Tarsila do Amaral: βιογραφία, σημασία, έργα

protection click fraud

Tarsila do Amaral φιγούρες μεταξύ των πιο γνωστών και αναγνωρισμένων ονομάτων στην εθνική ζωγραφική, που είναι μια εικόνα του βραζιλιάνικος μοντερνισμός. Ενσωμάτωση πολλών τυπικών στοιχείων του Βραζιλιάνος πολιτισμός, η καλλιτέχνης κατάφερε να παράγει τη δική της πολιτιστική ταυτότητα, η οποία αφομοίωσε τις τάσεις της σύγχρονης ευρωπαϊκής τέχνης, ενώ τους έδωσε εθνικά χρώματα.

Εκτός από τη νεωτεριστική περίοδο, το πιο διάσημο έργο του, το αμπαπόρου, είναι επίσης σύμβολο του ανθρωποφάγου μανιφέστο του 1928 η πιο πολύτιμη ζωγραφική στην ιστορία της βραζιλιάνικης τέχνης. Επιπλέον, η Tarsila do Amaral είναι ένας από τους σπουδαίους εκπροσώπους της λατινοαμερικάνικης τέχνης, με εκθέσεις αφιερωμένες σε αυτήν να κυκλοφορούν σε μεγάλα μουσεία σε όλο τον κόσμο.

Αναμνηστική σφραγίδα του XXIV Bienal de São Paulo, με αναπαραγωγή της ζωγραφικής O ovo (Urutu), από την Tarsila do Amaral. — Αναμνηστική σφραγίδα του XXIV Bienal de São Paulo, με αναπαραγωγή του πίνακα *Το αυγό (Urutu)*, από την Tarsila do Amaral.

Βιογραφία

Η Tarsila do Amaral γεννήθηκε την 1η Σεπτεμβρίου 1886, στο αγρόκτημα São Bernardo, στο δήμο Capivari (SP). Σε

instagram story viewer

πλούσια οικογένεια, κληρονόμος του μεγάλες αγροτικές ιδιοκτησίες Στο εσωτερικό του Σάο Πάολο, μεγάλωσε, μαζί με επτά αδέλφια, ακούγοντας τη μητέρα του να παίζει πιάνο και τον πατέρα του να απαγγέλλουν ποιήματα στα γαλλικά, μια γλώσσα που έμαθε από την παιδική ηλικία. Εστάλη στην πρωτεύουσα για να σπουδάσει στο Colegio Sion και στη συνέχεια στη Βαρκελώνη για να ολοκληρώσει τις σπουδές της. Στην Ισπανία, ζωγράφισε τον πρώτο του πίνακα, Ιερή καρδιά του Ιησού.

Όταν επέστρεψε, παντρεύτηκε τον γιατρό André Teixeira Pinto, με τον οποίο είχε δεσμευτεί. Ο σύζυγος ενοχλήθηκε από την καλλιτεχνική του τέχνη, επέβαλε σεβασμό και οικιακή συμπεριφορά στην Ταρσίλα. Μετά τη γέννηση της μοναδικής κόρης του ζευγαριού, Dulce, η Tarsila αποφάσισε να το κάνει διαχωρισμός. Χάρη στην τεράστια επιρροή της οικογένειάς του - που υποστήριζε πάντα την καριέρα του στις τέχνες -, κατάφερε, το 1925, να ακύρωση του γάμου σας (δεδομένου ότι το διαζύγιο δεν επιτρέπεται τότε από το νόμο στη Βραζιλία).

Το 1918, άρχισε να έχει μαθήματα ζωγραφικής στο στούντιο του Pedro Alexandrino, όπου γνώρισε τη ζωγράφο Anita Malfatti. Το 1920, έφυγε για το Παρίσι, όπου παρέμεινε μέχρι τον Ιούνιο του 1922, σπουδάζοντας στην Académie Julien και μαθήματα με τον ζωγράφο Emile Renard. Ήταν από επιστολές που έστειλε ο Malfatti ότι η Tarsila γνώρισε το Εβδομάδα Σύγχρονης Τέχνης, που πραγματοποιήθηκε τον Φεβρουάριο του 1922.

