parler de la artistes d'art moderne cela signifie parler du plus grand événement qui a marqué l'histoire de l'art brésilien. Un tel événement, connu sous le nom de Semaine de l'art moderne, a eu lieu au Théâtre municipal de São Paulo, du 13 au 18 février 1922.
A partir de cette date (1922), on commence à comprendre les véritables finalités établies à travers l'événement historique. Après tout, pourquoi 1922? C'est la date à laquelle le Brésil a commémoré le premier centenaire de son indépendance, bien que cette indépendance n'ait pas transformé les plans politique, économique ou culturel. Ainsi, depuis la période d'avant la Semaine de 1922, connue sous le nom de Pré-modernisme, il y a eu une réaction pour partie de la classe artistique en révélant un Brésil vu sous le vrai plan, loin de l'idéalisme prôné par l'époque romantique. Un Brésil des marginaux, allant de l'arrière-pays nord-est à la banlieue de Rio. Ce n'est pas par hasard qu'Euclides da Cunha, Monteiro Lobato, entre autres, ont pu exprimer leur mécontentement à travers les maux qui corrompaient la société à cette époque - d'une part le progrès industriel issu de l'expansion du capitalisme, d'autre part la masse des exclus, formée par la classe ouvrière qui, de plus en plus organisée, a mené d'intenses grèves.
Dans cette atmosphère d'euphorie, empreinte de volonté de changement, notamment influencée par les mouvements d'avant-garde, les artistes exprimé leurs positions idéologiques à travers leurs créations, que ce soit en peinture, musique, sculpture, littérature, entre autres formes de de l'art. En ce sens, regardons les données biographiques inhérentes à certains d'entre eux, à commencer par :
Di Cavalcanti
Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, fils de Frederico Augusto Cavalcanti de Albuquerque et Rosalia de Sena,
il est né en 1897, à Rio de Janeiro, et mort en 1976 dans cette même ville. Son talent artistique a commencé en 1908, à São Cristóvão, un quartier bourgeois dans lequel la famille avait déménagé.
Des années plus tard, en 1914, il entame sa carrière de caricaturiste. En 1916, il s'inscrit à l'école Livre de Direito, déménage à São Paulo et emporte avec lui une lettre d'Olavo Bilac au journaliste Nestor Rangel Pestana, critique d'art d'Estadão. Avec cela, il a été employé comme archiviste pour le journal O Estado de São Paulo.
Di Cavalcanti a été l'un des créateurs de la Semaine de l'art moderne, participant à la création de catalogues et de programmes, en plus d'exposer douze peintures. Parmi son vaste travail, on peut citer :
Journey of My Life – Le Testament d'Alvorada (1955) et Réminiscences lyriques d'un parfait Carioca (1964).
Il a illustré de nombreux livres, dont: Carnaval, par Manuel Bandeira, 1919; Losango Cáqui, de Mario de Andrade, 1926; A Noite na Taverna e Macário, par Alvares de Azevedo, 1941; etc.
Il a réalisé des peintures murales à Brasilia, Belo Horizonte, Rio de Janeiro et São Paulo et édité des albums imprimés, tels que Lapa, gravures sur bois, 1956; Cinco Serigrafias, 1969 et Sete Flores, avec un texte de Carlos Drummond de Andrade, 1969.
Ismaël Néry
Ismael Nery est né à Belém do Pará en 1900 et mort en 1934 dans la ville de Rio de Janeiro. Cet artiste ne défendait pas l'idée de nationalité comme les artistes de son temps; au contraire, elle a étendu son expression artistique dans son sens le plus large, entrelaçant tous les courants de pensée. Sa carrière de peintre ne lui a pas valu la reconnaissance méritée du public, puisqu'il n'a pas vendu plus d'une centaine de tableaux, exposés seulement lors de deux manifestations. Contrairement à sa production en tant que dessinateur, qui, selon les experts, était meilleure que sa peinture.
L'œuvre de ce noble artiste se divise généralement en trois volets: l'expressionniste, de 1922 à 1923; le cubiste, de 1924 à 1927, sous la forte influence de Pablo Picasso; et le surréaliste, délimité de 1927 à 1934, sa phase la plus importante et la plus prometteuse.
Lasar Segal
Lasar Segal est né le 21 juillet 1891 à Vilna, capitale de la Lituanie. Il décède le 2 août 1957 dans la ville de São Paulo, laissant derrière lui une vaste collection qui souligne non seulement la beauté, mais surtout la misère dont il a été témoin tout au long de son voyage. Pour Segal, la peinture statique ne le satisfaisait pas, étant donné qu'il était nécessaire d'y faire quelques déformations afin de représenter la réalité – un objectif qui l'a amené à se rapprocher de l'expressionnisme. Après un bref séjour en Hollande, il part pour le Brésil, où il organise deux expositions: une à São Paulo et une autre à Campinas.
