La pintura es uno de los tipos de arte más tradicionales y valorados del mundo. A través de ella grandes artistas expresaron ideas y sentimientos, dejando así un legado invaluable.
Según el pintor español Pablo Picasso:
La pintura nunca es prosa. Es poesía que se escribe con versos de rima plástica.
Seleccionamos 15 pinturas realizadas en óleo que han entrado en la historia del arte occidental. Estas obras se perpetúan como símbolos culturales, ya sea porque aportan innovaciones artísticas, cuestiones políticas o porque representan aspiraciones y sentimientos comunes a la humanidad.
1. Mona Lisa de Leonardo Da Vinci
El cuadro Mona Lisa - intitulado LA Gioconda originalmente - es una creación de Leonardo da Vinci, una de las personalidades más célebres del Renacimiento italiano.
En él, se retrata a una mujer con una expresión facial enigmática, exhibiendo una leve sonrisa muy intrigante que invita a imaginar cuáles podrían ser sus pensamientos y sentimientos. ¿Mona Lisa estaba mostrando satisfacción, inocencia o cierta arrogancia?
Muchos teóricos y críticos de arte intentaron desentrañar este misterio y varias producciones artísticas fueron hecho inspirado en esta pintura que puede considerarse una de las mayores obras maestras de la historia del arte occidental.
2. Guernica de Pablo Picasso
Guernica es una de las pinturas más emblemáticas del pintor español Pablo Picasso, gran exponente del cubismo.
En esta obra retrata los horrores de la Guerra Civil española, especialmente el bombardeo de la ciudad vasca de Guernica el 26 de abril de 1937.
Este gran lienzo se convirtió en un símbolo en la lucha contra todo tipo de guerras y revolucionó la pintura histórica, ya que trata el sufrimiento de forma atemporal.
3. El beso de Gustav Klimt
El lienzo pintado por el austriaco Gustav Klimt en 1907, es una obra famosa en la historia del arte. Esta pintura ha sido reproducida y estampada en objetos incesantemente, representando un ícono de la cultura occidental.
La obra forma parte de la denominada "fase dorada" en la producción artística de Klimt, cuando abusa de elementos chispeantes que remiten a piedras preciosas e incluso hojas de oro en sus composiciones.
En El beso, se retrata a una pareja (que sería el propio artista y su esposa), en una posición entrelazada, sugiriendo afecto y calidez.
Sin embargo, con una mirada más cercana, también es posible observar que el hombre se inclina sobre el amado, siendo la figura activa en este abrazo, y la mujer, arrodillada, sería un signo de sumisión femenina.
4. El grito de Edvard Munch
El grito es la pintura más famosa de Edvard Munch, un pintor noruego. Esta obra ha sido reproducida a lo largo del tiempo, incluso por otros artistas como Andy Warhol.
Su éxito probablemente se debió a que Munch supo retratar con mucho éxito el sentimiento de angustia y soledad al que está sometida la gente.
Con colores, formas y líneas, el pintor construyó un símbolo de la desesperación humana en esta composición, que es también un icono de la vanguardia expresionista.
5. Jackson Pollock No. 5
En 1948, en la posguerra, el estadounidense Jackson Pollock produjo el lienzo titulado numero 5.
El artista fue uno de los precursores del expresionismo abstracto, movimiento artístico que surgió en los años 40 en Estados Unidos.
Este trabajo fue realizado utilizando la técnica goteo (goteo), muy explorado por el pintor. El método consiste en verter pintura líquida sobre grandes lienzos estirados en el suelo. De esta forma, el pintor realiza amplios movimientos corporales, casi como si "entrara" en la obra en el momento de la creación.
En mayo de 2006, la pintura se vendió por la asombrosa cantidad de 140 millones de dólares, el precio más alto pagado por una pintura hasta 2011.
6. Las chicas de Diego Velázquez
Titulado inicialmente Familia de Felipe IV, el cuadro Las niñas, fue pintado en 1656 por el artista Diego Velázquez. Esta obra representa la edad de oro del pintor, nacido en la ciudad de Sevilla, España.
La pintura representa una escena de la corte posiblemente cotidiana del siglo XVII. Aparentemente simple, el lienzo lleva una serie de elementos a ser "descubiertos" por el espectador, lo que la convierte en una de las obras más profundas de la historia del arte.
