Tarsila do Amaral figure parmi les noms les plus connus et acclamés de la peinture nationale, étant une icône de la modernisme brésilien. Intégrer plusieurs éléments typiques de la culture brésilienne, l'artiste a su produire sa propre identité culturelle, qui a assimilé les courants de l'art moderne européen, tout en leur donnant des couleurs nationales.
Outre la période moderniste, son œuvre la plus célèbre, l'abaporu, symbole du Manifeste anthropophage de 1928, est aussi le tableau le plus précieux de l'histoire de l'art brésilien. De plus, Tarsila do Amaral est l'une des grandes représentantes de l'art latino-américain, avec des expositions qui lui sont consacrées circulant dans les plus grands musées du monde.
Biographie
Tarsila do Amaral est née le 1er septembre 1886, dans la ferme São Bernardo, dans la municipalité de Capivari (SP). Dans famille aisée, héritière de
grandes propriétés rurales à l'intérieur de São Paulo, il a grandi, avec sept frères et sœurs, en écoutant sa mère jouer du piano et son père réciter des poèmes en français, une langue qu'il a apprise depuis l'enfance. Elle a été envoyée dans la capitale pour étudier au Colegio Sion puis à Barcelone pour terminer ses études. En Espagne, il peint son premier tableau, Sacré coeur de Jésus.À son retour, elle épousa le docteur André Teixeira Pinto, avec qui elle était fiancée. Le mari était gêné par son métier d'artiste, il imposait à Tarsila un comportement réservé et domestique. Après la naissance de la fille unique du couple, Dulce, Tarsila décide alors de séparation. Grâce à l'énorme influence de sa famille – qui a toujours soutenu sa carrière artistique –, il réussit, en 1925, à l'annulation de votre mariage (puisque le divorce n'était alors pas autorisé par la loi au Brésil).
En 1918, il a commencé à avoir cours de peinture dans l'atelier de Pedro Alexandrino, où il rencontre la peintre Anita Malfatti. En 1920, il part pour Paris, où il reste jusqu'en juin 1922, étudie à l'Académie Julien et suit les cours du peintre Emile Renard. A été des lettres envoyées par Malfatti que Tarsila a pris connaissance de la Semaine de l'art moderne, qui eut lieu en février 1922.
De retour à São Paulo, Malfatti a présenté Tarsila aux artistes modernistes, et le "groupe de cinq”: Anita Malfatti, Oswald de Andrade, mario de andrade, Menotti del Picchia et Tarsila do Amaral. Au cours de cette période, Tarsila et Oswald ont commencé une relation amoureuse, se mariant officiellement quelques années plus tard. C'est à ce moment que Tarsila a commencé à produire de l'art moderne.
Fin 1922, Tarsila rentre à Paris, cette fois étudier avec des maîtres cubistes Albert Gleizes et Fernand Léger. Le poète franco-suisse Blaise Cendrars a présenté Tarsila et Oswald à toute l'intelligentsia parisienne, y compris à de grands noms tels que Picasso, le couple Delaunay et les musiciens Stravinsky et Erik Satie. Lors de ce nouveau séjour en France, Tarsila se lie d'amitié avec d'autres artistes brésiliens présents, comme Villa-Lobos et Di Cavalcanti, et aussi avec les mécènes Paulo Prado et Olivia Guedes Penteado.
En 1925, Oswald a publié son livre de poésie intitulé Brésil, avec des illustrations de Tarsila. Oscillant entre les grandes saisons en Europe et les voyages au Brésil à la recherche des couleurs nationales pour leurs toiles, créé en 1926 avec une exposition personnelle à Paris, recevant des critiques très favorables.
Le grand crise de 1929, cependant, a eu des conséquences néfastes pour Tarsila. Sa famille d'agriculteurs, qui fournissait les ressources nécessaires à tant de voyages en France, était touchés par la crise du café et forcé de vendre les propriétés. Tarsila a perdu presque toute sa fortune et au-delà, séparé d'Oswald, puis amoureux de l'étudiante Patrícia Galvão, Pagu. Tarsila a obtenu un emploi à la Pinacothèque de l'État de São Paulo, une situation qui n'a pas non plus duré longtemps, car elle a été licenciée avec l'arrivée de Getulio Vargas au pouvoir en 1930.
Sans emploi et sans le sou, elle vend des toiles et voyage, en 1931, au Union soviétique, aux côtés de son nouveau mari, le psychiatre Osório César. Au cours de ce voyage, Tarsila développé une nouvelle conception politique, plus destiné questions sociales. Par la suite, elle part pour Paris, où elle expérimente, en fait, l'expérience de travail, en travaillant comme peintre mural dans des bâtiments.
Tarsila divorce à nouveau et épouse l'écrivain Luiz Martins, de vingt ans son cadet. Le mariage a duré jusque dans les années 1960 environ. En 1965, en raison de graves maux de dos, le peintre subi une intervention chirurgicale, mais en raison d'une erreur médicale, il était incapable de marcher. L'année suivante, sa fille est décédée du diabète, ce qui a profondément ébranlé Tarsila. Plongée dans la tristesse et la dépression, Tarsila a trouvé le spiritisme un soulagement – elle s'est liée d'amitié avec Chico Xavier et a commencé à donner, à une institution caritative gérée par lui, tout ce qu'elle a collecté grâce à la vente de son travail.
