karya tematiknya yang berkaitan dengan proletariat, à kesenjangan sosial, di penindasan diderita oleh para pekerja, hingga masalah kapitalisme industri.
Papan para pekerja (1933) meresmikan fase bergambar baru ini, yang ditandai dengan penggunaan warna yang lebih tenang dan abu-abu, cerminan dari keputusasaan mereka yang, meskipun bekerja tanpa lelah, tidak memiliki akses ke barang-barang dasar seperti kesehatan dan pendidikan. Lukisan-lukisan itu juga dianggap sebagai ikon besar fase ini. Kelas kedua (1933) dan penjahit (1936).
Baca juga:Kubisme – avant-garde artistik yang memengaruhi Tarsila
Karya utama
- yang hitam (1923)
- cuca (1924)
- Bukit Favela (1924)
- Sao Paulo (1924)
- pohon pepaya (1925)
- Potret diri (Manteau Rouge) (1925)
- Manaca (1927)
- abaporu (1928)
- Telur (Urutu) (1928)
- Jarak (1928)
- Bulan (1928)
- Tidur (1928)
- Kebiasaan makan manusia (1929)
- Matahari terbenam (1929)
- Hutan (1929)
- Kartu pos (1929)
- Pekerja (1933)
- Kelas kedua (1933)
oleh Luiza Brandino
Guru sastra
Sumber: Sekolah Brasil - https://brasilescola.uol.com.br/biografia/tarsila-amaral.htm