Επιστροφή στο Σάο Πάολο, Ο Malfatti παρουσίασε την Tarsila σε μοντέρνους καλλιτέχνες, και το "ομάδα πέντε": Anita Malfatti, Όσβαλντ Ντε Αντράιντ, mario de andrade, Menotti del Picchia και Tarsila do Amaral. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η Tarsila και ο Oswald ξεκίνησαν μια ρομαντική σχέση, κάνοντας έναν επίσημο γάμο λίγα χρόνια αργότερα. Σε αυτό το σημείο άρχισε η Tarsila να παράγει μοντέρνα τέχνη.

Στο τέλος του 1922, η Ταρσίλα επέστρεψε στο Παρίσι, αυτή τη φορά να σπουδάσει με κυβιστές δασκάλους Albert Gleizes και Fernand Léger. Ο Γάλλος-Ελβετός ποιητής Blaise Cendrars παρουσίασε την Tarsila και τον Oswald σε ολόκληρη την παριζιάνικη νοημοσύνη, συμπεριλαμβανομένων μεγάλων ονομάτων όπως Πικάσο, το ζευγάρι Delaunay και οι μουσικοί Stravinsky και Erik Satie. Κατά τη διάρκεια αυτής της νέας διαμονής στη Γαλλία, η Tarsila έγινε φίλος με άλλους Βραζιλιάνους καλλιτέχνες που ήταν εκεί, όπως η Villa-Lobos και Di Cavalcanti, και επίσης με τους προστάτες Paulo Prado και Olivia Guedes Penteado.

Το 1925, ο Όσβαλντ κυκλοφόρησε το ποίημά του με τίτλο Βραζιλία, με εικονογραφήσεις της Tarsila. Ταλαντώνονται μεταξύ των μεγάλων εποχών στην Ευρώπη και ταξιδεύουν γύρω από τη Βραζιλία σε αναζήτηση της σύλληψης των εθνικών χρωμάτων για τους καμβάδες τους, έκανε πρεμιέρα το 1926 με μια ατομική έκθεση στο Παρίσι, λαμβάνοντας πολύ ευνοϊκές κριτικές.

Το μεγαλο Κρίση του 1929, ωστόσο, είχε δυσοίωνες συνέπειες για την Tarsila. Η οικογένεια των αγροτών του, που παρείχε τους απαραίτητους πόρους για τόσα πολλά ταξίδια στη Γαλλία, ήταν επηρεάζεται από την κρίση του καφέ και αναγκάστηκε να πουλήσει τα ακίνητα. Η Ταρσίλα έχασε σχεδόν όλη την περιουσία της και πέρα από αυτό, χωρισμένο από τον Όσβαλντ, έπειτα ερωτευμένος με τη φοιτητή Patrícia Galvão, Pagu. Η Tarsila πήρε δουλειά στην πολιτεία Pinacoteca του Σάο Πάολο, μια κατάσταση που επίσης δεν κράτησε πολύ, καθώς απολύθηκε με την άφιξη του Getulio Vargas στην εξουσία το 1930.

Άνεργη και αμείλικτη, πούλησε μερικούς πίνακες και ταξίδεψε, το 1931, στο Σοβιετική Ένωση, μαζί με τον νέο σύζυγό της, τον ψυχίατρο Osório César. Κατά τη διάρκεια αυτού του ταξιδιού, Tarsila ανέπτυξε μια νέα πολιτική αντίληψη, περισσότερο με στόχο κοινωνικές ερωτήσεις. Στη συνέχεια, έφυγε για το Παρίσι, όπου βίωσε, στην πραγματικότητα, την εργασιακή εμπειρία, εργαζόμενος ως ζωγράφος σε κτίρια.

