Tarsila do Amaral figura entre los nombres más conocidos y aclamados de la pintura nacional, siendo un icono de la modernismo brasileño. Integrando varios elementos típicos del cultura brasileña, la artista fue capaz de producir su propia identidad cultural, que asimiló las tendencias del arte moderno europeo, al tiempo que les dio colores nacionales.
Además del período modernista, su obra más famosa, el abaporu, símbolo del Manifiesto Antropófago de 1928, también es la pintura más valiosa de la historia del arte brasileño. Además, Tarsila do Amaral es una de las grandes representantes del arte latinoamericano, con exposiciones dedicadas a ella circulando en los principales museos del mundo.
Biografía
Tarsila do Amaral nació el 1 de septiembre de 1886, en la finca São Bernardo, en el municipio de Capivari (SP). En familia adinerada, heredera de grandes propiedades rurales
en el interior de São Paulo, creció, junto a siete hermanos, escuchando a su madre tocar el piano ya su padre recitar poemas en francés, idioma que aprendió desde pequeño. Fue enviada a la capital a estudiar en el Colegio Sion y luego a Barcelona para completar sus estudios. En España, pintó su primer cuadro, Sagrado Corazon de Jesus.A su regreso, se casó con el médico André Teixeira Pinto, con quien estaba comprometida. Al marido le molestaba su oficio artístico, le impuso un comportamiento recatado y doméstico a Tarsila. Después del nacimiento de la única hija de la pareja, Dulce, Tarsila decidió entonces separación. Gracias a la enorme influencia de su familia -que siempre ha apoyado su carrera en las artes-, logró, en 1925, anulación de su matrimonio (dado que el divorcio no estaba permitido por la ley en Brasil).
En 1918, comenzó a tener lecciones de pintura en el estudio de Pedro Alexandrino, donde conoció a la pintora Anita Malfatti. En 1920 se marcha a París, donde permanece hasta junio de 1922, estudiando en la Académie Julien y tomando lecciones con el pintor Emile Renard. Estaba de cartas enviadas por Malfatti que Tarsila se dio cuenta de la Semana de Arte Moderno, que tuvo lugar en febrero de 1922.
De regreso a São Paulo, Malfatti presentó a Tarsila a los artistas modernistas, y el "grupo de cinco”: Anita Malfatti, Oswald de Andrade, mario de andrade, Menotti del Picchia y Tarsila do Amaral. Durante este período, Tarsila y Oswald comenzaron una relación romántica, y se casaron oficialmente unos años más tarde. Fue en este punto que Tarsila comenzó a producir arte moderno.
A finales de 1922, Tarsila regresó a París, esta vez estudiar con maestros cubistas Albert Gleizes y Fernand Léger. El poeta franco-suizo Blaise Cendrars presentó a Tarsila y Oswald a toda la intelectualidad parisina, incluidos grandes nombres como Picasso, la pareja Delaunay y los músicos Stravinsky y Erik Satie. Durante esta nueva estancia en Francia, Tarsila se hizo amiga de otros artistas brasileños que estaban allí, como Villa-Lobos y Di Cavalcanti, y también con los mecenas Paulo Prado y Olivia Guedes Penteado.
En 1925, Oswald publicó su libro de poesía titulado Palo del Brasil, con ilustraciones de Tarsila. Oscilando entre las grandes temporadas en Europa y los viajes por Brasil en busca de plasmar los colores nacionales para sus lienzos, estrenada en 1926 con una exposición individual en París, recibiendo críticas muy favorables.
La grande Crisis de 1929, sin embargo, tuvo consecuencias desfavorables para Tarsila. Su familia de agricultores, que proporcionó los recursos necesarios para tantos viajes a Francia, fue afectado por la crisis del café y obligado a vender las propiedades. Tarsila perdió casi toda su fortuna y además, separado de Oswald, luego enamorado de la estudiante Patrícia Galvão, Pagu. Tarsila consiguió trabajo en la Pinacoteca del Estado de São Paulo, situación que tampoco duró mucho, pues fue despedida con la llegada de Getulio Vargas al poder en 1930.
Desempleada y sin un centavo, vendió algunos cuadros y viajó, en 1931, a la Unión Soviética, junto a su nuevo marido, el psiquiatra Osório César. Durante este viaje, Tarsila desarrolló una nueva concepción política, más dirigido a preguntas sociales. Posteriormente, se fue a París, donde vivió, de hecho, la experiencia laboral, trabajando como pintora de paredes en edificios.
Tarsila se divorció una vez más y se casó con el escritor Luiz Martins, veinte años menor que ella. El matrimonio duró aproximadamente hasta la década de 1960. En 1965, debido a un fuerte dolor de espalda, el pintor se sometió a un procedimiento quirúrgico, pero debido a un error médico, no podía caminar. Al año siguiente, su hija murió de diabetes, lo que conmovió profundamente a Tarsila. Sumergido en la tristeza y la depresión, Tarsila encontró la espiritismo un alivio - se hizo amiga de Chico Xavier y comenzó a donar, a una institución benéfica administrada por él, todo lo que recaudaba con la venta de su trabajo.