En el cuadro, el pintor se retrata a sí mismo trabajando en un lienzo encargado por los reyes Filipe IV y Mariana, que aparecen reflejados en un espejo en el fondo de la sala. Esta característica también nos da la sensación de que serían espectadores de la obra en sí.
7. Los comedores de patatas de Vincent Van Gogh
Esta obra fue realizada en 1885 por Vincent Van Gogh, Pintor holandés del postimpresionismo y expresionismo. Muy aclamado hoy, Van Gogh fue un artista solitario y tuvo muy poco reconocimiento en su vida.
El cuadro en cuestión representa a una familia campesina comiendo en su humilde hogar, iluminada por una lámpara tenue. Es una obra conocida del pintor y muestra las evoluciones técnicas de su pintura, imprimiendo características expresionistas que se convertirían en su seña de identidad.
Además, muestra un gran interés por los temas sociales y humanitarios. Según el propio artista:
Quería dedicarme conscientemente a expresar la idea de que estas personas que, bajo esta luz, comen sus patatas con las manos, también trabajaban la tierra. Por lo tanto, mi imagen ensalza el trabajo manual y la comida que ellos mismos ganaron con tanta honestidad.
8. La persistencia de la memoria de Salvador Dalí
Salvador Dali Fue un pintor catalán que formó parte del surrealismo en Europa. Una de sus pinturas más famosas es LAPersistencia de la memoria.
En esta obra, Dalí representa el paso del tiempo a través de la inquietante figura de los relojes derretidos en un paisaje árido, un cuerpo informe, hormigas y una mosca.
Al fondo también se puede notar la presencia de un acantilado y el mar, un paisaje que hace referencia a su lugar de origen, Cataluña.
Esta obra se encuentra desde 1934 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Estados Unidos.
9. Impresión, sol naciente de Claude Monet
Claude Monet, importante pintor del impresionismo, movimiento artístico de vanguardia europeo, concibió esta obra en 1872.
La composición es un hito en la pintura, ya que exhibe una nueva forma de cepillar al registrar el momento en que el sol atraviesa la niebla en la bahía de Le Havre, en Normandía.
Se puede considerar que la innovación presente en esta obra revolucionó la pintura.
La reacción de la prensa en ese momento fue contra el nuevo estilo y consideró este lienzo una obra "inacabada". La exposición en la que se la mostró se denominó peyorativamente "exposición impresionista" y se eligió Impresión, Sol naciente como el mayor objetivo de las críticas. Debido a este episodio, la corriente impresionista recibió ese nombre.
10. Ejecuciones de Francisco de Goya el 3 de mayo
Las Ejecuciones del Tres de Mayo, el Tres de Mayo de 1808 en Madrid o Las Ejecuciones de la Montaña de Príncipe Pío, es un cuadro del pintor español Francisco de Goya.
En este cuadro, Francisco de Goya presenta un impresionante retrato del genocidio ocurrido en Madrid, en el año 1808. Este hecho fue consecuencia de la denominada Guerra de la Independencia (1807-1814), cuando Napoleón Bonaparte invadió España.
El día anterior a esta terrible masacre, algunos madrileños se enfrentaron con las tropas napoleónicas. Blandiendo solo armas cuerpo a cuerpo, se enfrentaron a la caballería enemiga y fueron duramente reprimidos.
Este episodio también fue retratado por Goya en la obra 2 de mayo en Madrid y formar un dúo con Los tiroteos del 3 de mayo.
Como reproche a la "osadía" de la población civil, se llevó a cabo la masacre que culminó con la muerte de innumerables inocentes. Goya, que vivía muy cerca del lugar, fue testigo de tales episodios y años después concibió este lienzo, que se convertiría en un un hito en la historia del arte y una denuncia de los horrores de la guerra, influyendo en la producción de otros artistas como Picasso de tu Guernica.
Cuando se le preguntó por qué pintó estas atrocidades, Goya respondió:
Tener el placer de decirle a los hombres para siempre que no sean bárbaros.
11. Chica joven con pendiente de perlas de Johannes Vermeer
El cuadro Chica con Pendiente de Perla se la considera "la Mona Lisa holandesa", ya que también exhibe una figura femenina envuelta en una atmósfera misteriosa.