Η Ταρσίλα χώρισε για άλλη μια φορά, παντρεύοντας τη συγγραφέα Λουίζ Μαρτίν, είκοσι χρόνια νεότερη. Ο γάμος κράτησε μέχρι τη δεκαετία του 1960 ή έτσι. Το 1965, λόγω σοβαρού πόνου στην πλάτη, ο ζωγράφος υποβλήθηκε σε χειρουργική επέμβαση, αλλά λόγω ιατρικού σφάλματος, δεν μπόρεσε να περπατήσει. Το επόμενο έτος, η κόρη της πέθανε από διαβήτη, που συγκλόνισε βαθιά την Ταρσίλα. Βυθισμένη σε θλίψη και κατάθλιψη, η Ταρσίλα βρήκε το πνευματισμός μια ανακούφιση - έγινε φίλη με τον Chico Xavier και άρχισε να δωρίζει, σε ένα φιλανθρωπικό ίδρυμα που διευθύνεται από αυτόν, όλα όσα έθεσε από την πώληση του έργου της.

Ο Tarsila do Amaral πέθανε στο Σάο Πάολο στις 17 Ιανουαρίου 1973.

Διαβάστε επίσης: Ο μοντερνισμός στη Βραζιλία - χαρακτηριστικά, φάσεις, έργα

Ταρσίλα και μοντερνισμός

Αν και δεν συμμετείχε ενεργά στην Εβδομάδα Σύγχρονης Τέχνης του 1922, η Tarsila έγινε η μεγάλο όνομα στις πλαστικές τέχνες του εθνικού μοντερνισμού. Μόνο από τη συνάντησή της με μοντερνιστές καλλιτέχνες η Tarsila ανέπτυξε πραγματικά το στυλ για το οποίο ήταν γνωστή.

Τα ταξίδια του στη Βραζιλία, ειδικά μέσα από το εσωτερικό του Σάο Πάολο και του Minas Gerais, το 1923, του έδωσαν έμπνευση για την πρώτη του επηρεάζουν τις συνθέσεις κυβίστας, σε στυλιζαρισμένα γεωμετρικά σχήματα, κάνοντας χρήση των χρωμάτων που θεωρούνταν "hillbilly" από τους προηγούμενους δασκάλους τους, που συνδέονται με την ακαδημαϊκή ζωγραφική.

Manifesto Antropófago, από τον Oswald de Andrade, που δημοσιεύθηκε στην Revista de Antropofagia, με απεικόνιση του Abaporu, από την Tarsila do Amaral.

Στο ακόλουθο απόσπασμα, η Ταρσίλα αποκαλύπτει τις προθέσεις της και τη δέσμευσή της στην αναζήτηση για πραγματικά βραζιλιάνικη τέχνη, νεωτεριστική επιχείρηση κατ 'εξοχήν:

«Νιώθω όλο και περισσότερο Βραζιλιάνος: Θέλω να γίνω ζωγράφος της γης μου. Πώς είμαι ευγνώμων που πέρασα ολόκληρη την παιδική μου ηλικία στο αγρόκτημα. Οι αναμνήσεις εκείνης της εποχής γίνονται πολύτιμες για μένα. Στην τέχνη, θέλω να είμαι το caipirinha [από το αγρόκτημα] του Σάο Μπερνάρντο, να παίζει με άγριες κούκλες, όπως στον τελευταίο πίνακα που ζωγραφίζω. "

(Επιστολή από την Tarsila do Amaral προς την οικογένεια, κατά τη διάρκεια της παραμονής της στο Παρίσι, το 1924)

Το έργο της Tarsila do Amaral χωρίζεται σε τρεις κύριες φάσεις: την πρώτη, την οποία ονομάζεται Βραζιλία; το δεύτερο, ανθρωποφαγικόκαι το τρίτο του αποτυπώματος Κοινωνικός.

