Slikarstvo je jedna od najtradicionalnijih i najcjenjenijih vrsta umjetnosti na svijetu. Kroz njega su veliki umjetnici izražavali ideje i osjećaje, ostavljajući tako neprocjenjivu ostavštinu.
Prema španjolskom slikaru Pablu Picassu:
Slikarstvo nikad nije proza. Poezija je napisana stihovima od plastične rime.
Odabrali smo 15 slika izrađenih uljanom bojom koje su ušle u povijest zapadne umjetnosti. Takva se djela održavaju kao kulturni simboli, bilo zato što donose umjetničke inovacije, politička pitanja ili zato što predstavljaju težnje i osjećaje zajedničke čovječanstvu.
1. Mona Lisa Leonarda Da Vincija
Ploča Mona Lisa - s pravom THE Gioconda izvorno - je stvaranje Leonardo da Vinci, jedna od najslavljenijih ličnosti talijanske renesanse.
U njemu je žena prikazana zagonetnim izrazom lica, pokazujući vrlo intrigantan lagani osmijeh koji nas poziva da zamislimo kakve bi mogle biti njezine misli i osjećaji. Je li Mona Lisa pokazivala zadovoljstvo, nevinost ili određenu aroganciju?
Mnogi su teoretičari i likovni kritičari pokušali razotkriti ovu tajnu i nekoliko je umjetničkih produkcija bilo napravljen nadahnut ovom slikom koja se može smatrati jednim od najvećih remek-djela u povijesti umjetnosti zapadni.
2. Guernica Pabla Picassa
Guernica jedna je od najablematičnijih slika španjolskog slikara Pabla Picassa, velikog predstavnika kubizma.
U ovom djelu prikazuje strahote španjolskog građanskog rata, posebno bombardiranje baskijskog grada Guernice 26. travnja 1937.
Ovo veliko platno postalo je simbol u borbi protiv svih vrsta rata i revolucioniralo je povijesno slikarstvo, jer se prema patnji odnosi bez vremena.
3. Poljubac Gustava Klimta
Platno, koje je naslikao Austrijanac Gustav Klimt 1907. to je poznato djelo u povijesti umjetnosti. Ova je slika neprestano reproducirana i utiskivana na predmete, predstavljajući ikonu zapadne kulture.
Djelo je dio takozvane "zlatne faze" u Klimtovoj umjetničkoj produkciji, kada u svojim skladbama zloupotrebljava blistave elemente koji se odnose na drago kamenje, pa čak i na zlatno lišće.
U Poljubac, prikazan je par (što bi bio sam umjetnik i njegova supruga), u isprepletenom položaju, što sugerira naklonost i toplinu.
Međutim, pažljivijim pogledom također je moguće primijetiti da se muškarac saginje nad svojom voljenom, budući da je aktivna figura u ovom zagrljaju, a žena bi, klečeći, bila znak ženske pokornosti.
4. Vrisak Edvarda Muncha
Vrisak je najpoznatija slika Edvarda Muncha, norveškog slikara. Ovo je djelo reproducirano tijekom vremena, uključujući i druge umjetnike poput Andyja Warhola.
Njegov je uspjeh vjerojatno bio zato što je Munch uspio vrlo uspješno prikazati osjećaj tjeskobe i usamljenosti kojem su ljudi izloženi.
Bojom, oblicima i linijama slikar je u ovu kompoziciju ugradio simbol ljudskog očaja, koji je ujedno ikona ekspresionističkog avangardnog pokreta.
5. Jackson Pollock br. 5
1948., u poslijeratnom razdoblju, Amerikanac Jackson Pollock izradio je platno s naslovom Broj 5.
Umjetnik je bio jedna od preteča apstraktnog ekspresionizma, umjetničkog pokreta koji se pojavio 40-ih u SAD-u.
Ovaj je rad rađen tehnikom kaplje (kap po kap), mnogo istražio slikar. Metoda se sastoji od izlijevanja tekuće boje na velika platna razvučena na podu. Na taj način slikar izvodi opsežne tjelesne pokrete, gotovo kao da je "ušao" u djelo u trenutku stvaranja.
U svibnju 2006. slika je prodana za nevjerojatnih 140 milijuna dolara, što je najviša cijena plaćena za sliku do 2011. godine.
6. Djevojke Diega Velázqueza
U početku naslovljen Obitelj Filipa IV, Ploča Djevojke, naslikao je 1656. godine umjetnik Diego Velázquez. Ovo djelo predstavlja zlatno doba slikara, rođenog u gradu Sevilli, Španjolska.
Slika prikazuje moguće svakodnevne prizore dvora iz 17. stoljeća. Naizgled jednostavno, platno sadrži niz elemenata koje će gledatelj "otkriti", što ga čini jednim od najdubljih djela u povijesti umjetnosti.