Plus qu'un peintre, également considéré comme un véritable sociologue, Lasar Segal était obsédé par l'être humain et, à travers ses pinceaux, il dépeint les problèmes brésiliens, révélés par des scènes familières, mettant l'accent sur l'intérieur pauvre des maisons, ainsi que les visages souffrants de leurs population. Ces scènes dépeignaient le conformisme d'une société considérée comme immuable.
Par conséquent, il a utilisé dans ses œuvres non seulement l'huile sur toile, mais aussi des procédés de gravure qu'il avait appris en Russie, comme la lithographie et la zincographie, qui ont donné à son art un caractère purement polyvalent.
Frappé par une attaque massive, il est mort. Cependant, son vaste œuvre est restée vivante, à travers une collection de 2500 ouvrages, lieu où fonctionne une Bibliothèque organisée par son épouse – écrivain et traductrice.
Milton Dacosta
Milton Dacosta est né en 1915, à Niterói, dans l'état de Rio de Janeiro, et mort en 1988, dans la ville de Rio de Janeiro. A 14 ans, il rencontre Augusto Hantz, un professeur d'allemand avec qui il prend ses premiers cours de dessin, s'inscrire l'année suivante à l'Escola de Belas Artes, suivre le cours gratuit enseigné par Augusto José Marquis Junior.
En 1936, après avoir organisé une exposition personnelle, Dacosta se sentit motivé pour s'inscrire au Salon national des beaux-arts. Lors de l'exposition de son travail, il a reçu une mention honorable, remportant une médaille de bronze et d'argent. En 1944, il reçut le prix convoité pour un voyage à l'étranger, voyageant en 1945 aux États-Unis avec le peintre Djanira, et de là il se rendit à Paris, où il resta deux ans.
La peinture de cet artiste, qui évolue peu à peu, atteint des sommets. Tout d'abord, il s'est identifié à l'impressionnisme, passant successivement à l'expressionnisme, au cubisme, au concrétisme, puis revenant au cubisme, par choix. En 1949, il épouse la peintre Maria Leontina, dont l'union durera 37 ans. Ensemble, ils ont participé à des Biennales, voyagé à l'étranger pour suivre des cours de perfectionnement, et ensemble, ils ont grandi dans la mission de rendre le monde encore plus beau à travers leur travail.
Anita Malfatti
Anita Catarina Malfatti est née le 2 décembre 1889 à São Paulo. Fille de Samuel Malfatti et d'Elisabete, elle était peintre, dessinatrice et parlait plusieurs langues, ce qui lui a conféré une vaste capacité culturelle.
Arrivé à Berlin en septembre 1910, il commence à prendre des cours particuliers dans l'atelier de Fritz Burger, puis s'inscrit un an plus tard à l'Académie royale des beaux-arts. En 1916, elle rentre au Brésil, à l'âge de 27 ans, prête à exprimer tout son art, notamment tourné vers l'expressionnisme.
Ainsi, sous l'influence de ses amis modernistes, notamment de Di Cavalcanti, Anita décide de localiser l'une des dépendances des Mappin Stores et effectuer une présentation unique de leur travail, le 12 décembre, 1917.
Ce qu'il ne savait pas, c'est que le destin, ironiquement, lui réservait un grand malheur. Monteiro Lobato, à travers son article Paranoïa ou mystification, a sévèrement critiqué le travail de l'artiste. Une telle intention ne s'adressait pas à elle en particulier, mais aux modernistes eux-mêmes. Le fait l'a profondément secouée et lui a fait porter pour le reste de sa vie un sentiment de mécontentement total vis-à-vis des choses qui l'entouraient. Son premier réflexe a été d'abandonner complètement l'art, mais il a commencé à suivre des cours avec le maître Pedro Alexandrino, ce qui leur a conféré une amitié fructueuse et durable.
Motivée par des amis, elle décide de participer à la Semaine de l'Art Moderne en 1922 et, l'année suivante, se rend à Paris, armée d'une bourse, où elle rencontre Tarsila do Amaral, Oswald de Andrade, Vitor Brecheret et Di Cavalcanti. Après un certain temps, il est retourné sur le sol brésilien, avec une confiance déjà retrouvée, mais il n'était plus disposé à s'aventurer dans de nouvelles « entreprises culturelles ».
Anita est décédée le 6 novembre 1964 à Diadema, État de São Paulo, où elle vivait avec sa sœur Georgina, dans une ferme.
Par Vania Duarte
Diplômé en lettres
La source: École du Brésil - https://brasilescola.uol.com.br/literatura/artistas-da-arte-moderna.htm