Tarsila do Amaral murió en São Paulo el 17 de enero de 1973.
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Tarsila y el modernismo
Aunque no participó activamente en la Semana de Arte Moderno de 1922, Tarsila se convirtió en el gran nombre en las artes plásticas del modernismo nacional. Fue solo a partir de su encuentro con artistas modernistas que Tarsila desarrolló el estilo por el que era conocida.
Sus viajes por Brasil, especialmente por el interior de São Paulo y Minas Gerais, en 1923, le sirvieron de inspiración para su primera influir en las composiciones cubista, en formas geométricas estilizadas, haciendo uso de los colores considerados “hillbilly” por sus anteriores maestros, ligados a la pintura académica.
En el siguiente extracto, Tarsila revela sus intenciones y su compromiso con la búsqueda de un arte verdaderamente brasileño, empresa modernista por excelencia:
“Me siento cada vez más brasileño: quiero ser el pintor de mi tierra. Cómo estoy agradecido de haber pasado toda mi infancia en la granja. Las reminiscencias de esa época se están volviendo preciosas para mí. En el arte, quiero ser la caipirinha [de la finca] de São Bernardo, jugando con muñecos salvajes, como en el último cuadro que estoy pintando ”.
(Carta de Tarsila do Amaral a la familia, durante su estancia en París, en 1924)
El trabajo de Tarsila do Amaral se divide en tres fases principales: la primera, denominada palo del Brasil; la segunda, antropofágico, y el tercero, de impronta Social.
fase de secuoya
Se relaciona con obras producidas entre 1924 y 1928, desde viajes a Río de Janeiro, durante el Carnaval, y a las ciudades históricas de Minas Gerais. Es la aplicación de tales "Colores de la cinta"rechazada por los maestros académicos de la pintura, y la gran intención de Tarsila en representan el Brasil rural y urbano en tus fotos. Las obras de esta fase exponen la influencia del cubismo y temas que son sobre todo paisajes brasileños, tales como Favela Hill (1924) y San Pablo (1924).
Fase antropofágica
Comenzó en 1928, a partir de la obra icónica abaporu - cuyo nombre es la combinación de las palabras “aba” y “poru”, que significa “hombre que come” en tupi-guaraní. Pintado como regalo de cumpleaños para su entonces esposo, Oswald de Andrade, se convirtió en mucho más que eso: era el inspiración principal para la redacción del Manifiesto Antropófago y por el inicio de un movimiento artístico que tuvo exponentes en diferentes segmentos del arte nacional.
La idea central del proyecto antropófago fue devorar las influencias de la cultura europea, ya que no se aplicaron a las condiciones brasileñas, y de la deglución, modificar lo devorado, produciendo arte genuinamente nacional.
La pintura antropofágica de Tarsila mezcla el aprendizaje moderno del cubismo con un universo de densidad mística y onírica, bastante arraigado en la cultura brasileña, haciendo uso de colores vivos, como rojo, morado, verde y amarillo. Forman parte de esta fase, además de la abaporu (1928), las obras el negro (1923), que anticipó esta fase, El huevo [Urutu] (1928), La luna (1928), bosque (1929), Atardecer (1929), entre otros.
fase social
Después de su paso por la Unión Soviética y de haber trabajado como pintora de muros de construcción en Francia, Tarsila comenzó a reflexionar sobre sus obras temáticas relacionadas con la proletariado, à desigualdad social, a opresiones sufrido por los trabajadores, a la problemas del capitalismo industrial.
El cuadro los trabajadores (1933) inaugura esta nueva etapa pictórica, caracterizada por la uso de colores más sobrios y grises, reflejo de la desesperanza de quienes, aunque trabajaban incansablemente, no tenían acceso a bienes básicos como la salud y la educación. Las pinturas también se consideran un gran icono de esta etapa. Segunda clase (1933) y costureras (1936).
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Principales obras
- el negro (1923)
- la cuca (1924)
- Favela Hill (1924)
- San Pablo (1924)
- el árbol de la papaya (1925)
- Autorretrato (Manteau Rouge) (1925)
- Manaca (1927)
- abaporu (1928)
- El huevo (Urutu) (1928)
- Distancia (1928)
- La luna (1928)
- El sueño (1928)
- Antropofagia (1929)
- Atardecer (1929)
- bosque (1929)
- Tarjeta postal (1929)
- Trabajadores (1933)
- Segunda clase (1933)
de Luiza Brandino
Profesor de literatura
Fuente: Escuela Brasil - https://brasilescola.uol.com.br/biografia/tarsila-amaral.htm