Na slici je slikar sebe prikazao kako radi na platnu koje su naručili kraljevi Filipe IV i Mariana, a koja se ogledaju u zrcalu u stražnjem dijelu prostorije. Ova nam značajka također daje osjećaj da bi bili gledatelji samog djela.
7. Izjedači krumpira Vincenta Van Gogha
Ovo je djelo proizvelo 1885 Vincent Van Gogh, Nizozemski slikar postimpresionizma i ekspresionizma. Današnji hvaljeni Van Gogh bio je usamljeni umjetnik i za svog života imao je vrlo malo priznanja.
Dotična slika prikazuje seljačku obitelj koja jede u svom skromnom domu, osvijetljenom prigušenom lampom. Riječ je o dobro poznatom slikarskom djelu i prikazuje tehnički razvoj njegovog slikarstva, utiskujući ekspresionističke karakteristike koje će postati njegov zaštitni znak.
Uz to, pokazuje veliko zanimanje za socijalna i humanitarna pitanja. Prema samom umjetniku:
Htio sam se svjesno posvetiti izražavanju ideje da su ti ljudi koji u ovom svjetlu jedu krumpir rukama, obrađivali zemlju. Moja slika zato veliča fizički rad i hranu koju su sami tako iskreno zaradili.
8. Ustrajnost sjećanja Salvadora Dalíja
Salvador Dali bio katalonski slikar koji je bio dio nadrealizma u Europi. Jedna od njegovih najpoznatijih slika je THEPostojanost pamćenja.
U ovom radu Dalí predstavlja protok vremena kroz uznemirujući lik rastopljenih satova u sušnom krajoliku, bezobličnom tijelu, mravima i muhi.
U pozadini je također moguće primijetiti liticu i more, krajolik koji upućuje na njegovo mjesto podrijetla, Kataloniju.
Ovo je djelo pronađeno od 1934. godine u Muzeju moderne umjetnosti u New Yorku, u Sjedinjenim Državama.
9. Utisak, Izlazeće sunce Claudea Moneta
Claude Monet, važan slikar impresionizma, europskog avangardnog umjetničkog pokreta, osmislio je ovo djelo 1872. godine.
Sastav je orijentir u slikarstvu jer pokazuje novi način četkanja bilježeći trenutak kada sunce prelazi maglu u zaljevu Le Havre u Normandiji.
Može se smatrati da je inovacija prisutna u ovom djelu revolucionirala slikarstvo.
Reakcija tadašnjeg tiska bila je protiv novog stila i ovo je platno smatrala "nedovršenim" djelom. Izložba na kojoj je prikazana pejorativno je nazvana "impresionistička izložba" i izabrana Tisak, izlazeće sunce kao najveću metu kritike. Zbog ove je epizode impresionistička struja nazvana tako.
10. Pogubljenja Francisca de Goye 3. maja
Pogubljenja Tri maja, Tri maja 1808 u Madridu ili Pogubljenja na planini Principe Pío, slika je španjolskog slikara Francisca de Goye.
Na ovoj slici Francisco de Goya predstavlja impresivan portret genocida koji se dogodio u Madridu 1808. godine. Taj je događaj posljedica takozvanog Poluotočnog rata (1807-1814), kada je Napoleon Bonaparte napao Španjolsku.
Dan prije ovog strašnog pokolja, neki iz Madrida sukobili su se s napoleonskim trupama. Imajući samo oružje iz blizine, suočili su se s neprijateljskom konjicom i bili strogo potisnuti.
Ovu je epizodu u djelu prikazao i Goya 2. svibnja u Madridu i čine duet sa Pucnjava 3. svibnja.
Kao prigovor "odvažnosti" civila, izveden je masakr koji je kulminirao smrću nebrojenih nevinih. Goya, koji je živio vrlo blizu mjesta, svjedočio je takvim epizodama i godinama kasnije osmislio ovo platno, koje će postati prekretnica u povijesti umjetnosti i osuda ratnih strahota - utječući na druge umjetnike poput Picassa u produkciji vašeg Guernica.
Na pitanje zašto je slikao ta zlodjela, Goya je odgovorio:
Da bih imao zadovoljstvo zauvijek reći muškarcima da ne budu barbari.
11. Mlada djevojka s bisernom naušnicom, Johannes Vermeer
Ploča Djevojka s bisernom naušnicom smatra se "nizozemskom Mona Lizom" jer također prikazuje žensku figuru obavijenu tajanstvenom atmosferom.
Vjeruje se da je Johannes Vermeer, nizozemski umjetnik, izradio ovaj portret 1665. godine - platno nije datirano. U njemu promatramo djevojku koja nam se osvrće vedrim i čednim zrakom, donoseći sjaj na njene razdvojene usne.