Se cree que Johannes Vermeer, un artista holandés, realizó este retrato en 1665; el lienzo no ha sido fechado. En él, observamos a una niña que nos mira con aire sereno y casto, aportando brillo a sus labios entreabiertos.
Otra conjetura es sobre el adorno en la cabeza de la joven. En ese momento ya no se usaba un turbante, por lo que se especula que Vermeer se inspiró en otra obra, chico con turbante, pintado por Michael Sweerts en 1655.
Esta es la obra más conocida del pintor e inspiró la producción de un libro y una película, ambos con el mismo nombre que el cuadro.
12. El almuerzo de los barqueros de Pierre-Auguste Renoir
En 1881, Pierre-Auguste Renoir termina de pintar el marco Almuerzo de los navegantes, importante exponente del movimiento impresionista.
En la obra, el pintor elabora una escena alegre y relajada mostrando un encuentro entre amigos regado con mucha comida y una hermosa vista del río Sena. Todas las personas retratadas eran amigas cercanas de Renoir y una de las mujeres que aparece en la pantalla se convirtió en su esposa años después.
Esta corriente artística se preocupó por capturar la iluminación natural y escenas espontáneas a través de la fijación del momento. Podemos decir que el Impresionismo fue el movimiento de vanguardia que dio un impulso al llamado arte moderno.
13. Hospital Henry Ford (La cama voladora) por Frida Kahlo
Frida Kahlo fue un importante artista mexicano que vivió en la primera mitad del siglo XX.
Su pintura, casi siempre autobiográfica, retrata su dolor, su gran amor (también pintor Diego Rivera), su orgullo por ser mujer y por sus orígenes latinoamericanos.
La producción de Frida está cargada de simbolismos y elementos que coquetean con el surrealismo, aunque la pintora niega ser parte de tal movimiento y estar más cerca de un tipo de arte confesional. Ella afirma:
Nunca pinto sueños ni pesadillas. Yo pinto mi propia realidad.
En el trabajo que se conoció como La cama voladora, la artista retrata un episodio doloroso de su vida, cuando pierde a un niño que esperaba a Diego.
Frida sufrió varios abortos espontáneos consecutivos, ya que no pudo mantener el embarazo debido a problemas con adquirido de niño - contrajo polio - y en la adolescencia, cuando sufrió un grave accidente. entrenar.
Hace unos años Frida fue "descubierta" por la mayoría de la gente y ha sido considerada un ícono del arte e incluso de la cultura pop y el movimiento feminista.
14. Los emigrantes de Cândido Portinari
los participantes es obra del pintor Cândido Portinari, nacido en el interior de São Paulo, en la ciudad de Brodowski.
El lienzo fue creado en 1944 y retrata a una familia de migrantes, personas que se trasladan de la región noreste a otros lugares con la esperanza de escapar de la sequía, la pobreza y la mortalidad infantil.
Llama la atención la forma en que la artista despliega los cuerpos de expresión delgados, agotados y doloridos en un paisaje árido y gris.
Hay buitres sobrevolando a la gente, como esperando su muerte. Se representa a los niños desnutridos y enfermos; fíjese en el niño del lado derecho que tiene una barriga desproporcionada al cuerpo, un signo de una barriga acuosa.
Podemos hacer un paralelismo entre esta obra y la obra literaria Vidas Secas, realizada años antes, en 1938, por el escritor Graciliano Ramos y que trata sobre el mismo tema.
Portinari era un gran artista que tenía, entre otras preocupaciones, valorar al pueblo brasileño y denunciar los problemas sociales del país.
15. Abaporu de Tarsila do Amaral
abaporu es una producción de la artista Tarsila do Amaral, figura destacada del movimiento modernista brasileño.
El nombre de la obra es de origen indígena y, según el artista, significa "antropófago", que es lo mismo que caníbal. Fue a partir de este trabajo que Oswald de Andrade, esposo de Tarsila y también artista, define las bases de la teoría antropofágica del arte moderno en Brasil.
Tal teoría proponía que los artistas brasileños beben de la fuente de las vanguardias europeas pero desarrollan una producción con características nacionales. Una famosa frase que define el período es:
Solo la antropofagia nos une.
Abaporu aporta el valor del trabajo manual, destacando las manos y los pies. Los colores fuertes, los cactus y el sol también aluden al clima y paisaje tropical.
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