Ο τόπος της τέχνης υπήρξε πάντοτε ένα εκτενώς συζητημένο θέμα μεταξύ κριτικών, γνώσεων, ερευνητών και των ίδιων των καλλιτεχνών. Για πολύ καιρό, ο κόσμος της τέχνης θεωρήθηκε ως αυτόνομη σφαίρα, που διέπεται από τους δικούς του κώδικες και το αποτέλεσμα μιας δημιουργικότητας που επικεντρώνεται στην ατομικότητα του καλλιτέχνη. Ωστόσο, ειδικά από τον 20ο αιώνα και μετά, έχουμε παρατηρήσει ότι αυτός ο διαχωρισμός μεταξύ της τέχνης και του κόσμου χάνει τη δύναμη καθώς διαφορετικά κινήματα επιδίωξαν να σπάσουν τέτοια όρια.
Στη δεκαετία του 1950, παρατηρήσαμε τη διαμόρφωση ενός κινήματος που ονομάζεται «pop art». Αυτή η έκφραση, που προέρχεται από τα Αγγλικά, σημαίνει «δημοφιλή τέχνη». Σε αντίθεση με αυτό που φαίνεται, αυτή η λαϊκή τέχνη που καθορίζει ένα τέτοιο κίνημα δεν έχει καμία σχέση με μια τέχνη που παράγεται από τα δημοφιλή στρώματα ή με τις λαογραφικές αντιλήψεις της τέχνης. Το "Pop art" ως κίνημα αγκαλιάζει τις ποικίλες εκδηλώσεις της μαζικής κουλτούρας, του πολιτισμού για τα πλήθη και παράγονται από τα μεγάλα μέσα.
Με τη συμμετοχή στοιχείων που δημιουργούνται από τη βιομηχανική κοινωνία, το "pop art" εκτελεί ένα διπλό κίνημα ικανό να μας αποκαλύψει τον πλούτο της δικής του ύπαρξης. Από τη μία πλευρά, εκθέτει ίχνη μιας κοινωνίας που χαρακτηρίζεται από εκβιομηχάνιση, επανάληψη και δημιουργία στιγμιαίων εικόνων. Από την άλλη πλευρά, αμφισβητεί τα όρια της καλλιτεχνικής δημιουργίας αποφεύγοντας μια αυτόνομη σκέψη και καλύπτοντας τα φαινόμενα της εποχής του, ώστε να συλλάβει τις δικές του δημιουργίες.
Το κίνημα «pop art» εμφανίστηκε σε μια ιστορική στιγμή που σημαδεύτηκε από την αναβίωση μεγάλων βιομηχανικών κοινωνιών που επηρεάστηκαν κάποτε από τα αποτελέσματα του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου. Με αυτόν τον τρόπο, υιοθέτησε τα μεγάλα αστικά κέντρα της Βόρειας Αμερικής και της Βρετανίας ως περιβάλλον για τους πρώτους εκπροσώπους του να εμπνεύσουν τη δημιουργία των έργων τους. Διαφημιστικά κομμάτια, εικόνες διασημοτήτων, λογότυπα και κόμικς είναι μερικές από αυτές τις εμπνεύσεις.
Τα μέλη της «pop art» κατάφεραν να προσελκύσουν την προσοχή του κοινού εμπνευσμένα από στοιχεία που θεωρητικά δεν αναγνωρίστηκαν ως τέχνη, λαμβάνοντας υπόψη ότι η κατανάλωση ήταν το σημερινό σήμα αυτών φορές. Κατασκευάστηκαν μεγάλα αστέρια ταινιών, κόμικς, μοντέρνα αυτοκίνητα, ηλεκτρονικά gadget ή κονσερβοποιημένα προϊόντα έτσι ώστε οι εντυπώσεις και οι ιδέες αυτών των καλλιτεχνών να σηματοδοτούν τη δύναμη της αναπαραγωγής και την εφήμερο όσων προσφέρει η εποχή βιομηχανικός.
Μεταξύ άλλων εκπροσώπων αυτού του κινήματος, μπορούμε να επισημάνουμε τη μορφή του Andy Warhol, γνωστού για τις πολλές πολύχρωμες εκδόσεις του «Marilyn Monroe», που παράγονται το 1967. Ένα άλλο παράδειγμα «pop art» μπορεί να αναγνωριστεί στο έργο «No Carro», στο οποίο ο Roy Lichenstein χρησιμοποιεί τη γλώσσα των κόμικς για να εξερευνήσει αστικές καταστάσεις. Ακόμα και σήμερα, πολλοί καλλιτέχνες χρησιμοποιούν αναφορές «pop art» σε σχέδια ζωγραφικής, γλυπτά και άλλες εγκαταστάσεις.
Από τη Rainer Sousa
Μεταπτυχιακό στην Ιστορία
