O modernisme brésilien c'était une période où les artistes étaient très intéressés à apporter un renouveau à l'art du pays.
S'inspirant des avant-gardes européennes, ils produisent des œuvres qui dialoguent avec la culture nationale et brisent les normes esthétiques en vigueur jusqu'alors.
L'un des grands noms de l'époque était Tarsila do Amaral, une figure décisive dans la consolidation de ce courant artistique au Brésil.
Ci-dessous, découvrez dix œuvres modernistes importantes de Tarsila que nous présentons par ordre chronologique.
1. Le Noir, 1923
Au travail le noir, Tarsila expose la figure d'une femme aux traits bien définis, aux grandes mains et aux pieds et à la petite tête. De plus, l'artiste explore des éléments cubistes en arrière-plan.
Dans cette œuvre, on peut voir la représentation de la femme noire comme un être porteur d'une lourde charge sociale, que l'on perçoit à travers son regard mélancolique et sa poitrine tombante exposée.
Le sein qui pend du corps fait référence à la pratique des nourrices pendant la période de l'esclavage, au cours de laquelle les femmes esclaves allaitaient et prenaient soin des enfants des femmes blanches d'élite.
Le tableau est une huile sur toile réalisée en 1923 - un an après la Semaine de l'Art Moderne - et mesure 100 x 80 cm. Il appartient à la Collection du Musée d'Art Contemporain de l'Université de São Paulo, à São Paulo.
2. La Cuca, 1924
la composition la cuca apporte une figure présente dans le folklore brésilien et dans l'imaginaire de la population. Selon la légende, il est dit que la cuca était une sorcière maléfique avec le corps d'un alligator qui a kidnappé des enfants désobéissants.
Peinte dans des couleurs tropicales vibrantes, la toile rappelle l'enfance; présente des animaux et une nature vivante. Appartient à Phase moderniste Pau-Brésil, qui précède le mouvement anthropophage.
Il s'agit d'une création de 1924, mesure 73 x 100 cm, a été réalisée à la peinture à l'huile et se trouve au Musée de Grénoble, France.
3. São Paulo (Gazo), 1924
L'oeuvre São Paulo (Gazo) il fait également partie de la phase Pau-Brésil de Tarsila, étant l'un des jalons de la période.
Dans cette phase, l'artiste explore les éléments urbains et la modernisation des villes en contraste avec les paysages tropicaux et la valorisation de la faune et de la flore.
Selon l'historien et artiste Carlos Zilio :
Dans des œuvres comme celle-ci, Tarsila situe la perception du Brésil dans la perspective ouverte par l'industrialisation.
Il s'agit d'une huile sur toile de 1924, de format 50 x 60 cm et appartenant à une collection privée.
4. Morro da Favela, 1924
Colline des favelas appartient à la période Pau-Brésil. Il représente une favela avec des maisons colorées, des arbres et des gens.
C'est une œuvre de dénonciation sociale, puisqu'à cette époque la population pauvre était contrainte de céder de l'espace dans les grands centres et de se déplacer vers les zones périphériques. C'est à cette époque qu'il y a eu une énorme augmentation des bidonvilles dans le pays.
Malgré les critiques, Tarsila parvient à dépeindre cette réalité de manière légère, suggérant une harmonie et une idéalisation de la colline comme lieu idyllique. La composition date de 1924, mesure 64 x 76 cm et appartient à une collection privée.
5. Abaporu, 1928
L'une des œuvres les plus connues de Tarsila est sans aucun doute Abaporu. Le nom est une combinaison de mots Tupi languette (Hommes), porte (les gens et ú (manger), signifiant donc homme qui mange les gens, ou cannibale.
Il a été conçu en tenant compte de la culture brésilienne et montre une personne assise dans une position réfléchissante. La figure présente de grandes distorsions et s'insère dans un paysage typiquement brésilien, plus précisément dans le Nord-Est. Expose intensément les couleurs du drapeau brésilien.
Ce cadre a donné l'impulsion à une nouvelle phase du modernisme brésilien: le mouvement anthropophage.
Abaporu a été réalisé en 1928 selon la technique de l'huile sur toile et mesure 85 x 72 cm. Il se trouve actuellement au Musée d'art latino-américain de Buenos Aires (MALBA).
6. Urutu (L'œuf), 1928
L'oeuvre Urutu - aussi connu sous le nom L'œuf - est plein de symbolisme. Il comporte un serpent, qui est un animal très redouté et a la capacité d'avaler. Il y a aussi un énorme œuf, signifiant la naissance d'une idée, d'un nouveau projet.