φάση redwood

Σχετίζεται με έργα που παρήχθησαν μεταξύ 1924 και 1928, από ταξίδια στο Ρίο ντε Τζανέιρο, κατά τη διάρκεια του Καρναβαλιού και στις ιστορικές πόλεις του Minas Gerais. Είναι η εφαρμογή τέτοιων "Χρώματα κορδέλας", απορρίφθηκε από τους ακαδημαϊκούς δασκάλους ζωγραφικής, και τη μεγάλη πρόθεση της Ταρσίλα αντιπροσωπεύουν αγροτικές και αστικές Βραζιλία στις φωτογραφίες σας. Τα έργα αυτής της φάσης εκθέτουν την επιρροή του Κυβισμού και των θεμάτων που είναι πάνω απ 'όλα τοπία της Βραζιλίας, όπως Favela Hill (1924) και Σάο Πάολο (1924).

Ανθρωποφαγική φάση

Ξεκίνησε το 1928, από το εμβληματικό έργο Αμπαπόρου - το όνομα του οποίου είναι ο συνδυασμός των λέξεων «aba» και «poru», που σημαίνει «ο άνθρωπος που τρώει» στο Tupi-Guarani. Βαμμένο ως δώρο γενεθλίων στον τότε σύζυγό της, Oswald de Andrade, έγινε πολύ περισσότερο από αυτό: ήταν το κύρια έμπνευση για τη συγγραφή του Ανθρωποφάγου Μανιφέστο και για την αρχή ενός καλλιτεχνικού κινήματος που είχε εκθέτες σε διαφορετικά τμήματα της εθνικής τέχνης.

Η κεντρική ιδέα του ανθρωποφάγου έργου ήταν καταβροχθίζει τις επιρροές του ευρωπαϊκού πολιτισμού, καθώς δεν ισχύουν για τις συνθήκες της Βραζιλίας και από την κατάποση, τροποποιήστε αυτό που καταβροχθίστηκε, παράγοντας πραγματικά εθνική τέχνη.

Η ανθρωποφατική ζωγραφική της Tarsila συνδυάζει τη σύγχρονη εκμάθηση του κυβισμού με ένα σύμπαν μυστικιστική και ονειρική πυκνότητα, αρκετά ριζωμένη στη βραζιλιάνικη κουλτούρα, κάνοντας χρήση του Ζωηρά χρώματα, όπως κόκκινο, μοβ, πράσινο και κίτρινο. Είναι μέρος αυτής της φάσης, εκτός από το Αμπαπόρου (1928), τα έργα το μαυρο (1923), που προέβλεπε αυτήν τη φάση, Το αυγό [Urutu] (1928), Το φεγγάρι (1928), Δάσος (1929), Η δυση του ηλιου (1929), μεταξύ άλλων.

κοινωνική φάση

Μετά το χρόνο της στη Σοβιετική Ένωση και έχοντας εργαστεί ως κατασκευαστής τοιχοποιίας στη Γαλλία, η Ταρσίλα άρχισε να σκέφτεται τα θεματικά της έργα που σχετίζονται με προλεταριάτο, à κοινωνική ανισότητα, στις καταπιέσεις υπέστησαν οι εργαζόμενοι, στο προβλήματα του βιομηχανικού καπιταλισμού.

Ο πίνακας οι εργαζόμενοι (1933) εγκαινιάζει αυτή τη νέα εικονογραφική φάση, που χαρακτηρίζεται από το χρήση πιο νηφάλων και πιο γκρίζων χρωμάτων, μια αντανάκλαση της απελπισίας αυτών που, αν και εργάζονται ακούραστα, δεν είχαν πρόσβαση σε βασικά αγαθά όπως η υγεία και η εκπαίδευση. Οι πίνακες θεωρούνται επίσης ένα εξαιρετικό εικονίδιο αυτής της φάσης. ΔΕΥΤΕΡΗ ταξη (1933) και μοδίστρα (1936).

Διαβάστε επίσης:Κυβισμός - η καλλιτεχνική πρωτοπορία που επηρέασε την Ταρσίλα