Druga se pretpostavka odnosi na ukras na glavi mlade žene. U to se vrijeme turban više nije koristio, pa se pretpostavlja da je Vermeer nadahnut drugim radom, dječak u turbanu, koji je naslikao Michael Sweerts 1655.
Ovo je slikarevo najpoznatije djelo i nadahnulo je produkciju knjige i filma, oboje s istim imenom kao i slika.
12. Ručak lađara Pierrea-Augustea Renoira
1881. god. Pierre-Auguste Renoir završava bojanje okvira Ručak nautičara, važan eksponent impresionističkog pokreta.
U djelu slikar razrađuje sretan i opušten prizor prikazujući susret prijatelja opran puno hrane i prekrasan pogled na rijeku Seinu. Svi prikazani ljudi bili su bliski prijatelji Renoira, a jedna od žena koja se pojavi na ekranu postala je njegova supruga godinama kasnije.
Ovaj se umjetnički trend bavio snimanjem prirodne rasvjete i spontanih scena kroz fiksiranje trenutka. Možemo reći da je impresionizam bio avangardni pokret koji je dao poticaj takozvanoj modernoj umjetnosti.
13. Bolnica Henry Ford (Leteći krevet) autorice Fride Kahlo
Frida Kahlo bio važan meksički umjetnik koji je živio u prvoj polovici 20. stoljeća.
Njezina slika, gotovo uvijek autobiografska, prikazuje njezinu bol, njezinu veliku ljubav (također slikara Diega Riveru), ponos zbog toga što je žena i zbog svog latinoameričkog podrijetla.
Fridina produkcija krcata je simbolima i elementima koji koketiraju s nadrealizmom, iako slikar poriče da je bio dio takvog pokreta i da je bio bliži vrsti konfesionalne umjetnosti. Ona navodi:
Nikad ne slikam snove ili noćne more. Oslikavam vlastitu stvarnost.
U djelu koje je postalo poznato kao Leteći krevet, umjetnica prikazuje bolnu epizodu u svom životu, kada gubi dijete koje je čekalo Diega.
Frida je pretrpjela nekoliko uzastopnih pobačaja, jer nije mogla održati trudnoću zbog problema s stečen kao dijete - zarazio se dječjom paralizom - i u adolescenciji, kada je pretrpio ozbiljnu nesreću. vlak.
Prije nekoliko godina Fridu je "otkrila" većina ljudi i smatra se ikonom umjetnosti, pa čak i pop kulture i feminističkog pokreta.
14. Iseljenici iz Cândida Portinarija
retreatanti to je slikarsko djelo Cândido Portinari, rođen u unutrašnjosti Sao Paula, u gradu Brodowski.
Platno je stvoreno 1944. godine i prikazuje obitelj migranata, ljude koji se sele iz sjeveroistočne regije na druga mjesta u nadi da će izbjeći sušu, siromaštvo i smrtnost novorođenčadi.
Upečatljiv je način na koji umjetnik prikazuje tanka, iscrpljena i bolna tijela izražavanja u sušnom i sivom krajoliku.
Postoje supovi koji lete iznad ljudi, kao da čekaju svoju smrt. Djeca su prikazana pothranjena i bolesna - primijetite dječaka s desne strane koji ima trbuh koji nije proporcionalan tijelu, znak vodenastog trbuha.
Možemo napraviti paralelu između ovog djela i književnog djela Vidas Secas, koje je godinama prije, 1938., napisao književnik Graciliano Ramos i koje se bavi istom temom.
Portinari je bio izvrstan umjetnik koji je, između ostalog, cijenio brazilski narod i osuđivao socijalne probleme zemlje.
15. Abaporu iz Tarsile do Amarala
abaporu produkcija je umjetnice Tarsila do Amaral, istaknute ličnosti brazilskog modernističkog pokreta.
Ime djela je autohtonog podrijetla i, prema umjetniku, znači "antropofag" - što je isto što i kanibal. Kao rezultat ovog rada, Oswald de Andrade, Tarsilin suprug i također umjetnik, definira osnove antropofagijske teorije za modernu umjetnost u Brazilu.
Takva teorija sugerirala je da brazilski umjetnici piju iz izvora europskih avangardnih pokreta, ali razvijaju proizvodnju s nacionalnim obilježjima. Poznata fraza koja definira razdoblje je:
Jedino nas spaja antropofagija.
Abaporu donosi vrijednost ručnog rada, s istaknutim rukama i nogama. Jake boje, kaktus i sunce aludiraju i na tropsku klimu i krajolik.
Pročitajte i vi: Modernistička djela Tarsile do Amarala