Ces symboles sont directement liés au mouvement moderniste qui était en train de naître dans le pays, notamment avec la phase anthropophage. Cette phase proposait d'« ingérer » les idées des avant-gardes artistiques qui ont eu lieu en Europe et de les transformer en un nouvel art soucieux de la culture nationale.
La toile a été réalisée en 1928. Peint à la peinture à l'huile, il mesure 60 x 72 cm et fait partie de la collection de la Collection Gilberto Chateaubriand, au Musée d'Art Moderne (MAM), à Rio de Janeiro.
7. La Lune, 1928
Dans le conseil La lune, l'artiste présente un paysage nocturne aux couleurs saturées et aux formes sinueuses. La lune et le cactus apparaissent de manière très stylisée.
La composition, réalisée en 1928, appartient à la phase anthropophage de Tarsila et mesure 110 x 110 cm.
En 2019, il a été acquis par le Museum of Modern Art de New York (MoMA) pour un montant exorbitant de 20 millions de dollars (environ 74 millions de reais).
La célèbre galerie a publié une note montrant sa satisfaction à l'égard de l'acquisition et a exprimé son appréciation pour le travail du peintre en disant :
Tarsila est une figure fondatrice de l'art moderne au Brésil et un protagoniste central dans les échanges transatlantiques et culturels de ce mouvement.
8. Anthropophagie, 1929
Dans Anthropophagie, Tarsila a rejoint deux œuvres déjà produites: le noir (1923) et abaporu (1928). Sur cette toile, l'artiste fusionne les deux figures, comme si elles étaient dépendantes l'une de l'autre.
Ici, l'image de la femme noire est présentée avec sa tête diminuée, correspondant à la tête de abaporu. Les êtres sont enchevêtrés comme s'ils ne faisaient qu'un et s'intègrent à la nature.
Rafael Cardoso, historien de l'art, définit l'œuvre comme suit :
Dans Antropofagia, les choses ne changent pas. Ils sont juste; ils subsistent, avec une permanence terrible et solide qui les ancre au sol.
Le tableau a été peint en 1929, est une huile sur toile mesurant 126 x 142 cm et appartient à la Fondation José e Paulina Nemirovsky, à São Paulo.
9. Travailleurs, 1933
Dans les années 30, avec l'immigration et l'impulsion capitaliste, de nombreuses personnes ont débarqué dans les centres métropolitains - en particulier São Paulo - venant de différentes régions du Brésil afin de répondre au besoin de main-d'œuvre bon marché qui les usines ont exigé.
A cette époque, Tarsila entame sa dernière phase moderniste, appelée Phase sociale, dans lequel il explore des thèmes à caractère collectif et social. Ici, elle interroge les malheurs de l'industrialisation, la concentration des richesses entre les mains de quelques-uns et l'exploitation à laquelle beaucoup sont soumis.
Le peintre fait ensuite la toile Travailleurs, dans lequel il montre les visages de personnes différentes, d'ethnies diverses, mais qui partagent une expression d'épuisement. Dans cette composition, la masse du peuple apparaît comme un portrait des ouvriers d'usine de l'époque.
Il s'agit d'une œuvre de 1933, mesurant 150 x 205 cm et située au Palácio Boa Vista, à Campos do Jordão.
10. Deuxième classe, 1933
Jusque là Seconde classe il appartient aussi à la phase sociale.
Ici, Tarsila dépeint des personnes dans une gare. En arrière-plan, il y a la figure d'une femme avec un enfant dans les bras et un homme âgé. A l'extérieur de la voiture, quatre femmes, trois hommes et cinq enfants semblent fatigués et désespérés.
La scène dépeint une réalité très courante à l'époque, la l'exode rural, qui est la migration de la campagne vers les villes d'individus qui partent à la recherche de meilleures conditions de vie et d'opportunités.
Les couleurs choisies dans la composition sont grises et n'ont plus l'intensité et la vie des autres phases modernistes du peintre.
Il s'agit d'une œuvre réalisée selon la technique de l'huile sur toile, mesurant 110 x 151 cm et faisant partie d'une collection privée.
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Qui était Tarsila do Amaral ?
Tarsila do Amaral il est né le 1er septembre 1886 à l'intérieur de São Paulo, dans la ville de Capivari. Il a étudié l'art en Europe et a eu des contacts avec de grands maîtres qui faisaient partie de l'avant-garde artistique du début du 20e siècle.
Au milieu des années 1920, il retourne au Brésil et commence à produire des œuvres sur des thèmes brésiliens. A cette époque, il épousa l'artiste et agitateur culturel Oswald de Andrade, avec qui il entame un mouvement de transformation de l'art national, aux côtés d'autres personnalités.
Tarsila est décédée en 1973, à l'âge de 86 ans, laissant derrière elle une production artistique d'une importance capitale pour l'histoire de l'art.