Tarsila do Amaral est décédée à São Paulo le 17 janvier 1973.
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Tarsila et le modernisme
Bien qu'elle ne participe pas activement à la Semaine de l'art moderne de 1922, Tarsila est devenue la grand nom dans les arts plastiques du modernisme national. Ce n'est qu'à partir de sa rencontre avec des artistes modernistes que Tarsila a réellement développé le style pour lequel elle était connue.
Ses voyages à travers le Brésil, notamment à l'intérieur de São Paulo et du Minas Gerais, en 1923, lui ont inspiré son premier influencer les compositions cubiste, dans des formes géométriques stylisées, utilisant les couleurs considérées comme « hillbilly » par leurs maîtres précédents, liées à la peinture académique.
Dans l'extrait suivant, Tarsila dévoile ses intentions et son engagement dans la recherche d'un art vraiment brésilien, entreprise moderniste par excellence :
« Je me sens de plus en plus brésilienne: je veux être le peintre de ma terre. Comme je suis reconnaissant d'avoir passé toute mon enfance à la ferme. Les souvenirs de cette époque me deviennent précieux. En art, je veux être la caipirinha [de la ferme] de São Bernardo, jouant avec des poupées sauvages, comme dans le dernier tableau que je peins.
(Lettre de Tarsila do Amaral à la famille, lors de son séjour à Paris, en 1924)
Le travail de Tarsila do Amaral se divise en trois phases principales: la première, appelée brésil; la deuxième, anthropophage, et le troisième, d'empreinte Social.
phase de séquoia
Il est lié à des œuvres réalisées entre 1924 et 1928, de voyages à Rio de Janeiro, pendant le carnaval, et aux villes historiques du Minas Gerais. C'est l'application d'une telle "Couleurs du ruban", rejeté par les maîtres académiques de la peinture, et la grande intention de Tarsila en représentent le Brésil rural et urbain dans tes photos. Les œuvres de cette phase exposent l'influence du cubisme et des thèmes qui sont avant tout paysages brésiliens, tel que Colline des favelas (1924) et São Paulo (1924).
Phase anthropophage
Il a commencé en 1928, à partir de l'œuvre emblématique abaporu – dont le nom est la combinaison des mots « aba » et « poru », signifiant « homme qui mange » en tupi-guarani. Peint comme cadeau d'anniversaire pour son mari d'alors, Oswald de Andrade, il est devenu bien plus que cela: c'était le inspiration principale pour la rédaction du Manifeste anthropophage et pour le début d'un mouvement artistique qui avait des représentants dans différents segments de l'art national.
L'idée centrale du projet anthropophage était dévorer les influences de la culture européenne, car ils ne s'appliquaient pas aux conditions brésiliennes, et d'avaler, modifier ce qui a été dévoré, produisant un art authentiquement national.
La peinture anthropophage de Tarsila mélange l'apprentissage moderne du cubisme avec un univers de densité mystique et onirique, assez enraciné dans la culture brésilienne, Faire usage de Des couleurs vives, comme le rouge, le violet, le vert et le jaune. Ils font partie de cette phase, en plus de la abaporu (1928), les œuvres le noir (1923), qui anticipait cette phase, L'œuf [Urutu] (1928), La lune (1928), forêt (1929), Coucher de soleil (1929), entre autres.
phase sociale
Après son séjour en Union soviétique et après avoir travaillé comme peintre de murs de construction en France, Tarsila a commencé à réfléchir sur ses œuvres thématiques liées à la prolétariat, à inégalité sociale, à oppression subis par les travailleurs, à la problèmes du capitalisme industriel.
Le tableau les travailleurs (1933) inaugure cette nouvelle phase picturale, caractérisée par la utilisation de couleurs plus sobres et plus grises, reflet du désespoir de ceux qui, bien que travaillant sans relâche, n'avaient pas accès aux biens de base tels que la santé et l'éducation. Les peintures sont également considérées comme une grande icône de cette phase. Seconde classe (1933) et couturières (1936).
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Principaux travaux
- le noir (1923)
- la cuca (1924)
- Colline des favelas (1924)
- São Paulo (1924)
- le papayer (1925)
- Autoportrait (Manteau Rouge) (1925)
- Manaca (1927)
- abaporu (1928)
- L'œuf (Urutu) (1928)
- Distance (1928)
- La lune (1928)
- Dormir (1928)
- Anthropophagie (1929)
- Coucher de soleil (1929)
- forêt (1929)
- Carte postale (1929)
- Travailleurs (1933)
- Seconde classe (1933)
par Luiza Brandino
Professeur de littérature
La source: École du Brésil - https://brasilescola.uol.com.br/biografia/tarsila-amaral.htm